Theatre Criticism

All roads lead to London - and to the West End theatre. This book presents a new history of the beginnings of the modern world of London entertainment. Putting female-centred, gender-challenging managements and styles at the centre, it redraws the map of performance history in the Victorian capital of the world. Bratton argues for the importance in Victorian culture of venues like the little Strand Theatre and the Gallery of Illustration in Regent Street in the experience of mid-century London, and of plays drawn from the work of Charles Dickens as well as burlesques by the early writers of Punch. Discovering a much more dynamic and often woman-led entertainment industry at the heart of the British Empire, this book seeks a new understanding of the work of women including Eliza Vestris, Mary Ann Keeley and Marie Wilton in creating the template for a magical new theatre of music, feeling and spectacle.

Welche Macht hat das Publikum? Kann die scheinbar simple Geste des Klatschens mehr sein als ein hohles Ritual? Und gibt es im Internet überhaupt noch ein 'klatschendes Publikum'? Judith Pietreck widmet sich aus einer medienwissenschaftlichen Perspektive erstmals ausführlich der Paradegeste des Publikums und ihrer Geschichte. Dabei kommen enttäuschte Künstler*innen, die ein Applausverbot fordern, ebenso zu Wort wie Online-Anbieter, die versuchen, ihr Geschäft mithilfe von gekauften Likes und Follower*innen anzukurbeln. Die Kulturgeschichte des Publikums und seines Klatschens eröffnet unerwartete Einblicke ins Theatergeschäft, in historische und aktuelle Medienzusammenhänge sowie in Politik und Sport.

Wie beeinflussen technologische und kulturelle Entwicklungen im Zuge der fortschreitenden Digitalisierung die Musikvermittlung? Die Beiträger*innen stellen neben Forschungsergebnissen und einschlägigen Diskursen auch exemplarisch ausgewählte Beispiele digitaler und hybrider Vermittlungspraxis sowie digitalitätsbezogene hochschuldidaktische Konzeptionen vor. Durch die Bündelung dieser unterschiedlichen Perspektiven möchte der Band Impulse für eine praxisnahe und forschungsbasierte universitäre Ausbildung von Musikvermittler*innen im Zeitalter der Postdigitalität geben.

How Shakespeare’s exploration of central human questions—about identity, politics, religion and right and wrong—explains his lasting power, popularity and relevance<BR><BR>In the eighteenth century, Samuel Johnson famously argued that Shakespeare is enduringly popular because he “is above all writers, at least above all modern writers, the poet of nature; the poet that holds up to his readers a faithful mirror of manners and of life.” Johnson’s view largely prevailed until the late twentieth century, when it was challenged by a growing scepticism about the existence of a general human nature. In Thinking Through Shakespeare, eminent literary critic David Womersley pushes back against this change by exploring how Shakespeare’s plays think through—and invite us to think through—deep human questions of lasting importance.<BR><BR>Thinking Through Shakespeare explores four perennial human problems: personal identity, the distinction between civilization and barbarism, the relation between political power and religious authority and the tension between means and ends. It examines the history of these problems, from antiquity to today, and traces how Shakespeare engages with them in the great tragedies—Othello, Hamlet, Macbeth and King Lear—but also in his other plays. Without arguing that human nature is universal or unchanging, or that Shakespeare has some special access to timeless wisdom, the book makes the case that his drama is powerful because it serves as a forensic tool, probing rival perspectives on questions that have preoccupied many people in many societies over many centuries.<BR><BR>By revealing in new ways how Shakespeare’s plays are animated and driven by central human problems, and why he should again be viewed as the great poet of human nature, Thinking Through Shakespeare opens up a richer understanding and appreciation of his work.

Never before has the disturbing story of blackface and its piercing reflection of American society been so comprehensively told. Darkology meticulously unravels this complex, subterranean and all-too-often expunged history. By 1830, blackface, which caricatured ex-slaves for their supposed subservience and happy demeanour, had become a venomous cultural export. Blackface theatre soon segued into everyday amateur shows during Jim Crow, whose name derives from minstrelsy's founding character. Beloved by presidents including FDR and Gerald Ford, blackface saturated twentieth-century America, permeating US military bases abroad and Second World War Japanese American internment camps as an "Americanisation" tool. Despite a 1950s backlash led by Black mothers protesting public school performances, 1960s college students from California to Vermont aggressively challenged legal bans. With its gripping writing and penetrating archival research, Darkology is a landmark work that peers beneath the historical boulders that deliberately obscure America's racial past.

Lauren Bacall (1924–2014), or Betty, as she was known to friends, was one of the last great movie stars of the Golden Age of Hollywood. Her career spanned seven decades and was one of the longest and most distinguished in the history of show business. Yet it wasn’t easy. After becoming a star at nineteen with her first film, To Have and Have Not (1944), she joked there was nowhere for her to go but down. She became an icon of film noir before the term was even coined. A cool, sophisticated, sexy, and ultramodern woman, she projected confidence and independence. Lauren Bacall: The Queen of Cool is the first book to bring together all aspects of the legendary star’s life and career, exploring her iconic style, her extensive body of work, as well as her friendships and relationships with some of the most famous figures of the twentieth century. Her relationship with Humphrey Bogart is the stuff of legend, the most beloved pairing of classical Hollywood, a perfect blend of romance, glamour, and cinematic glory. When Bogart died in 1957, Bacall was a mere thirty-three years old, and for the rest of her life she would wrestle with the legend of her late husband, struggling to prove to the industry that she was more than just the most famous widow in Hollywood. That she managed to achieve in spades, becoming a two-time Tony Award–winning Broadway star, a bestselling author, and continuing a successful, though at times rocky, screen career, which brought her an Academy Award nomination in 1996 and an Honorary Oscar in 2009. Combining meticulous research with stunning photographs, author Anthony Uzarowski presents in this volume a multidimensional portrait of the woman and the star that was Lauren Bacall.

A fascinating, behind-the-scenes diary account of working on a major production of Beckett's iconic play from acclaimed actor Lucian Msamati.<BR><BR>From his agent's phone call offering him the role of Estragon, Lucian Msamati brings brilliantly to life the experience of co-starring with Ben Whishaw in James Macdonald's celebrated production of Waiting for Godot in London's West End. With the likes of Jonathan Slinger as Pozzo and Tom Edden as Lucky, this production has some of today's finest theatre actors bringing new life and meaning to Beckett's 1949 play.<BR><BR>Through rehearsal room highs and lows, workaday laughs and tears, literal stumbles and grumbles, we journey with Lucian, his fellow actors and creatives, and Beckett's play, sharing in the personal and dramaturgical discoveries they make and the inevitable emotional contours of an experience as intense as this one.<BR><BR>As the final curtain comes down (and Lucian's trousers, too, as it happens) after the production's four-month run, we feel intimately connected with Beckett's elusive play and characters, slightly more able to navigate the play's surprising twists and turns, and with a renewed sense of appreciation for the work and graft of an actor and all that comes with it.

In the league table of the funniest universities in the world, Cambridge wears the crown. Home of Britain's oldest student sketch comedy troupe, the Cambridge Footlights, it has been a veritable conveyor belt of comic talent that's been rolling for more than a century.<BR><BR>From Monty Python, The Goodies and Not the Nine O'Clock News to Peep Show, QI and The Great British Bake-Off, its alumni are behind many of the shows that have entertained audiences from the 1960s to today. This book tells the story of the Footlights, chronicling its evolution from its creation in the 1880s to the present.<BR><BR>The Footlights has long been a potential portal to fame: talent scouts, especially from the BBC, were in the habit of coming up to Cambridge on the lookout for comedy writers and material. This book traces the journeys of its most distinguished alumni, including Germaine Greer, John Cleese, Douglas Adams, Peter Cook, Stephen Fry, Hugh Laurie, Miriam Margolyes, Emma Thompson, Richard Ayoade, David Mitchell and Sue Perkins, among many others.<BR><BR>Featuring interviews with numerous former Footlights alumni, and accounts of routines and revues, it vividly captures the desire of each successive intake to make their comic mark. Through examining the impact of the Footlights on British popular culture and comedy over the last 60 years, it demonstrates how its farces, musical comedies, pantomimes and the famous May Week revues have both reflected the tastes of the times and served as a 'nursery' for generations of comic writers and performers. In the world of comedy, it is a unique institution.

Seit fast vier Jahrhunderten prägt das Passionsspiel die bayerische Gemeinde Oberammergau. Was als frommes Gelübde in Zeiten von Krieg und Pest begann, wurde im 19. Jahrhundert zu einem kulturellen Phänomen, das bis heute Besucher:innen aus aller Welt anzieht, wie bescheidene Pilger:innen, die mondäne Oberschicht oder Pauschalreisende. Auch die Nationalsozialisten nahmen Oberammergau in den 1930er Jahren für sich in Anspruch. Es ist ein Ort, an dem sich viele Räume überlagern, bestätigen und widersprechen.Dominic Zerhoch entwickelt eine spatiale Theaterhistoriographie, die zeigt, wie sich das Passionsspiel und der Ort Oberammergau wechselseitig formen. Die Aufführung der Spiele ist dabei nicht nur ein Ereignis, sondern konstitutiver Teil eines räumlich-produktiven Prozesses, der Geschichte, Tradition und kulturelle Praxis verbindet. Wie beeinflusst der Ort das Spiel - und wie prägen besonders die vielfältigen medialen und künstlerischen Repräsentationen Oberammergau?Die in der Studie eingenommene Perspektive einer entgrenzten Szenographie verdeutlicht, wie die räumliche Produktion der Passion weit über die Bühne des Passionstheaters hinausreicht, und ermöglicht die Analyse bislang unbeachteter Quellen: Reisebroschüren, Photographien, Filmaufnahmen, Fassadenmalereien und die Architektur des Passionstheaters prägen die Wahrnehmungen Oberammergaus bis heute. Sie offenbaren sowohl räumliche Persistenz als auch historische Umbrüche - Spannungsfelder zwischen Tradition und Moderne, Pilgerschaft und Massentourismus, religiösem Ritual und politischer Instrumentalisierung.Staging Oberammergau verbindet theater-, kultur- und medienwissenschaftliche Ansätze und eröffnet eine neue Sicht auf Oberammergau und sein Passionsspiel als dynamischen, vielschichtigen Raum. Eine Lektüre für alle, die sich für Theatergeschichte, Raumtheorien und kulturelle Traditionen interessieren - und für jene, die das Passionsspiel neu entdecken wollen.

Das Register der Namen und Begriffe ist in fünf Kapitel aufgeteilt: Personennamen, Dramen, Orte, literarische und historische Gestalten sowie Begriffe rund um das Theater. Während letztere Kapitel nur in den Bänden des Hauptwerkes vorkommen, deshalb v.a. eine bequeme Übersicht der vergebenen Stichworte ergeben, bietet das Register der Personen dem Benutzer einen weitaus größeren Mehrwert: Es wird ersichtlich, ob die gesuchte Person im "Grundwerk" oder in den Nachtragsbänden oder in beiden vorkommt. Darüberhinaus wurden zusätzlich Personen an einer einzigen Fundstelle zusammengeführt, auch wenn sie unter unterschiedlichen Namen im Lexikon vorkommen. Wo notwendig, wurden Verweise eingefügt.

Klimawandel und Artensterben sind seit Jahrzehnten bekannt, doch viele scheuen weiterhin die Konsequenzen notwendiger Veränderungen. Theater, Drama und Theatertext spielen traditionell eine gewichtige Rolle in gesellschaftspolitischen Reflexionsprozessen. Der Band versammelt Beiträge führender Wissenschaftler:innen, Dramatiker:innen und Dramaturg:innen, die sich mit der Frage auseinandersetzen, wie die Krise nicht nur als abstrakte Bedrohung, sondern als konkrete Realität dargestellt werden kann, welche neuen Ästhetiken und Dramaturgien geeignet sind, nichtmenschliche Akteur:innen einzubeziehen und den anthropozentrischen Blickwinkel aufzubrechen. Dabei soll nicht nur wirksam reagiert, sondern auch zum Handeln motiviert werden.

August Wilhelm Iffland legte die Korrespondenz, die er als Direktor des Berliner Nationaltheaters von 1796 bis 1814 führte, geordnet ab und etablierte so ein administratives und dramaturgisches Archiv, das zu einem wichtigen Arbeitsinstrument seiner Theaterleitung wurde. Dieses Archiv eignet sich in besonderer Weise dafür, Einblicke in die komplexen Entstehungsprozesse von Theateraufführungen zu eröffnen. Eine Theateraufführung entsteht durch die Interaktion verschiedener Elemente: institutioneller Rahmen, Raum, Darsteller, Publikum, Bühnenspiel, Text, Musik, Tanz, Kostüme, Dekorationen, Requisiten, Beleuchtung. Mit der vorliegenden Briefauswahl und den einführenden Texten wird der Versuch unternommen, diese Elemente sichtbar zu machen.

Nur im Kino lässt sich der intime und magische Moment der Verwandlung einer Figur in einen Clown beobachten. Warum findet sich eine solche Maskierungsszene immer wieder in Filmen, selten jedoch im Theater oder Zirkus? Dass dies kein Zufall ist, macht Yvonne Augustin anhand detaillierter Filmanalysen unterschiedlicher Regionen und Epochen deutlich. Dabei zeigt sich, dass genau in dem Augenblick der Clown-Werdung gesellschaftliche Masken fallen und kulturelle Ängste sowie soziale Konflikte demaskiert werden. Eine Vielzahl von Beispielen aus der älteren und jüngeren Filmgeschichte macht die Lektüre zu einem Streifzug durch die bunte, wenn auch nicht immer fröhliche Welt filmischer Clowns-Figuren und ihrer Masken.

Die Aufführung des "Jedermann" auf dem Salzburger Domplatz am 22. August 1920 gilt allgemein als informeller Gründungsakt der Salzburger Festspiele. Ein dauerhafter Erfolg des von Hugo von Hofmannsthal, Max Reinhardt und der Salzburger Festspielhaus-Gemeinde gemeinsam betriebenen Projekts war damit aber noch nicht gewährleistet. Der vorliegende Band dokumentiert neben den langwierigen Verhandlungen über die Aufführung des "Salzburger großen Welttheaters" 1922 die krisenhafte Entwicklung der Festspiele in den Jahren 1921 bis 1924, die von schwierigen politischen und wirtschaftlichen Rahmenbedingungen und heftigen Konflikten innerhalb der Festspielhaus-Gemeinde gekennzeichnet war. Eine institutionelle Konsolidierung zeichnete sich erst um die Jahreswende 1924/25 ab, als der Salzburger Landeshauptmann Franz Rehrl die Festspiele zu einer Angelegenheit des Landes Salzburg machte und den Bau des ersten Festspielhauses ermöglichte. Eine ausführliche historische Einleitung und ein detaillierter Kommentarteil ergänzen den Band.

Wie entstehen innovative Theaterabende, die ästhetische, technologische und organisationale Konventionen herausfordern? In ihrer Ethnographie der Freien Gruppe Rimini Protokoll erforscht Anna Königshofer die Bedingungen und Effekte von Geteilter Autor:innenschaft im postdigitalen Theater: Wie entwickelt man eine Vision kollaborativ? Welche Rolle spielen Techniker:innen und Testpublikum in den Proben mit algorithmischen Spielsystemen? Und wer löst die sich 'verknotenden' Praxislogiken wieder auf? Ausgehend von der Werkserie 'Staat 1-4. Phänomene der Postdemokratie' rekonstruiert dieses grundlegende Werk der praxeologischen Theaterforschung exemplarisch das 'becoming' von Rimini Protokolls immersiven Formaten und gibt tiefe Einblicke in hochkomplexe, mehrstimmige und nonlineare Kreationsprozesse, in denen Theater um die Zuschauerin herum entwickelt wird.

A Student Edition of Euripides' play, which accessibly unpacks Greek tragedy in its social context, issues of translation and adaptation, and performance approaches over the centuries.<BR><BR>Euripides' play Medea was first produced in 431BC and continues to be produced globally to this day. Its power and timeless appeal for audiences rests in its portrait of a woman driven to murder the new wife of the man who abandoned her and to murder her own children. In more recent times, Medea's actions have been taken as a symbol of female power in an otherwise male-dominated society.<BR><BR>Will Shüler's commentary in this Student Edition looks at the violence of the play - both onstage and off; the original performance conditions; staging challenges, both then and now (including Medea's exit on a dragon); the notion of myth and how Greek tragedians were telling old stories to get new meanings; and how the play has evolved through translation.<BR><BR>It considers a range of productions up to the present day, including the 2014 National Theatre production directed by Carrie Cracknell and starring Helen McCrory; Sophie Okonedo as Medea at the Soho Theatre, London, in 2023; and the 2000 Australian version, Black Medea, which interpreted Medea as an indigenous woman brought to a city by her ambitious husband.

Billie Holiday, Édith Piaf, Claire Waldoff - Chanson- und Jazzsängerinnen sind beliebte Sujets des populären Musiktheaters. Bei solchen Produktionen beschäftigen sich die Theaterakteur*innen mit Musikgeschichte, aber auch mit der Genderperformance der dargestellten Musikerin: Sie denken über Selbstinszenierung, Leben und Musik der historischen Person, aber auch über (Musik-)Geschichtsschreibung nach. Erstmals setzt Clémence Schupp-Maurer diese Auseinandersetzung in den wissenschaftlichen Fokus. Mit einer innovativen Methode, die Ansätze aus der Ethnologie, Theaterwissenschaft und Musikwissenschaft kombiniert, analysiert sie, wie Musikgeschichte und Genderkonzepte auf der Bühne entstehen.

Stimme - Kritik - Emotion. Diese drei Begriffe markieren das komplexe, interdisziplinär verwobene Feld, mit dem sich die Literatur-, Kultur- und Theaterwissenschaftlerin Doris Kolesch in ihrer Forschung auseinandersetzt. Mit ihren Arbeiten zur Ästhetik, Medialität und Performanz der Stimme sowie zum theatralen Charakter von Emotionen und ihrer sozial-relationalen Hervorbringung hat sie zwei für die Ästhetik und die Gesellschaftstheorie herausfordernde Phänomene wesentlich theaterwissenschaftlich konturiert.Das Paradigma der Performativität grundiert Doris Koleschs Auseinandersetzung mit Stimm- bzw. Klanglichkeit und mit P/Re/enactments von Emotionen dabei ebenso wie ihre intensive Auseinandersetzung mit Gender- und Queer-Theorien. Kennzeichnend für ihre gesamte Forschung ist der beständige Anspruch, Phänomene der Gegenwart sowohl kritisch zu beleuchten als auch zu historisieren und ihre kulturgeschichtlichen Genealogien fassbar zu machen. Ebenso sticht ihre beharrliche Leidenschaft für präzise Begriffsarbeit und Differenzierung hervor.Die Festschrift versammelt Stimmen und Perspektiven von 25 nationalen und internationalen Kolleg:innen, Wegbegleiter:innen und Mitarbeiter:innen von Doris Kolesch. Sie alle nehmen nochmal Fäden gemeinsamen Nachdenkens zu den unterschiedlichsten Themen aus Gegenwartstheater, Literatur, Affekttheorie, Tanzgeschichte, Hörkunst, feministischer Performancekunst oder theaterwissenschaftlicher Methodenreflexion auf. Damit öffnen sie zugleich einen interdisziplinären Polylog zu den Phänomenbereichen Stimme, Performativität, Gender & Queerness, Kritik & Politik, Emotionen & Affekte und Immersion - wie sie von Doris Kolesch in den vergangenen Jahrzehnten intensiv u.a. in den Sonderforschungsbereichen "Kulturen des Performativen", "Affective Societies" und "Intervenierende Künste" an der Freien Universität Berlin beforscht wurden und weiterhin werden.Mit Beiträgen von Evelyn Annuß, Christopher Balme, Georg Bertram, Miriam Dreysse, Silke Felber, Erika Fischer-Lichte, Anne Fleig, Mariko Harigai, Beate Hochholdinger-Reiterer, Friedemann Kreuder, Jan Lazardzig, Annette Jael Lehmann, Annemarie Matzke, Ulf Otto, Vito Pinto, Tiina Rosenberg, Birgitt Röttger-Rössler, Jenny Schrödl, Sabine Schülting, Theresa Schütz, Christina Thurner, Ulrike Vedder, Matthias Warstat, Christel Weiler und Layla Zami.

1633 wütete die Pest in Oberammergau. In höchster Not schlug die Gemeinde Gott einen Handel vor: Würde er das Dorf von der Pest befreien, wolle man fortan alle zehn Jahre das Spiel von Leiden, Sterben und Auferstehung Jesu Christi aufführen. Von da an sei niemand mehr gestorben, und Oberammergau erfüllt seine Vertragspflicht bis heute, in der Regel im letzten Jahr eines Jahrzehnts.So oder ähnlich ist die Geschichte des Oberammergauer Passionsspiels vielerorts zu lesen. Statt sie noch einmal zu erzählen, fragt dieses Buch danach, was die 'Institution' Oberammergau ist, was sie leistet und warum sie bis heute funktioniert. Es fragt nach historischen Um- und Seitenwegen, nach den politischen, sozialen und ästhetischen Imaginationen, die das 'Passionsdorf' bei seinen Besucher*innen und seinen Einwohner*innen auslöst, nach der Inszenierung von Brüchen und Kontinuitäten und nach der Gegenwart der Passion in einer multiplen Moderne.Dazu verhandelt es Reisedispositive von Oberammergau ebenso wie Raum- und Zeitordnungen des Dorfes, seines Theaters und seines Umlands. Weiterhin untersucht es die literarische Produktivität des Oberammergau-Phänomens, die Hybridisierungen des Spiels und die Heterogenität seiner Schau- und Spielkollektive seit dem 19. Jahrhundert. Schließlich nimmt es auch die Selbstarchivierungen und Selbstpräsentationen der Spielgemeinde und die 'Dinge der Passion' in den Blick, die Konsistenz und Stabilität suggerieren, aber immer wieder anders in Narrative und in performative Zusammenhänge eingebunden sind. Die vorliegende Studie bündelt Ergebnisse eines seit 2017 laufenden interdisziplinären Forschungsprojekts, zielt darüber hinaus aber auch auf eine weitere vertiefte Auseinandersetzung mit der Kulturgeschichte der Passionsspiele: mit medievalism und multiplen Modernen, mit heiligem Leid im Theater, mit Ästhetik und Ethik von Institutionalität. Neben einer linearen Lektüre laden ein ausführliches Register und ein Querverweissystem zu einem abschnittsweisen oder thematisch springenden Lesen ein.