Renaissance

Raffael (1483-1520) gilt neben Michelangelo und Leonardo als bedeutendster Künstler der italienischen Hochrenaissance. In seiner kurzen Lebenszeit schuf er um die hundert Gemälde und zahlreiche Fresken, darunter neun Freskenzyklen, in einer unübertroffenen Themenvielfalt, von sinnlichen Frauenschönheiten und antiken Mythen über Bildnisse wohlhabender Römer und kirchlicher Würdenträger bis hin zu Historienzyklen und Bibelszenen. Daneben schuf er Altargemälde sowie Wandteppiche für die Sixtinische Kapelle. Seine Sixtinische Madonna ist eines der am häufigsten reproduzierten religiösen Gemälde aller Zeiten. Raffael war ein unermüdlich Lernender: kein Stillstand, kein Wiederholen der bewährten Muster, sondern das ständige Fortschreiten einer unerschöpflichen Fantasie. Sein zentrales Thema, die visionäre Erfahrung göttlicher Gnade, verwandelte er in sichtbare Bildwirklichkeit. Sein reifes Wirken in Rom, vor allem die Fresken im Apostolischen Palast, sicherte ihm seinen Platz in der Kunstgeschichte. Noch zu Lebzeiten verehrte man ihn als modernsten Künstler seiner Zeit, dessen Meisterschaft den Weg zu Manierismus und Barock ebnen sollte.

The Renaissance is one of the most studied and celebrated eras of history. Spanning the end of the Middle Ages to the beginning of modernity, it has come to symbolise the transformative rebirth of knowledge, art, culture and political thought in Europe. And for the last two hundred years, historians have struggled to describe what makes this famous golden age unique.<BR><BR>In Inventing the Renaissance, acclaimed historian Ada Palmer provides a fresh perspective on what makes this epoch so captivating. Her witty and irreverent journey through the fantasies historians have constructed about the period show how its legend derives more from later centuries' mythmaking than from the often grim reality of the period itself. She examines its defining figures and movements: the enduring legacy of Niccolò Machiavelli, the rediscovery of the classics, the rise of the Medici and fall of the Borgias, the astonishing artistic achievements of Michelangelo, Leonardo, and Cellini, the impact of the Inquisition and the expansion of secular Humanism. Palmer also explores the ties between culture and money: books, for example, could cost as much as grand houses, so the period's innovative thinkers could only thrive with the help of the super-rich. She offers fifteen provocative and entertaining character portraits of Renaissance men and women, some famous, some obscure, whose intersecting lives show how the real Renaissance was more unexpected, more international and, above all, more desperate than its golden reputation suggests.<BR><BR>Drawing on her popular blogs and writing with her characteristic energy and wit, Palmer presents the Renaissance as we have never seen it before. Colloquial, funny and brilliant, you would never expect a work of deep scholarship to make you alternately laugh and cry.

A reconsideration of Filippino Lippi’s transformative Roman period and the ensuing evolution of his innovative style, as reflected in his Holy Family tondo in Cleveland—a masterpiece that exemplifies this pivotal phase in his career<BR>  <BR> Between 1488 and 1493, leading Florentine artist Filippino Lippi (ca. 1457–1504) relocated to Rome to complete his celebrated frescoes in the funerary chapel of Neapolitan cardinal Oliviero Carafa in the major Dominican church of Santa Maria Sopra Minerva. During this time, Filippino also painted a magnificent tondo for Carafa: The Holy Family with Saint John the Baptist and Saint Margaret. Focusing on this seminal work in his oeuvre, Filippino Lippi and Rome traces the arc of the painter’s artistic practice before, during, and after his Roman period, illuminating the evolution of his processes and iconographic ingenuities. This in-depth study presents new scholarship on the inspiration Filippino found in the Eternal City and how The Holy Family tondo—the only known independent work produced by Filippino in Rome—influenced artists from Raffaellino del Garbo to Jan Gossaert to Leonardo da Vinci. Moreover, the essays and catalogue entries in this volume draw on recent technical analyses that had, for the first time, revealed the tondo’s underdrawing and pentimenti, shedding new light on Filippino’s painting techniques. These texts are accompanied by a chronicle of the work’s rediscovery at the start of the nineteenth century and the dramatic turn of events that led to its acquisition by the Cleveland Museum of Art in 1932.<BR>  <BR> Distributed for the Cleveland Museum of Art<BR>  <BR>Exhibition Schedule:<BR>  <BR>Cleveland Museum of Art<BR> (November 30, 2025–February 22, 2026)

Raffael (1483-1520) gilt neben Michelangelo und Leonardo als bedeutendster Künstler der italienischen Hochrenaissance. In seiner kurzen Lebenszeit schuf er um die hundert Gemälde und zahlreiche Fresken, darunter neun Freskenzyklen, in einer unübertroffenen Themenvielfalt, von sinnlichen Frauenschönheiten und antiken Mythen über Bildnisse wohlhabender Römer und kirchlicher Würdenträger bis hin zu Historienzyklen und Bibelszenen. Daneben schuf er Altargemälde sowie Wandteppiche für die Sixtinische Kapelle. Seine Sixtinische Madonna ist eines der am häufigsten reproduzierten religiösen Gemälde aller Zeiten. Raffael war ein unermüdlich Lernender: kein Stillstand, kein Wiederholen der bewährten Muster, sondern das ständige Fortschreiten einer unerschöpflichen Fantasie. Sein zentrales Thema, die visionäre Erfahrung göttlicher Gnade, verwandelte er in sichtbare Bildwirklichkeit. Sein reifes Wirken in Rom, vor allem die Fresken im Apostolischen Palast, sicherte ihm seinen Platz in der Kunstgeschichte. Noch zu Lebzeiten verehrte man ihn als modernsten Künstler seiner Zeit, dessen Meisterschaft den Weg zu Manierismus und Barock ebnen sollte.

Nürnberg entwickelte sich zwischen 1300 und 1600 zu einem global vernetzten Handelszentrum. Wirtschaft, Politik, Kunst und Kultur waren eng miteinander verwoben. Der Katalog zeichnet die expandierenden Netzwerke der Stadt vom späten Mittelalter bis zur Renaissancezeit nach und reflektiert kritisch die Rolle Nürnbergs in einer zunehmend globalisierten Welt. Der Erfolg als internationales Wissenszentrum und innovativer Industriestandort ermöglichten die kulturelle Blüte Nürnbergs zur Zeit Albrecht Dürers. Zu deren Voraussetzungen gehörten aber auch die Ausbeutung von Ressourcen, der Boom des Waffenhandels und frühe koloniale Aktivitäten. Die Publikation beleuchtet diese wenig erforschten Facetten der Stadtgeschichte und präsentiert faszinierende Exponate aus dem In- und Ausland. - Ausstellung Germanisches Nationalmuseum, Nürnberg, 25. September 2025 bis 22. März 2026 - Geschichte der frühen Globalisierung mit Fokus auf Nürnberg - Faszinierende Exponate - Unerwartete und kritische Perspektiven auf die Kunst

Im Gebetbuch Maximilians I., gedruckt 1513 in Augsburg, finden sich Zeichnungen der bekanntesten deutschen Renaissance-Künstler: Albrecht Dürer, Hans Burgkmair, Lucas Cranach, Hans Baldung gen. Grien, Albrecht Altdorfer und Jörg Breu haben im Auftrag des Kaisers einen gedruckten liturgischen Text mit filigranen Randillustrationen verziert. Nur eines von zehn erhaltenen Exemplaren enthält diese Federzeichnungen, deren Funktion - ob Vorzeichnungen für Holzschnitte oder autonome Zeichnungen - die Kunstgeschichte lange gespalten hat. Parallel entstand eine zweite Ausgabe mit Holzschnitten von Hans Schäufelin. Die vorliegende Studie erfasst den erhaltenen Bestand der Gebetbücher und zeichnet ihre Entstehungsgeschichte nach.

From the acclaimed author of Michelangelo, God’s Architect, a dual biography of two towering artists of the Renaissance, whose decades-long rivalry spurred both to greater heights<BR><BR>In 1529, Michelangelo was in Venice when he first met Titian, Venice’s famed painter of princes, gods, and goddesses. Coming face-to-face with Titian’s drama-infused, richly colored works, the creator of David and the Sistine Chapel ceiling realized he had met a worthy opponent. Twenty-five years later, Titian came to Rome to paint the pope, and the two met again. Painting in the Vatican, Titian experienced the full power of Michelangelo’s work and vowed to surpass the achievements of his older contemporary.<BR><BR>Michelangelo and Titian is the untold story of history’s greatest artistic rivalry, a competition between two monumental figures more admiring of one another than either would ever admit. William Wallace brings the world of the sixteenth century to life, and in particular its culture of gossip and intrigue. Wallace challenges the established narrative of this relationship as mostly one-sided, with the younger artist in competition with the reigning master. He shows how the artists moved in overlapping courtly and papal circles, sharing the patronage, power, and sometimes friendship of the most important people of their era, including members of the Medici, Este, and Farnese families. Wallace traces how, over the span of some forty years, this unspoken rivalry was reciprocal and mutually beneficial, with each learning from the other’s brilliance, quietly seeking to best the other’s work and secure his own legacy.<BR><BR>An extraordinary achievement, Michelangelo and Titian is a compelling account of two supremely gifted rivals who inspired each other to test the limits of their creative genius, and in doing so created some of the most astonishing works of art the world has ever known.

German editionSince the 16th century, Dresden's Royal Palace has been a venue for glittering balls, masquerades, and rituals of political power. In the restored banquet halls, the Rüstkammer (Armoury) presents works of art belonging to the most precious relics of European festive culture. In the Großer Ballsaal (Great Ballroom), the sun mask of Augustus the Strong, silver armour, imaginative insignia, horses with sumptuous riding equipment, and a sleigh decorated with hundreds of bells are reminders of magnificent festive celebrations. Symbols of power take centre stage in the Propositionssaal (Proposition Hall): Insignia ranging from the electoral hat and coronation mantle to medals and busts of Saxon monarchs are on display in the place where Saxony's first constitution was proclaimed in 1831. The collection, which has undergone extensive restoration in recent years, is being presented for the first time in this dedicated publication.- Internationally unique testimony to festive culture and the representation of power from the 16th to the 19th century- Permanent exhibition in the Armoury of Dresden's Royal Palace, starting in March 2026: "Masks and Crowns - Festive Culture and Representation of Power"

One of the most outstanding male nudes from the Mannerist period Giambolognas bronze statuette Mars (ca. 1570) is among the most impressive depictions of the god of war. It unites ancient ideals with artistic innovation. This symbol of sovereignty is masterfully realized in the powerful appearance of the statuette.Giambologna's Mars is the artist's only known gift to a prince. Symbolically, he stands between war and peace, destruction and renewal. Why the artist depicted the god of war not in full armor, but rather nude, is one of many intriguing questions the book explores. Starting with Mars as the central figure, the volume illuminates Giambolognas uvre and artistic milieu, whose creations had a lasting influence on late Renaissance art.ARTISTS: GIAMBOLOGNA, ANTONIO SUSINI, GIOVANNI FRANCESCO SUSINI, PIETRO TACCA, ADRIAEN DE VRIES

Images of chaos cannot truly exist, as they would show the state of the world before its creation. Nevertheless, from antiquity through the Middle Ages to the present day, there have been repeated attempts to visualize what eludes our experience. Interplay with the conceptual history of chaos forces images of chaos to iconic aporias: this book presents a first comprehensive examination of such ideas.<BR>From the first depiction of chaos in a provincial Roman mosaic, the field of investigation extends into the 18th century and includes excursions into 19th-21st century art. Chaos images are characterized by entangled pagan and Christian ideas. In the Daoist tradition of China, visual concepts of chaos lead to extremely subtle iconic aporias.

Albrecht Dürer ist das unbestrittene Genie der nordischen Renaissance, ein Visionär, der sich nicht auf ein einzelnes Medium beschränkte. Ob Malerei oder Druckgrafik, Zeichnung oder Kunsttheorie - sie alle beherrschte er mit überwältigendem Sachverstand. Zu Lebzeiten berühmt für seine Porträts von Patriziern und Adeligen, war es Dürer, der mit seinen brillanten Zeichnungen und Aquarellen die einfache Skizze in eine eigenständige Kunstform verwandelte. Werke wie der Feldhase sind Wunder der Beobachtung. Sie fangen das Leben mit einer Präzision und Empfindsamkeit ein, die bis heute begeistern.Die Reichsstadt Nürnberg, die damals ihre Blütezeit erlebte, war Dürers Zuhause. Doch seine Reisen brachten ihn in Berührung mit dem Humanismus der Renaissance, den Farben Venedigs und den Idealen der klassischen Schönheit. All diese Einflüsse sog er auf und interpretierte sie mit der Präzision des Nordeuropäers neu. Als Hofkünstler Kaiser Maximilians I. und Vertrauter von Humanisten wie Erasmus von Rotterdam bewegte er sich wie selbstverständlich unter den bedeutenden Größen seiner Zeit. Seine Betrachtungen zu Maß und Proportion machten ihn zu einem der großen Denker Europas. Dennoch hörte er nie auf, Werke von erstaunlicher Intimität hervorzubringen - vom unerschrockenen Selbstporträt über ausgefeilte Drucke bis hin zur sorgfältig beobachteten Studie.Mit allen bekannten Gemälden - davon etliche neu fotografiert - und fast 500 Zeichnungen fängt der Band die Vielfalt des Dürer'schen Genies ein. Zwischen monumentalen Altarbildern und intimen Porträts, feinfühligen Umgebungsstudien und gewagten Experimenten zeigt sich ein Künstler seiner Zeit, der zugleich seiner Zeit voraus war, ein Neuerer, dessen Blick auch heute noch aktuell erscheint. Viel mehr als ein Handbuch ist dieser Band die Hommage an einen Universalgelehrten, der weiterhin verblüfft und inspiriert.

Die schlecht erhaltene und restaurierte Wandmalerei mit ursprünglich acht Hauptbildern wurde in der Forschung kaum zusammenhängend analysiert. In diesem Buch werden die Wandbilder mit Bezug auf antike Quellen wie Ovid, Apuleius, Euripides und Vergil von der Autorin in einen gemeinsamen Kontext gestellt und als in Malerei umgesetzte Metamorphosen gedeutet. Es erfolgt eine kritische Auswertung der verfügbaren Quellen und Kenntnisse von damals und heute mittels Graphiken, literarischer Zeugnisse und Restaurierungsberichten. Die Autorin stellt außerdem Überlegungen zu dem thematisch bislang unbekannten achten Wandbild an. Die Spuren führen zu einem Neptunbild, das einst dem bedeutenden Kunstsammler und Kardinal Joseph Fesch gehörte.

Leonardo da Vinci (1452-1519), bis heute der Inbegriff des Universalgelehrten, ist selbst in der an Genies nicht armen Epoche der Renaissance noch eine Ausnahmeerscheinung. Dieser Band liefert ein kompaktes Werkverzeichnis der meisterhaften Gemälde des mit vielen Talenten gesegneten Künstlers. Das auf unserem XXL-Bestseller Leonardo basierende Buch zeigt sämtliche bekannten Gemälde und bringt uns mithilfe einer Vielzahl von Dokumenten - Briefe, Verträge, Tagebucheinträge und andere Selbstzeugnisse - auch den Menschen Leonardo und seine Zeit näher. Von der Felsgrottenmadonna über Anna selbdritt bis zur geheimnisvollen Mona Lisa findet man hier die edelsten Schätze des Louvre, des Prado und der Londoner Nationalgalerie vereint.

The murals of the Battle of the Milvian Bridge and the Vision of the Cross in the Sala di Costantino in the Vatican, named after the fresco-cycle conceived by Raphael and executed by Giulio Romano, are regarded by scholars as originating from an intense study of antiquity in Raphael's circle, followed by a desire to achieve an historically accurate approach to ancient art. However, Raphael was recognised already by Giorgio Vasari, Ludovico Dolce and Annibale Carracci, not only for his expertise on antiquity, but also for his poetic qualities as an outstanding history painter. Based on the motto anticamente moderno e modernamente antico, with which Pietro Aretino describes Giulio Romano's ideal synthesis of ancient and contemporary art, Michail Chatzidakis analyses the difference between historical and poetic methods of representation in order to determine more precisely the relationship between archaeological precision and poetic creativity in the work of Raphael and his circle in the Sala di Costantino.

Diese kulturgeschichtliche Untersuchung hat die intermediale Popularisierung der Erzählung vom Bethlehemitischen Kindermord aus Matthäus 2 (16-18) zum Gegenstand. Vom Bibelmotiv und seiner theologischen Auslegung ausgehend zeichnet die Studie interkonfessionelle Austausch- und Adaptationsprozesse nach. Sie blickt dafür in die Literatur (Marino, Brockes) ebenso wie in die Malerei und in die Musik.

The Art of Travel series showcases the world's greatest artists, and the places where they lived and worked. See the sights through their eyes, and watch their masterpieces come to life. Transport yourself back in time to meet Caravaggio navigating the mean streets of 17th-century Rome. Or head to 18th-century Venice, where Canaletto paints supersized postcards for Grand Tourists. Or to medieval Florence, where Giotto is hard at work in the Bardi chapel. Wherever you're heading, the Art of Travel series takes you on a journey into the heart of Italy's great cities, with its best-loved artists as your tour guides. With twelve chapters, each devoted to an artist or group of artists, and a dozen itineraries to choose from, you can immerse yourself in their world, wandering in and out of churches, palaces and grand residences to admire their work in situ - all from the comfort of your armchair. Each chapter begins with an illustrated map, featuring hand-drawn vignettes that bring to vivid life episodes from the artists' often turbulent lives, as well as key landmarks and local colour. Set off on your own Grand Tour for the 21st century.

One of the major achievements of modern art has been the depiction of people. Italian artists developed new strategies in drawing to visualize people. While 15th-century artists worked mainly with silverpoint and pen, new drawing media soon emerged. They made it possible to better understand people and their outward appearance, and even to penetrate the realms of emotion and feeling. A selection of 100 sheets from the plentiful Munich collection of nude, garment, and head studies from the Renaissance to the 18th century is presented here. The works show how the artists of various Italian artistic regions and epochs chose their means of drawing to convey an individually characterised image of humanity. Look inside Exhibition Staatliche Graphische Sammlung Munich<BR>January 23, until April 13, 2025<BR>

Albrecht Dürer ist das unbestrittene Genie der nordischen Renaissance, ein Visionär, der sich nicht auf ein einzelnes Medium beschränkte. Ob Malerei oder Druckgrafik, Zeichnung oder Kunsttheorie - sie alle beherrschte er mit überwältigendem Sachverstand. Zu Lebzeiten berühmt für seine Porträts von Patriziern und Adeligen, war es Dürer, der mit seinen brillanten Zeichnungen und Aquarellen die einfache Skizze in eine eigenständige Kunstform verwandelte. Werke wie der Feldhase sind Wunder der Beobachtung. Sie fangen das Leben mit einer Präzision und Empfindsamkeit ein, die bis heute begeistern.Die Reichsstadt Nürnberg, die damals ihre Blütezeit erlebte, war Dürers Zuhause. Doch seine Reisen brachten ihn in Berührung mit dem Humanismus der Renaissance, den Farben Venedigs und den Idealen der klassischen Schönheit. All diese Einflüsse sog er auf und interpretierte sie mit der Präzision des Nordeuropäers neu. Als Hofkünstler Kaiser Maximilians I. und Vertrauter von Humanisten wie Erasmus von Rotterdam bewegte er sich wie selbstverständlich unter den bedeutenden Größen seiner Zeit. Seine Betrachtungen zu Maß und Proportion machten ihn zu einem der großen Denker Europas. Dennoch hörte er nie auf, Werke von erstaunlicher Intimität hervorzubringen - vom unerschrockenen Selbstporträt über ausgefeilte Drucke bis hin zur sorgfältig beobachteten Studie.Mit allen bekannten Gemälden - davon etliche neu fotografiert - und fast 500 Zeichnungen fängt der Band die Vielfalt des Dürer'schen Genies ein. Zwischen monumentalen Altarbildern und intimen Porträts, feinfühligen Umgebungsstudien und gewagten Experimenten zeigt sich ein Künstler seiner Zeit, der zugleich seiner Zeit voraus war, ein Neuerer, dessen Blick auch heute noch aktuell erscheint. Viel mehr als ein Handbuch ist dieser Band die Hommage an einen Universalgelehrten, der weiterhin verblüfft und inspiriert.

“Italian Sculpture of the Renaissance” explores the rich artistic landscape of Renaissance Italy through the lens of its sculptural masterpieces. This comprehensive study delves into the techniques, styles, and cultural contexts that shaped the era's iconic works. From the early innovations of the 15th century to the High Renaissance and beyond, the book examines the contributions of celebrated sculptors and their lasting impact on Western art.Readers will gain insights into the evolution of sculptural forms, the influence of classical ideals, and the patronage systems that fueled artistic production. This volume serves as an invaluable resource for art historians, students, and anyone passionate about the beauty and significance of Italian Renaissance sculpture.This work has been selected by scholars as being culturally important, and is part of the knowledge base of civilization as we know it. This work was reproduced from the original artifact, and remains as true to the original work as possible. Therefore, you will see the original copyright references, library stamps (as most of these works have been housed in our most important libraries around the world), and other notations in the work.This work is in the public domain in the United States of America, and possibly other nations. Within the United States, you may freely copy and distribute this work, as no entity (individual or corporate) has a copyright on the body of the work.As a reproduction of a historical artifact, this work may contain missing or blurred pages, poor pictures, errant marks, etc. Scholars believe, and we concur, that this work is important enough to be preserved, reproduced, and made generally available to the public. We appreciate your support of the preservation process, and thank you for being an important part of keeping this knowledge alive and relevant.<BR>