Baroque & Rococo

How visual fantasies of violence, animality, and political agency offered an alternative image of masculinity during the Enlightenment<BR>  <BR> Centering on animal bodies and assertive masculinity, the visual strategies of hunting art may appear incongruent with our understanding of Rococo aesthetics and the early Enlightenment. But these themes, embraced with enthusiasm by artists and patrons, inspired artworks in every genre and medium in eighteenth-century France. As the country expanded its colonial empire, the absolute monarchy existed in tension with ambitious elites, and the Enlightenment eroded old certainties about selfhood and society, hunting art provided a visual language of personal and national sovereignty written with bodies of men and animals. Amy Freund revises our received notions of eighteenth-century French art and culture, confronting us with a visual culture of animality, violence, and death: a Rococo of dogs and guns.<BR>  <BR>Noble Beasts highlights the work of François Desportes, Jean-Baptiste Oudry, and others who, operating from the heart of institutions such as the Royal Academy and the Gobelins manufactory, produced an astonishing volume of highly accomplished work. The book draws on the critical frameworks of human-animal studies and on Enlightenment philosophical debates to explore how and why hunting art’s aesthetic and political claims blurred the lines between human and animal.

Er ist der gefragteste Maler der wohlhabenden Handelsstadt Amsterdam und stirbt doch völlig verarmt. Rembrandt Harmensz. van Rijns (1606-1669) Werk reicht, obwohl er sein Heimatland niemals verließ, weit über die Grenzen seiner persönlichen Erfahrung hinaus, schuf er doch einige der wirkungsvollsten und vielgestaltigsten Werke der Kunstgeschichte, die sich dem kollektiven Gedächtnis für immer eingeschrieben haben - die Nachtwache, Inbegriff der Blütezeit der niederländischen Stadtkultur im 17. Jahrhundert, oder das bis heute rätselhaft gebliebene Selbstbildnis als Zeuxis.Als Künstler des Goldenen Zeitalters der Niederlande galt Rembrandts Interesse den menschlichen Leidenschaften. Auch Bibelszenen wie Bathseba mit dem Brief des König David (1654) rücken die Verletzlichkeit der Personen ins Zentrum und gehen damit weit über das hinaus, was zuvor in der Malerei dargestellt wurde. Rembrandt hinterließ außerdem eine Vielzahl von Selbstbildnissen - kein anderer Künstler jener Zeit porträtierte sich so häufig und dokumentierte dadurch die eigene Entwicklung von der Jugend bis zum Alter.Nach unserem XXL-Bestseller erscheint nun diese gekürzte, kompaktere Ausgabe mit den Gemälden Rembrandts in atemberaubenden Reproduktionen - vom Gastmahl des Belsazar (um 1635) bis zum furiosen Spätwerk bietet sich hier die Chance, Rembrandts malerisches Werk gänzlich neu zu erleben.

For the collector or fan of vintage porcelain an overview of pieces created for table top decoration in the 17th & 18th centuries.<BR><BR>Scenes of gardens and of love, idyllic hunting parties, picturesque farms, and lifelike animal figurines in porcelain were popular motifs in table decoration from the Baroque to the beginning of the 19th century. These 'worlds in miniature' were intended to initiate conversation among the table guests - and of course attest to the discerning taste of the hosts. The decorative pieces were, for all intents and purposes, part of the furnishing scheme and finished off the room’s interior as a total work of art down to the last detail. Central to this was the artisanal sophistication and the perfect mastery of the latest techniques, which breathed new life into the miniatures.<BR> <BR>Following on from Courtly Companions: Pugs and Other Dogs in Porcelain and Faience, now Courtly Pleasures presents the most beautiful table decorations produced by a variety of manufacturers, all from the abundant treasures of a southwest German private collection.<BR> <BR>Text in English and German.

A richly illustrated exhibition catalog celebrating 400 years of Jan Steen, exploring his humorous genre scenes and the role of Leiden in his life and art. Accompanies an exhibition at the Museum De Lakenhal, Leiden from 2 April to 23 August 2026.<BR><BR>Published on the occasion of the 400th anniversary of Jan Steen’s birth, At Home with Jan Steen accompanies a festive exhibition at Museum De Lakenhal in Leiden. This richly illustrated catalog offers a unique glimpse into the world of the famous Dutch Golden Age painter, known for his humorous and vivid depictions of daily life. The book explores Steen’s life and work, placing special emphasis on the role of Leiden in his artistic career and biography. Readers are taken on a surprising journey through scenes filled with mischievous characters, moral lessons, and comic details that invite both laughter and reflection. With insightful essays and high-quality reproductions, this publication highlights the wit and narrative brilliance that made Jan Steen a master of genre painting. A must-have for lovers of Dutch art, history, and visual storytelling.

Die "Figur" ist eine Leitkategorie der frühneuzeitlichen Kunst. Ausgehend von ihrem theoretischen Profil in der antiken Philosophie erfuhr vor allem das rhetorische Potenzial der "Figur", das ihre ikonografische Rezeption, die "vivacità" der "Figur", aber auch ihre virtuelle Dimension mitbestimmte, in den Bildkünsten eine bedeutsame Reaktivierung. Mit Blick auf den semiotischen Stellenwert der "Figur" bezüglich des bildnerischen Materials und auf das Wechselverhältnis zwischen mentaler Repräsentation und gestaltungsbezogener Formung erschließen die Autor*innen neue Perspektiven auf die Bildfigur in der Frühen Neuzeit. Sie analysieren formale, funktionale oder rezeptionsästhetische Aspekte von Bildstrukturen im Kontext ihrer Zeit und tragen damit zu einem differenzierten Verständnis der Figur-Grund-Konstellation in der Frühen Neuzeit bei. - Neue Perspektiven auf die Bildtheorie der Frühen Neuzeit - Werkanalysen von u.a. Niklaus Manuels, Peter Paul Rubens', Philippe de Champaignes, Tizians und Valentin de Boulognes

Er ist der gefragteste Maler der wohlhabenden Handelsstadt Amsterdam und stirbt doch völlig verarmt. Rembrandt Harmensz. van Rijns (1606-1669) Werk reicht, obwohl er sein Heimatland niemals verließ, weit über die Grenzen seiner persönlichen Erfahrung hinaus, schuf er doch einige der wirkungsvollsten und vielgestaltigsten Werke der Kunstgeschichte, die sich dem kollektiven Gedächtnis für immer eingeschrieben haben - die Nachtwache, Inbegriff der Blütezeit der niederländischen Stadtkultur im 17. Jahrhundert, oder das bis heute rätselhaft gebliebene Selbstbildnis als Zeuxis.Als Künstler des Goldenen Zeitalters der Niederlande galt Rembrandts Interesse den menschlichen Leidenschaften. Auch Bibelszenen wie Bathseba mit König Davids Brief (um 1654) rücken die Verletzlichkeit der Personen ins Zentrum und gehen damit weit über das hinaus, was zuvor in der Malerei dargestellt wurde. Rembrandt hinterließ außerdem eine Vielzahl von Selbstbildnissen - kein anderer Künstler jener Zeit porträtierte sich so häufig und dokumentierte dadurch die eigene Entwicklung von der Jugend bis zum Alter.Beeindruckend ist vor allem Rembrandts Lichtregie. Der Spot fällt auf die dargestellte Person, hebt sie hervor, während der Rest des Bildes eher im Schatten verbleibt. Der Band enthält zudem zahlreiche Detailaufnahmen, die verdeutlichen, wie die Oberflächen der Materialien, von Schmuck, Halskrausen, Pelzkrägen, irisierenden Stoffen aller Art bis hin zu Rüstungen in ihrer feinen Ausarbeitung Licht reflektieren.Diese XL-Monografie versammelt sämtliche 330 Gemälde Rembrandts in atemberaubenden Reproduktionen - vom Gastmahl des Belsazar (um 1635) bis zum furiosen Spätwerk bietet sich hier die Chance, Rembrandts malerisches Werk gänzlich neu zu erleben.

Das aktualisierte Werkverzeichnis von Gian Lorenzo Berninis Architekturzeichnungen erweitert den grundlegenden wie legendären Katalog von Heinrich Brauer und Rudolf Wittkower aus dem Jahr 1931 und bringt ihn auf den neuesten Stand der Forschung. Ein unverzichtbares Buch für alle, die sich für Berninis Architektur interessieren. Den bis heute inspirierenden Originaltexten von Brauer und Wittkower werden ausführliche, kommentierende Essays zur Seite gestellt, die die Analyse der beiden Bernini-Experten zu den einzelnen Bauten auf Basis des heutigen Kenntnisstandes ergänzen und weiterdenken. Der nach Monumenten gegliederte Katalog der Architekturzeichnungen versammelt sämtliche bis dato zugeschriebenen Blätter des Barockarchitekten. Neu verfasste Katalogtexte analysieren den Forschungsstand und ordnen die Zeichnungen in den Werkprozess ein.

Was bleibt, wenn der Tod eine Leerstelle hinterlässt und sich der Umgang mit den Toten verändert? Franca Buss untersucht, wie sich aufklärerische Debatten auf die europäische Grabmalkultur des 18. Jahrhunderts auswirkten. In einem kunsthistorischen close-reading analysiert sie ausgewählte Grabmalensembles aus Mitteleuropa und England und stellt sie in einen größeren geistesgeschichtlichen Kontext. Dabei werden vier Strategien identifiziert, die die Absenz der Verstorbenen im Kontext von Erinnerungsstiftung und Jenseitshoffnung betreffen: Allegorisierung, Sentimentalisierung, Poetisierung und Naturalisierung. Die moderne Selbsterzählung von der Verdrängung des Todes wird in Frage gestellt und gezeigt, dass die Kunst ihre eigenen Entwicklungslogiken verfolgt, die sich teleologischen Verallgemeinerungen entziehen.

Um 1500 hält das Thema der Prostitution Einzug in die Bildkunst. Darstellungen von Prostituierten und Freiern bei der Anbahnung sexueller Akte etablieren sich in der Folge als beliebte Sujets der frühneuzeitlichen Genremalerei. Ausgehend von dieser Konjunktur vollzieht das Buch die visuelle Entwicklung des Motivkomplexes erstmals umfassend nach und analysiert die vielschichtigen Transformationsprozesse von der sakralen Kunst des Mittelalters bis zur profanen Malerei des 16. Jahrhunderts. Exemplarische Fallstudien verdeutlichen, dass sich Kunstschaffende nicht, wie in der Forschung häufig angenommen, primär an den realen Bedingungen in Bordellen orientierten. Stattdessen handelt es sich bei den Werken um höchst artifizielle Bildschöpfungen. Das gilt insbesondere für die Inszenierung der Handlungsorte sowie die spezifischen Akteurskonstellationen, in denen sich die Genese stereotyper Geschlechterrollen manifestiert. Die Ausrichtung des Buches auf die visuellen Konstruktionsmechanismen legt die hohe Wirksamkeit der Bilder offen, deren Einfluss bis in die Gegenwart reicht.

Del siglo XVI al XXI, esta obra recorre el festejo barroco en los territorios de la Monarquía hispánica y sus continuas reinvenciones en la época contemporánea.

This volume deals with original mystical initiatives and related artistic realizations, which were created in the circle of the outstanding Silesian poet and theologian, Johannes Scheffler, known as Angelus Silesius, abbot of the Cistercian monastery in Krzeszów, Bernhard Rosa and the most outstanding Silesian artist, Michael Willmann. Although the 17th century Silesian mysticism is now very popular worldwide, we know very little about the relationship between mysticism and art in former Silesia. This issue has never been the subject of a comprehensive study. It is not surprising, therefore, that the research so far overlooked the unusual and unique joint initiative mentioned above by two outstanding Silesian mystics and the best Silesian artist of the Baroque era. Its aim was to combine elements of mystical experience with various forms of mass piety of a counter-Reformation nature. Importantly, all forms of mass mystical piety were closely linked to the use of devotional works of art, which were designed primarily by Michael Willmann. They became the most popular images in the religious culture of Silesia until the end of the 18th century. Just as the literary and philosophical achievements of Silesian mystics led by Angelus Silesius, so also works of art serving mystical piety, which were created by Willmann, we can safely consider as a kind of event and an important contribution of Silesia to the culture of European Baroque.

Er ist der gefragteste Maler der wohlhabenden Handelsstadt Amsterdam und stirbt doch völlig verarmt. Rembrandt Harmensz. van Rijns (1606-1669) Werk reicht, obwohl er sein Heimatland niemals verließ, weit über die Grenzen seiner persönlichen Erfahrung hinaus, schuf er doch einige der wirkungsvollsten und vielgestaltigsten Werke der Kunstgeschichte, die sich dem kollektiven Gedächtnis für immer eingeschrieben haben - die Nachtwache, Inbegriff der Blütezeit der niederländischen Stadtkultur im 17. Jahrhundert, oder das bis heute rätselhaft gebliebene Selbstbildnis als Zeuxis.Als Künstler des Goldenen Zeitalters der Niederlande galt Rembrandts Interesse den menschlichen Leidenschaften. Auch Bibelszenen wie Bathseba mit König Davids Brief (um 1654) rücken die Verletzlichkeit der Personen ins Zentrum und gehen damit weit über das hinaus, was zuvor in der Malerei dargestellt wurde. Rembrandt hinterließ außerdem eine Vielzahl von Selbstbildnissen - kein anderer Künstler jener Zeit porträtierte sich so häufig und dokumentierte dadurch die eigene Entwicklung von der Jugend bis zum Alter.Beeindruckend ist vor allem Rembrandts Lichtregie. Der Spot fällt auf die dargestellte Person, hebt sie hervor, während der Rest des Bildes eher im Schatten verbleibt. Der Band enthält zudem zahlreiche Detailaufnahmen, die verdeutlichen, wie die Oberflächen der Materialien, von Schmuck, Halskrausen, Pelzkrägen, irisierenden Stoffen aller Art bis hin zu Rüstungen in ihrer feinen Ausarbeitung Licht reflektieren.Diese XL-Monografie versammelt sämtliche 330 Gemälde Rembrandts in atemberaubenden Reproduktionen - vom Gastmahl des Belsazar (um 1635) bis zum furiosen Spätwerk bietet sich hier die Chance, Rembrandts malerisches Werk gänzlich neu zu erleben.

Erstmalig gelang es, die Biografie von Katharina Kreitmayr OSsS unter Berücksichtigung neuester Archivalien zu rekonstruieren und ihren möglichen Ausbildungsweg nachzuzeichnen, wobei den am Münchner Hof tätigen Künstlern und deren Frauen eine besondere Funktion zukommt. Auf Grund der engen Verbindung von Leben und Wirken der Nonne wird dem klösterlichen Alltag und der birgittinischen Spiritualität, die sie prägten, ein besonderes Augenmerk geschenkt, zumal sich einzelne Aspekte davon in ihren Werken niederschlugen. Daher werden die nicht nur in Deutschland, sondern auch in Rom sehr geschätzten Miniaturen objekttechnisch, deskriptiv, ikonografisch-ikonologisch und stilistisch vorgestellt und mit möglichen Vorbildern und Inspirationsquellen abgeglichen.

Die "Galleria degli Autoritratti" in den Florentiner Uffizien ist die größte Sammlung von Künstlerselbstbildnissen weltweit. Ihren Grundstock legte 1650 Leopoldo de' Medici; sein Erbe Cosimo III. erweiterte und ordnete sie neu. Mithilfe eines Netzwerks aus Agenten und geleitet von empirischen Untersuchungskriterien, erwarben die beiden Akteure ausschließlich genuine Selbstporträts. So entstand eine einzigartige Spezialsammlung, die eng mit den erkenntnistheoretischen Ansätzen des 17. Jahrhunderts verbunden war. Anna Maria Jonietz untersucht erstmals die kunsttheoretischen und wissenschaftshistorischen Aspekte der "Galleria". Sie beleuchtet die Strategien des Zeigens und Überzeugens und demonstriert, dass das historische Ausstellungskonzept ein visuelles Studium der Kunst und ihrer Geschichte ermöglichte.

A selection of 120 drawings from the holdings of the Graphic Art Collection of Augsburg's Art Collections and Museums provides a comprehensive overview of the art of drawing in German-speaking countries in the period from 1600 to ca. 1780. A particular focus of the collection is on the art of drawing in Augsburg, a city that was one of the most innovative art centres in Germany during the 17th and 18th centuries. Designs for ceiling frescoes and altarpieces, models for copperplate engravings, sculptures, and album pages are on display, as well as portraits and landscapes. Artists such as Johann Rottenhammer, Johann Heinrich Schönfeld and Joseph Werner epitomize the high quality of drawing in 17th-century Augsburg, while Johann Wolfgang Baumgartner, Johann Georg Bergmüller and Johann Evangelist Holzer are representative of the 18th century. Exhibition Schaezlerpalais, Kunstsammlungen und Museen Augsburg <BR>July 31 to September 28, 2025

Ein faszinierender Blick hinter die Kulissen des barocken Rom - jenseits von Glanz und Gloria Volker Reinhardt, einer der renommiertesten Kenner der italienischen Geschichte, entführt seine Leser in das Rom des 17. Jahrhunderts - eine Stadt voller Widersprüche, Machtspiele und menschlicher Dramen. Wer sich für Geschichte, Kunst und die Tiefen der europäischen Kultur interessiert, findet hier ein Buch, das weit über klassische Kirchen- und Kunstführer hinausgeht.Rom als Bühne der Macht Im Zentrum steht nicht allein der Petersdom, sondern das komplexe Geflecht aus Kardinälen, Künstlern, Höflingen und einfachen Bürgern, das das barocke Rom prägte. Reinhardt zeigt, wie die Stadt zur Bühne für politische Intrigen, religiöse Inszenierungen und soziale Spannungen wurde - und wie sich hinter der prachtvollen Fassade eine Welt voller Abgründe verbarg.Ein Buch für Kenner und Entdecker Volker Reinhardt gelingt es durch seinen kennzeichnenden Stil aus erzählerischer Eleganz und wissenschaftlicher Tiefe die Geschichte Roms lebendig werden zu lassen. Seine Darstellung ist informativ und unterhaltsam zugleich. Ein Lesevergnügen für alle, die Rom bereits kennen oder von der Faszination der Stadt angezogen werden. Ob als Vorbereitung für eine Reise, als Geschenk für Geschichtsinteressierte oder als persönliche Lektüre: Im Schatten von Sankt Peter bietet einen ungewöhnlichen Blick auf eine der faszinierendsten Metropolen Europas zur Zeit des Barock.

Von 1733 bis 1746 erbaute der Stuckateur, Bildhauer, Maler und Baumeister Egid Quirin Asam (1692-1750) die kleine, äußerst extravagante Kirche St. Johann Nepomuk im Herzen der Münchner Altstadt, direkt neben seiner Wohn- und Arbeitsstätte, dem "Asamhaus". Sein noch berühmterer Bruder Cosmas Damian schuf 1735 das monumentale Deckenfresko - und dies alles als Privatinitiative mit eigener Familiengruft und einer Hausfassade als kunsttheoretischem Schaubild. Denn die Brüder waren nicht nur bedeutende Künstler, sondern auch hellwache Intellektuelle. So gibt es in der Kunst der Vormoderne wohl kein zweites Spitzenwerk, das die Absichten und Denkweisen seines Schöpfers so vollständig umsetzt wie das Ensemble in der Sendlinger Straße. Auch nach fast 300 Jahren schlägt es die Besucherinnen und Besucher mit seiner Prachtentfaltung im mystischen Halbdunkel noch immer in seinen Bann - ein "totales Kunstwerk" eben.

Im vorliegenden Band wird die Geschichte der venezianischen Malerei des 18. Jahrhunderts geschildert, einer Epoche, in der die Serenissima zu den führenden Kunstlandschaften Europas zählt, mitunter sogar den Führungsanspruch erhebt. Am Beginn steht eine Gruppe von Künstlern (Lazzarini, Bambini, Bellucci, Balestra und Molinari), die den Übergang vom Sei- zum Settecento markiert und sich dadurch auszeichnet, dass sie sich nach und nach von den "Tenebrosi" distanziert und dadurch der folgenden Generation den Weg zum Luminarismus weist. Dem folgt - zum Teil im Rückblick auf Paolo Veronese - Sebastiano Ricci, dessen Licht-Malerei im Spätbarock ihren Ausgang nimmt und bis zu den Anfängen des Rokoko reicht. Maler wie Pellegrini, Pittoni und Amigoni öffnen sich seinem Einflussbereich. In Opposition dazu steht Piazzetta ganz im Zeichen einer Hell/Dunkel-Malerei, der sich auch Giulia Lama und Federico Bencovich verpflichtet fühlen. Ein besonders umfangreiches Kapitel ist Tiepolo gewidmet, der im Rekurs auf Ricci und Veronese vor allem als Fresko-Maler internationale Anerkennung findet. Seitens der Forschung wird er zurecht häufig als Repräsentant des Rokoko-Stils bezeichnet.

Paulus Potter can be regarded as one of the most famous Dutch animal painters. For the first time in his work, animals were the protagonists; as a rule, human beings played only a subordinate role. Potter's works were sought-after during his lifetime and fetched high prices, especially in the 18th century. According to the first catalogue in 1783, Kassel Picture Gallery owned no fewer than ten paintings by the artist, who died young. No other collection had more of his works. However, many of them were lost during the Napoleonic occupation. The successful re-acquisition of Paulus Potter's "Watermill" offers an opportunity to examine the Kassel gallery's eventful history and shed light on Potter's significance as an animal painter. - Paulus Potter as an animal painter - Re-acquisition of an important painting by Potter - History of the Kassel collection