Film Theory

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Das Werk des römischen Drehbuchautors, Regisseurs und Schauspielers Nanni Moretti ist autoreflexiv wie kaum ein anderes. In unterschiedlichsten Variationen hat sich Moretti mit der Frage befasst, wie man sich im Medium Film mit dem Ich auseinandersetzen kann - obwohl oder gerade weil er Subjekt und Objekt des Produkts zugleich ist. Susanne Watzenboeck analysiert zwölf seiner Filme, in denen die Protagonisten um ein kohärentes Ich ringen. Dabei verknüpft sie Fragen nach individueller und nationaler Identität mit Strategien der Repräsentation, durch die sich Subjektivität auf verschiedenen Reflexionsebenen konstituiert - von Morettis physischem Körper als visuellem Konstrukt bis hin zum Körper des filmischen Apparats.

Mit der Dominanz der Sozialen Medien und Streamingdienste verändert sich auch der zeitgenössische Kinofilm allmählich zum Produkt einer neuartigen sozialen Kybernetik, die einem radikal veränderten Verhältnis zwischen Individuum und Gesell­schaft entspricht. In Filmen etwa von Wes Anderson, Greta Gerwig, Mia ­Hansen-Løve, Giorgos Lanthimos, Ruben Östlund, Quentin Tarantino, Joachim Trier oder Athina Rachel Tsangari setzt sich gegenwärtig eine neue Wahrnehmungsökonomie durch, die sich am Internet als prägender sozialisierender Erfahrung ausgebildet hat. Ihr Blick richtet sich nicht mehr mit ­Neugier oder Erkenntnisinteresse auf eine äußere Wirklichkeit, ­sondern auf einen Fundus überlieferter Bilder, die ihrer historischen und gesellschaftlichen Bedeutung entleert wurden. Kino, das der Gesellschaft eine Zeitlang die Möglichkeit ­geboten hatte, durch den Schock technisch vermittelter Erfahrung sich und das Andere zu betrachten, verwandelt sich in diesen Filmen zum bloßen Spiegel des Selbst, zur Erlebnis­materie einer narzisstischen Gesellschaft. Film wurde die ­Propaganda einer Welt ohne Außen.

Die Geschichte des Kinos ist fundamental von der Ästhetik der Beleuchtung geprägt. In exemplarischen Einzelstudien analysiert Denis Grünemeier das faszinierende Wechselspiel von Licht und Schatten im Film. Dabei zeigt er eindrucksvoll durch die methodische Verknüpfung von Filmwissenschaft, Kunstgeschichte und Bildtheorie, dass Licht und Schatten über die Technik und Form hinaus wesentlich die Essenz und den Inhalt des Films bestimmen. Neben bekannten Regisseuren wie Kubrick, Murnau und Carlos Reygadas sind es die ausgewählten experimentellen Arbeiten Derek Jarmans und die Animationen der Quay Brothers, die den innovativen Status dieser Studie untermauern.

These analyses are devoted to the innovative transmedial narratological concept of 'perturbatory narration' concerning intentionally disturbing effects such as surprise, confusion, doubt or disappointment. For this heuristic concept, applicable to a specific type of complex narratives, narratology has not yet found an appropriate classification. The new model enables to typifie moments of disruption like deception, paradox and empuzzlement.

Sich Illusionen leisten zu können: das ist der Komfort des Bürgertums. Viel zu oft hat sichdas Kino zum Komplizen dieser Bequemlichkeit gemacht. Den Illusionen - und der Passivität,die sie ermöglichen - können Filme aber auch entgegenwirken. Vielleicht muss mandie Eintrübung des politischen Klimas, die Verschiebung des Meinungskorridors nachrechts, zuerst als Imperativ verstehen, die Freiheit der Kunst auszureizen. Als Aufforderung,Filme zu machen, die so unverschämt und persönlich sind, dass eine Auseinandersetzungunausweichlich ist. Diese Ausgabe versteht sich als Einladung, über ein unbequemes Kinonachzudenken.Inhalt:Interview: Kurdwin AyubInterview: Moritz BinderInterview: Katharina HuberErinnerungen an Werner PenzelSebastian Ladwig: AufgeschnapptGespräch: Robert Koza und Philipp Hartmann

An urgent meditation on the nature of truth, by the legendary filmmaker and global cultural icon Werner Herzog'Herzog is in a category of one ... A complete original' MARINA HYDE'Herzog really is a kind of genius' SPECTATOR**A FINANCIAL TIMES BOOK OF THE YEAR 2025**What if a lie could be true?At the heart of this fascinating and iconoclastic book lies Werner Herzog's concept of 'ecstatic truth' - a truth that is often hidden behind the facts and our conceptions of reality but can be gleaned through the poetic imagination, in art, literature and cinema, when we open ourselves up to an aesthetic experience.Written in Herzog's inimitable style, these stories, anecdotes and reflections take us from present-day deep fakes and the opportunities and perils of AI to ancient Egypt and Rome, where rulers resorted to lies and propaganda in the same way as governments do today; from Scott and Amundsen's race to the South Pole to alien abduction claims and the making of Herzog's own films.With its singular vision and unique voice, The Future of Truth is a compelling meditation on the relationship between fact and fiction - evidence and imagination - by one of today's most fascinating and idiosyncratic thinkers.

Der Jugendfilm erscheint bereits seit Jahrzehnten als konventionalisierte Erzählform, um Jugend als gesellschaftliches Phänomen zu thematisieren. Filme wie "Die Frühreifen" (1957), "The Breakfast Club" (1985) oder "Eiskalte Engel" (1999) stehen stellvertretend für eine immense Anzahl an Filmen, die die gesellschaftliche und kulturelle Sicht auf Jugend - als Lebensphase wie auch soziale Gruppe - prägen. Hierbei dominiert die Darstellung einer rebellischen Jugend die filmischen Narrative, die sich über gesellschaftliche Ordnung und kulturelle Werte hinwegsetzt und domestiziert werden muss, um diese Ordnung wiederherzustellen oder zu bewahren. In der Forschungslandschaft bleibt der semantische Gehalt des Topos "Jugend" als Teil gesellschaftlicher Wertediskurse in weiten Teilen unbeachtet. Der vorliegende Band widmet sich dieser Forschungslücke. Durch semiotische Analysen ausgewählter Jugendfilme von den 1930er bis 2000er Jahren untersucht die Studie die Darstellung von "Jugend" als bedeutungstragend für Kritik, Wandel und Erneuerung. Dabei werden gesellschaftliche Diskurse und der Wandel strukturgebender, kultureller Werte nachgezeichnet.

Diese Studie stellt aus sowohl film- als auch rechtswissenschaftlicher und dementsprechend interdisziplinärer Perspektive das Gewaltdarstellungsverbot des § 131 StGB und seine Anwendung mit Blick auf Spielfilme kritisch auf den Prüfstand. Sie untersucht die dahingehenden juristischen und historischen Hintergründe sowie die konkrete Verbotspraxis, wofür erstmals die entsprechenden gerichtlichen Beschlüsse systematisch ausgewertet werden konnten, und verknüpft dies mit einer ausführlichen Analyse dergestalt verbotener Filme. Auf diesem Wege vermag sie die normativ-ideologische Fundierung des Gewaltdarstellungsverbots herauszuarbeiten und die filmische Darstellung von Gewalt als legitimen Diskursbeitrag im kulturellen Feld zu positionieren.

Steven Spielbergs JAWS zählt zu den erfolgreichsten und wichtigsten Werken der ameri-kanischen Filmgeschichte. Er weist noch Spuren des kritischen New-Hollywood-Kinos auf, markiert aber zugleich den Beginn der Ära der Sommer-Blockbuster. Damals wie heute funktioniert die Jagd auf den Weißen Hai als brillanter Unterhaltungsstoff und virtuos in-szenierte Synthese aus Horror- und Abenteuerfilm (mit unübersehbaren Anleihen aus der christlichen Mythologie wie auch der amerikanischen Kulturgeschichte). Doch unter der Oberfläche dieses Films - der im wörtlichen Sinne in die Tiefe führt - lauern Paranoia, die Traumatisierung der US-Gesellschaft und die Krise der Männlichkeit. Das Buch versammelt Beiträge über die Produktionsgeschichte des Films, seine historische Bedeutung im US-Kino, die von ihm aufgegriffenen Genremuster und die Filmmusik; hinzu kommen vertie-fende Interpretationen etwa aus genderkritischer, psychoanalytischer und politischer Per-spektive.Das umfängliche Nachwort zur erweiterten Neuauflage, die zum 50. Jubiläum des Kultklas-sikers erscheint (Kinostart war der 20. Juni 1975), erzählt ­unter anderem von JAWS-Lego-Sets, -Kartenspielen und -Theaterstücken und erörtert, was der Bürgermeister im Film mit Donald Trump zu tun hat.

Das Kino ist ein Labor, in dem mit unserem Sehen, Hören und Fühlen experimentiert wird. Die Kamera verschafft uns einen Blick, der nicht der unsere ist, und mit jedem Schnitt springen wir durch Zeit und Raum. Film bildet... im mehrfachen Sinne: Die neuartigen Bilder, die er entstehen lässt, prägen sich auch uns ein und machen uns zu anderen.In seinen Essays geht Johannes Binotto mit Medienphilosophie und Beobachtungslust diesen verblüffenden Wahrnehmungsveränderungen von Film und Kino nach. In diesem Band sind erstmals die wichtigsten Texte versammelt, die für Filmbulletin im Laufe von 15 Jahren entstanden sind. Vom Vorspann bis zum Remake und vom verführerisch schillernden Technicolor bis zum gefährlichen Weiss der Schneewestern; vom Abgrund des Bösen bis zur Oberfläche der Achtziger, von Peckinpah bis zur Paranoia und vom Vorführraum bis zum Video. Ein augenöffnendes Kaleidoskop.

Das Grundverhältnis von Menschen zu Tieren war lange vor allem eines der Gewalt. Artensterben, Jagd, Schlachthäuser und Zoos dokumentieren einen fatalen Gleichmut. Doch lassen sich nach dem 'animal turn' vermehrt auch andere Imaginationen in Film, Kunst und Literatur aufspüren?Mensch-Tier-Beziehungen erscheinen in literarischen, bildkünstlerischen und seit dem 20. Jahrhundert auch filmischen Darstellungen von der Grundidee einer profunden Heterogenität, oft sogar Feindseligkeit geprägt, gelegentlich auch verkitscht zu rührseligen Geschichten über Tiere als treue Begleiter. Der sogenannte critical animal turn hat das Nachdenken über Tiere neu orientiert und den anthropologischen Hochmut des Menschen grundlegend revidiert. Damit sind die Karten neu gemischt. Deshalb soll es in diesem Band der "Projektionen" nicht so sehr um einen Rückblick auf die Zivilisations- und Kulturgeschichte gehen, um die Gefühllosigkeit des Menschen bei der Wahrnehmung der vermeintlich gefühllosen Tiere. Vielmehr wird in den Blick genommen, ob in Film, Kunst und Literatur spätestens seit den 70er Jahren des 20. Jahrhunderts auch Facetten der Tier-Mensch-Beziehung anschaulich werden, die jenseits einer feindseligen Heterophobie der species andere Formen der Tier-Mensch-Interaktion andeuten, erproben oder vorführen.

Wer die Filmmusiktage Sachsen-Anhalt kennt, kann sich Filmmusik ohne Leidenschaft gar nicht vorstellen. Filmmusik wird mit Leidenschaft produziert, mit Leidenschaft rezipiert und mit Leidenschaft diskutiert. Dabei können die Zugänge, sich intensiv mit Filmmusik auseinanderzusetzen, ganz verschieden sein und, je nach Fachdisziplin, sehr unterschiedliche Fragestellungen in den Blick nehmen. Welche Rolle spielt Filmmusik in der Lebenszeitperspektive? Wie wird Musik/Musizieren im Film inszeniert? Und - historisch gesehen - welche Rolle spielten Twist und Walzer in Spielfilmen? Der fünfte Band der Reihe widmet sich in vier verschiedenen Schwerpunkten dem Verhältnis von Musik, Film und persönlicher Lebensgeschichte. In einem bunten interdisziplinären Kaleidoskop vereint der Band Überlegungen von Wissenschaftler:innen und Praktiker:innen zum Einsatz von Musik in Filmen wie Some like it Hot, Elvis, Harold and Maude oder Dirty Dancing, in Serien wie Chernobyl oder Der gleiche Himmel, in Werken von Regisseuren wie Quentin Tarantino, Jim Jarmusch oder Alfred Hitchcock. Dabei geht es nicht nur um wissenschaftliche Analysen, sondern ebenso um die Perspektive der Praxis und die Frage, wie ein produktiver Austausch zwischen Forschung und Praxis gelingen kann. Spannend ist dies auch für die (oft leidenschaftliche) Auseinandersetzung und Vermittlung von Filmmusik in Schule und Universität.

Lassen Sie sich von Hannes Rall durch die faszinierende Welt des Animationsfilms führen. Ob Drehbuch oder Storyboarding, figürliches Zeichnen oder Charakterdesign: Anhand zahlreicher exklusiver Illustrationen erklärt der erfolgreiche Trickfilmer die einzelnen Schritte der Konzeption - von den gestalterischen Grundlagen bis zu den modernen Animations- und Produktionstechniken. Aber das ist nur der Anfang.Um der eigenen Idee Leben einzuhauchen, müssen Design und Bewegungen überzeugend gestaltet sein. Hannes Rall zeigt mit vielen praktischen Tipps und Fallstudien, wie visuelles Erzählen funktioniert, sodass auch Professionals Neues entdecken werden. Darüber hinaus geben junge und etablierte Animationskünstler Einblick in ihre Arbeit mit Bildern aus ihren Filmen und bisher unveröffentlichtem Produktionsmaterial.Mit der Stop-Motion-Expertin Kathrin Albers (Professorin für Animation an der Kunsthochschule Kassel) und Melanie Beisswenger (Professorin für Animation an der Ostfalia Hochschule für angewandte Wissenschaften) konnten zudem zwei renommierte Beiträgerinnen gewonnen werden.Die Erstauflage hat sich zu einem wichtigen Standardwerk etabliert und ist in der deutschen und englischen Ausgabe in über 160 wichtigen Universitätsbibliotheken präsent, darunter Stanford, Yale, Cornell, UCLA und Columbia. Für die 2. Auflage wurde das Buch umfassend aktualisiert, überarbeitet und auf den aktuellen technischen Stand gebracht. Brandneue Interviews mit den deutschen Animationslegenden Andreas Deja und Volker Engel sowie mit Oscar-Preisträger und Disney-Experte John Canemaker und dem CG-Spezialisten Isaac Kerlow runden die Reise durch die Welt der Animation ab. Hinzu kommen zahlreiche neue Illustrationen zu aktuellen Projekten.

Drawing on media sociology and group interviews, this book looks at social representations of romantic love as portrayed in films and interpreted by their audiences, using cinema as a means for analysing the state of romantic love today, and the touchpoints and disconnects between its representation on screen and our lived experiences.

Alles, was Filmschaffende zum Thema Filmmusik wissen müssenDer Regisseur und Dokumentarfilmer Reinhard Kungel hat über 100 Filme für Fernsehen und Kino realisiert und beschäftigt sich seit seinem Studium intensiv mit dem Thema Filmmusik. In diesem grundlegenden Lehrbuch teilt er sein geballtes (Insider-)Wissen und zeigt die vielfältigen Einsatzmöglichkeiten und Wirkungsmechanismen von Filmmusik auf. Egal ob Filmromanze, Naturdoku oder Werbespot - ohne die passende Musik wirken die Bilder oft kraftlos. Der Autor erklärt ausführlich die funktionalen Prinzipien der Filmmusik und wie sie die Erzählung eines jeden Films beeinflussen. Reinhard Kungel zeigt zudem auf, wie Filmmusik heute komponiert und zukünftig - KI-unterstützt - geschaffen werden könnte. Im anwendungsbezogenen Teil geht der Autor darauf ein, wie Filmschaffende bei der Wahl der geeigneten Musik zu ihren Filmen am besten vorgehen und was dabei zu beachten ist.Das Lehrbuch liefert zur Veranschaulichung zahlreiche Beispiele aus klassischen und aktuellen Spiel- und Dokumentarfilmen sowie exklusive Interviews mit renommierten Film- und Fernsehkomponisten wie Jochen Schmidt-Hambrock (Nirgendwo in Afrika), Klaus Doldinger (Das Boot, Tatort-Titelmelodie) und Bernhard Hering (Terra X).Hinzu kommen - als Videos und Podcasts - weitere exklusive Interviews mit den Filmkomponisten Peter Thomas (Raumpatrouille Orion), Rolf Kühn (Der Todesrächer von Soho), Jochen Schmidt-Hambrock, Klaus Doldinger und Bernhard Hering.

Die Rezeption von Filmen und Fernsehsendungen ist sowohl vom Wissen und den Emotionen der Zuschauer:innen als auch von sozialen Kontexten abhängig. Es reicht daher nicht aus, die "Sprache" von Film und Fernsehen zu analysieren, sondern es müssen auch die Form, die Gestaltung, die Dramaturgie und der Inhalt auf die Kontexte der Rezeption bezogen werden.Dieses Standardwerk von Lothar Mikos ist eine erprobte Anleitung zur Durchführung von Film- und Fernsehanalysen. In der 4. Auflage neu hinzugekommen sind u. a. eine Beispielanalyse zum transmedialen Storytelling in der Echtzeiterzählung "DRUCK" sowie ein Vergleich zur transatlantischen Narration in den Serien "Borgia" und "Die Borgias".Ein Must-have für alle, die Filme und Fernsehsendungen systematisch untersuchen wollen.

Gute Dialoge zu schreiben, ist eine Herausforderung und muss ständig aufs Neue trainiert werden. Denn der Dialog ist das ultimative Mittel, um Figuren Leben einzuhauchen und Szenen packend, rührend oder witzig zu gestalten.Der erfahrene Dramaturg und Autor Oliver Schütte zeigt, wie Sie wirkungsvolle und spannende Dialoge schreiben - und wie Produzenten, Redakteurinnen und Script Consultants effektiv mit Autorinnen an Dialogen arbeiten können. In der 4. Auflage seines Standardwerks erläutert Oliver Schütte anhand von aktuellen Filmen und TV-Serien, was gute von schlechten Dialogen unterscheidet und wie erfolgreiche Dialoge geschrieben werden. Dabei hat er auch die Erfahrungen seiner zahlreichen Seminare im In- und Ausland integriert und die wichtigsten Fragen im Streamingzeitalter aufgegriffen.

Erika und Ulrich Gregor, geboren 1934 und 1932, prägten viele Jahrzehnte das Internationale Forum des Jungen Films in Berlin. Auch als Mitgründer der Freunde der Deutschen Kinemathek und des legendären Arsenal-Kinos setzten sie Maßstäbe für die Film- und Kinokultur in Deutschland. Was das Wort "kuratieren" meint, war seit den 1960er Jahren die persönliche, mit viel Engagement verwirklichte Arbeit des vielfach geehrten Paares und seines kleinen Teams. Schon früh bauten sie ein Archiv für den hauseigenen nichtkommerziellen Verleih auf. Beide repräsentieren eine Generation, die sich mit ihrer Filmleidenschaft aus der Enge der Kindheit im Nationalsozialismus löste und die Filmkulturen aller Kontinente entdeckte - auch über die politischen und ideologischen Grenzziehungen zwischen Ost und West hinaus. Ihre Überzeugung, dass eine gute Programmarbeit historische und aktuelle Filme, politische Dokumentarfilme und Experimentelles in Korrespondenz zueinander zeigen sollte, bis heute ein Charakteristikum des Arsenal-Kinos. Das Buch zeichnet die Lebensleistung von Erika und Ulrich Gregor in einer Mischung aus Gesprächen und Zeitzeugnissen nach und fragt, wie das Archiv des Arsenal Instituts für Film- und Videokunst e. V. heute zukunftsweisend weiterwirkt.