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Das Jahr 2020 verbringt David Hockney in einem kleinen, malerischen Bauernhaus mitten in den üppigen Feldern und Wiesen der Normandie, wo er den Wechsel der Jahreszeiten genau beobachtet. Mit seinem iPad hält er spontan Eindrücke aus der Umgebung fest: die ersten Frühlingsblüten, den Geruch des Sommers, die satten Farben des Herbstes und die strengen Formen der dunklen Äste im Winter. Für das vorliegende Künstlerbuch hat er 220 seiner iPad-Gemälde (plus vier Bonusbilder) zusammengestellt. Sie wurden mit sechs Farben gedruckt, um den Blick des Künstlers in seinem ganzen Reichtum wiederzugeben. Eine kurze Einleitung von Hockney verrät, wie dieses Projekt zu einem Rettungsanker im Covid-Lockdown wurde, aus dem er seine Hoffnungsbotschaft verbreitete: "Denkt daran, dass sie den Frühling nicht absagen können."

In the complex tangle of past and present, the catalogue reflects on questions of temporality as well as the possibility of engaging with old and new liberation movements.The catalogue raises questions of the political circumstances that move contemporary artists to resort to those non-European avant-gardes that formed as a counterpart of the dominant Western modernism from the 1920s to the 1970s. What are the potentials artists see in the ties to decolonial avant-gardes in Africa, Asia, and the "Black Atlantic" region, to take a stand against current forms of racism, fundamentalism, or neocolonialism?Text: Nana Adusei-Poku, Zeigam Azizov Saloni Mathur, Matthias Michalka, Lina Ramadan.

Featuring 28 leading international media scholars, Technics rethinks technology for the contemporary digital era, with cutting-edge theoretical, historiographical, and methodological interventions.

This book is a practical and theoretical guide for anyone interested in researching popular media, popular culture, audiences, and fans.

Nordischer Folklore zufolge deutet ein bläulicher Schein oder ein Irrlicht auf den Ort, an dem Feengold verborgen ist. Dieses mysteriöse, mythische Phänomen, das vermutlich seinen Ursprung im natürlichen Schauspiel des Nordlichts hat, fasziniert Lisa Rosenmeier seit ihrer Kindheit in Dänemark. Heute steht blaues Licht für die Strahlung, die von unzähligen Computer- und Handy-Bildschirmen ausströmt. Blaues Licht illuminiert die Gesichter derer, die ganz in ihre elektronischen Geräte versunken sind. Und die oft derart im Zauberbann ihrer technischen Geräte gefangen sind, dass sie ihre "realen" Umgebungen gar nicht mehr wahrnehmen. Die elektrische blaue Lumineszenz der digitalen Ära verschluckt und überblendet so die konkrete Präsenz privater und öffentlicher Räume und verspricht grenzenlosen Zugang zu den unendlichen Welten hinter und jenseits unserer eigentlichen Welt. In ihrem vielgestaltigen Werk, das in Fotografie wurzelt und auch die Medien der Bewegung und des Lichts in verschiedenen Manifestationen und Dimensionen umfasst, untersucht Rosenmeier genau diese Oszillationen zwischen Realität und Virtualität, Faktizität und Illusion, die unsere gegenwärtige Existenz durchwirken, sowie die komplexen Interrelationen zwischen den natürlichen und technologischen Domänen.

Learn about key elements of character art from traditional and digital illustrator, Simone Grünewald. Simone, also known as "Schmoe", creates heart-felt and personal designs inspired by her everyday life experiences and passion for the arts. As a new mother, she also draws on her humorous experiences of bringing up a small child in the modern world. Discover in-depth visual breakdowns of Simone's techniques as well as a varied and extensive collection of Simone's stunning art. From linework advice to character design considerations, Simone generously shares her creative practice. A book that appeals to artists at every stage of their creative journey, this title teaches how to avoid common mistakes and pitfalls, as well as how to improve technique. Feel motivated to practice every day to develop engaging characters of all shapes, ages and sizes. With special focus on developing dynamic poses and expressions, Simone's advice will ensure that you create emotive characters with energy and personality.

DEFA-Dokumentarfilme eröffnen in ihrer Vielfalt einen unvergleichlichen Einblick in Gesellschaft und Kultur der DDR. Das breite Spektrum an Produktionen für unterschiedliche Auftraggeber und Zielgruppen bildet in seiner Gesamtheit einen uneinheitlichen und kaum zu überblickenden Filmkorpus, der eine wichtige Quelle für die Geschichte der DDR darstellt. Wie aber wurden diese Filme hergestellt? In welchem Verhältnis standen institutionelle Vorgaben und individuelle Handlungsräume im Filmstudio? Welche Kontinuitäten und Brüche prägten das Dokumentarfilmschaffen in den 1980er Jahren und über das Ende der DDR hinaus? Und schließlich: Wie viel von alledem spiegelt sich in den Produktionen wider? Diesen Fragen geht Sinja Gerdes mit einem neuen Forschungsansatz nach, der die wechselseitigen Beziehungen zwischen der Institution DEFA, den entstandenen Filmen und den beteiligten Filmschaffenden untersucht und die vielschichtigen Strukturen, welche jede Produktion von der ersten Idee bis zur Auslieferung formten, erhellt.

Artist Fabian Gatermann uses light as the key material for his installations, objects, and multiples. He disengages from the classic scientific engineering system of testing; his works are unconventional experiments. Text in English and German.<BR><BR>If we understand “transcendence” as a multidimensional experience, can light as a medium grant us access to invisible realms? The artist Fabian Gaterman uses light as the key material for his installations, objects, and multiples in order to investigate new dimensions. Over the course of his work, Gatermann disengages himself from the classic scientific engineering system of testing; instead his works can be seen as open-ended unconventional experiments. During this creative process, light oscillates between amorphous and crystalline states, taking the viewer on a transcendental voyage of discovery. The central reference throughout remains the human being: the works provoke active participation and invite the viewer to become part of a multi-perspective game of light and space.<BR> <BR>Text in English and German.

Der 92-jährige Autor und Filmemacher Alexander Kluge erprobt in Der Konjunktiv der Bilder die Kooperationsfähigkeit der bildverarbeitenden KI Stable Diffusion. Als Filmemacher verfügt er über eine langjährige Erfahrung im Umgang mit der Kamera und ihren Formen des Sehens, die sich vom menschlichen Sehen unterscheiden. Deshalb ist seine Neugier auf die andersartigen Bilder, die die KI generiert, besonders groß.In einem Essay reflektiert er die Eigenart dieser neuartigen Bilder, in denen Zufälle und Fehler zu Möglichkeitsformen führen, zu offenen Bildern, die schwer zu verorten sind. Kluge stellt Regeln für den Gebrauch der "virtuellen Kamera" auf und trägt so bei zu einer Debatte über den Umgang mit KI. Und er erprobt in einer Reihe von Bild-Text-Geschichten, die von Fällen von Scheinschwangerschaft auf dem Gebiet der DDR über Philemon und Baucis bis zum Söldner Prigoschin reichen, wie die "virtuelle Kamera" einen Raum eröffnet, in dem sich auf neue Weise erzählen und imaginieren lässt.Alexander Kluge geb. 1932 in Halberstadt, Drehbuchautor, Film- und Fernsehproduzent, Schrift- steller, Philosoph und einer der einflussreichsten Vertreter des Neuen Deutschen Films.

A spectacular celebration of the first 50 years of Industrial Light & Magic (ILM), the award-winning visual effects house behind the Star Wars saga, Indiana Jones, E.T., Terminator 2, and Jurassic Park<BR><BR>Industrial Light & Magic: 50 Years of Innovation is the official decade-by-decade visual retrospective of the legendary visual effects house.<BR><BR> Founded by Star Wars creator George Lucas in 1975, ILM has won 16 Academy Awards in Best Visual Effects and pushed the boundaries of what can be visually realized in storytelling, from the big screen to emerging technologies such as streaming television, 3D immersive adventures, and more.<BR><BR> Breaking down ILM’s evolution in visual effects decade-by-decade, 50 Years of Innovation features stunning visuals and analysis of the creative and technical processes from concept to execution, and highlights 50 of their key projects that have helped shape the visual effects industry.<BR><BR> Concluding with a look at both the future of ILM and the visual effects industry at large, the key creative forces at ILM speculate about what the next 50 years may have in store for the innovators that transformed entertainment forever.

Rewiring Narratives - New Media Art from the Arab World Rewiring Narratives is the first comprehensive book on New Media Art from the Arab world, offering a groundbreaking perspective on contemporary art, digital art, media culture, and technological innovation across the Middle East and North Africa. Bringing together leading artists, curators, and scholars, this richly illustrated volume explores the history and evolution of Arab media art through essays on cinema, video art, gaming, digital archives, code-based art, and emerging media practices. Rather than positioning Arab artists within established Western narratives, the book examines the unique cultural, political, and technological conditions that have shaped artistic production across the region. By connecting historical developments with contemporary digital practices, Rewiring Narratives highlights Arab New Media Art as an influential field of artistic experimentation, innovation, and global dialogue. Key Features - First comprehensive publication on New Media Art from the Arab world.- Essays on digital art, cinema, gaming, video art, archives, and media culture.- A fresh perspective on contemporary Arab art within global art history. Ideal for: art historians, curators, artists, students, researchers, and readers interested in contemporary art, digital culture, media studies, Middle Eastern art, visual culture, and the history of New Media Art.

A captivating visual celebration of the twenty-first century's most beautifully designed indie videogames. Forget AAA - the future is indie. From the haunting underwater depths of ABZÛ to the dystopian terror of We Happy Few, the 50 titles showcased here demonstrate the raw imagination, daring mechanics and uncompromising artistry that is reshaping the gaming landscape on a smaller scale. Packed with never-before-seen concept art, mood boards and early works-in-progress, Indie Game Works is a love letter to the people and passions behind the code, offering gamers, artists and developers an unparalleled journey through the beating heart of indie game culture.

In einem Zeitalter, in dem Technologien und Algorithmen die Grenzen zwischen Realem und Digitalem immer stärker verwischen und künstliche Intelligenz unsere audiovisuelle Kultur prägt, erwächst die Notwendigkeit, die Natur und Auswirkungen algorithmischer Bildlichkeit zu untersuchen. Der vorliegende Band versammelt daher interdisziplinäre Beiträge aus Medien-, Bild-, Kunst-, Designwissenschaft und Philosophie, um aufzuzeigen, wie algorithmische Verfahren digitale Bildlichkeit erzeugen, ordnen und zirkulieren lassen. Die Beiträge verbinden medienphilosophische Grundlagen mit Fallstudien aus XR, Social Media und kuratorischen Praktiken sowie mit ethischen und rechtlichen Perspektiven. Das Ergebnis ist ein Referenz- und Debattenband, der Begriffe schärft, Orientierung bietet und Impulse für Forschung, Lehre und gestalterische Praxis bereitstellt.

Der menschliche Körper als Spiegel zwischen Ritual, Kunst und Vergänglichkeit.Benedikt Hipp gehört zu den spannendsten Stimmen der zeitgenössischen Kunst. In seiner bilingualen Monografie Songs from the Orbs entfaltet er ein faszinierendes Panorama seiner künstlerischen Praxis, die Keramik, Malerei und Video zu einer vielschichtigen Bildsprache vereint. Besonders eindrucksvoll ist Hipps experimentelle Arbeit mit selbstgebauten Hochtemperatur-Holzbrandöfen, in denen er keramische Werke von einzigartiger Intensität entstehen lässt. Seine Kunst reflektiert die Verletzlichkeit und Wandelbarkeit des menschlichen Körpers - zwischen Fragment, Hybridwesen und sozialem Ritual. Die Publikation dokumentiert zentrale Ausstellungen und Werkzyklen der letzten Jahre und gibt einen tiefen Einblick in Hipps Denken.Mit präzisen Texten und zahlreichen Abbildungen eröffnet das Buch ein neues Verständnis für das Verhältnis von Körper, Kunst und Kultur und ist damit unverzichtbar für alle, die zeitgenössische Kunst in ihrer ganzen Vielschichtigkeit erleben wollen.Benedikt Hipp (*1977 München) lebt und arbeitet in Finning. Seit 2007 waren seine Arbeiten in zahlreichen nationalen und internationalen Gruppen-und Einzelausstellungen zu sehen (u.a. Triennale Kleinplastik Fellbach, Haus der Kunst München, Staatliche Kunstsammlungen Dresden, Palazzo delle Esposizioni Rom, Schirn Kunsthalle, Frankfurt, CAPC Bordeaux, Wilhelm-Hack-Museum Ludwigshafen, Kunstpalais Erlangen, Zeppelin Museum Friedrichshafen). 2020/2021 war Hipp Rompreisträger und Stipendiat der Deutschen Akademie Villa Massimo in Rom. Dort realisierte er Permakultur-Projekte, die sich der Steigerung der Biodiversität im Park der Villa Massimo widmeten.

Diese Publikation dokumentiert John Millers frühe Videoarbeit "Contradicting Statements" aus dem Jahr 1977. Das Video zeigt Sprache als etwas Unstabiles, dessen Bedeutung sich nicht festschreiben lässt. Diese frühe Auseinandersetzung mit sprachlichen und kommunikativen Strukturen verweist auf zentrale Themen im späteren Werk von John Miller, in dem alltägliche Situationen und kulturelle Systeme auf ihre impliziten Regeln und Machtverhältnisse hin untersucht werden.Miller schreibt über diese Arbeit: "Die Notwendigkeit, zu widersprechen, schafft in dessen Zentrum eine absurde Leere. Wie die Funktion eines winzigen neuronalen Netzwerks verhalten sich die Darsteller wie Quasi-Automaten. Die Kontrolle ist moduliert, nicht absolut. Die Darsteller lachen über ihre Instrumentalisierung und verspotten die Regeln, denen sie unweigerlich gehorchen. [...] Vielleicht bietet "Contradicting Statements" zu Beginn einer neuen Ära allumfassender künstlicher Intelligenz einen flüchtigen Blick in eine fragile Vergangenheit, die noch immer lebendig ist und noch nicht eingeschlagene Wege offenhält."

The official art book for the action video game DEATH STRANDING 2: ON THE BEACH, from legendary game creator Hideo Kojima, including artwork by acclaimed artist Yoji Shinkawa. With DEATH STRANDING 2: ON THE BEACH, step by step, legendary game creator Hideo Kojima changes the world once again. Embark on an inspiring mission of human connection beyond the UCA. Sam--with companions by his side--sets out on a new journey to save humanity from extinction. Join them as they traverse a world beset by otherworldly enemies and obstacles. The Art of Death Stranding 2: On the Beach is packed with hundreds of pieces of concept art for the characters, equipment, locations and creatures featured in the game, as well as early and unused concepts, including artwork by character and mechanical design director, acclaimed artist Yoji Shinkawa.

Ein QR-Code gibt Zugang zu mehr als 270 Filmen von einer Laufzeit von 18 Stunden.Das Werkverzeichnis nennt Titel, Jahr, Ort, Kamera und bildet bis zu 8 Filmstills ab, sowie das Kommentar des Künstlers. Das Buch ist der Schlüssel zu einer noch immer zu wenig bekannten Werkgruppe eines erfindungsreichen, experimentierfreudigen und humorvollen Künstlers.Ed. Alexandra Signer, Peter Zimmermann. Kommentiert von/explained by Roman Signer.