Criticism & Theory

Walter Benjamins früher Versuch zum Verständnis einer immer noch jungen Technik, der auch heute noch verblüffend aktuell ist."Nicht der Schrift-, sondern der Photographieunkundige wird der Analphabet der Zukunft sein." Benjamins Aufsatz, 1931 in zwei Teilen in der Zeitschrift Literarische Welt veröffentlicht, war eines der frühesten Essays zu dieser Technik und weist zugleich auf seine berühmte Abhandlung "Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit" (1935) hin.

This book illustrates how Korean American novels and poetry use anger to enact change, foregrounding the various ways it can pinpoint injustice and suggest alternatives. Experiences of the "forgotten" Korean War, Korean military-mediated immigration to the US in the twentieth century, and the role of Korean Americans in some of the largest upheavals in American history all inform a specific relation to anger and both its expression and use in Korean American literature. Through various texts comprised of both poetry and prose from authors including Steph Cha, Cathy Park Hong, Eugene Lim, and Yongsoo Park, Willems highlights how anger is seen to function in some contexts as a positive fulcrum for change.

Wie schreibt man als Frosch im kochenden Wasserglas? Ist Romantik fehl am Platz und Zeit für Dystopien? Gibt es in Deutschland eine Tradition des Nature Writing? Wie kann eine Poetik des Schreibens über Natur aussehen? Und was können Schreibende dazu beitragen, die Klimakatastrophe zu verlangsamen?Darüber referierten und diskutierten beim Symposium "Literatur und ökologische Praxis" 2021 in Fürth Autor:innen, Literaturwissenschaftler*innen, Politolog*innen und Sozialwissenschaftler*innen. Der Band "Literatur und ökologische Praxis" ist ein brandaktueller Debatten beitrag in einer Zeit, in der die Erde brennt.Mit Beiträgen von Julia Ingold, Norbert Niemann, Lena Pfeifer, Kathrin Röggla, Thomas Sablowski, David Salomon, Christian Schloyer, Stefan Schmitzer, Leonhard F. Seidl, Enno Stahl, Thomas Wagner, Michael Wildenhain, Markus Wissen, Hubert Zapf und Zara Zerbe.

This book presents a new semiotic theory based upon category theory and applying to a classification of creativity in music and mathematics. It is the first functorial approach to mathematical semiotics that can be applied to AI implementations for creativity by using topos theory and its applications to music theory.Of particular interest is the generalized Yoneda embedding in the bidual of the category of categories (Lawvere) - parametrizing semiotic units - enabling a ¿ech cohomology of manifolds of semiotic entities. It opens up a conceptual mathematics as initiated by Grothendieck and Galois and allows a precise description of musical and mathematical creativity, including a classification thereof in three types. This approach is new, as it connects topos theory, semiotics, creativity theory, and AI objectives for a missing link to HI (Human Intelligence). The reader can apply creativity research using our classification, cohomology theory, generalized Yoneda embedding, and Java implementation of the presented functorial display of semiotics, especially generalizing the Hjelmslev architecture. The intended audience are academic, industrial, and artistic researchers in creativity.

Cicero gehört nach wie vor zu den zentralen Schulautoren des Lateinunterrichts. Eine im Rahmen des Göttinger Sonderforschungsbereichs "Bildung und Religion" ausgerichtete Fachtagung im November 2018 widmete sich dem Bildungswert speziell der philosophischen Schriften Ciceros. Die Ergebnisse dieser Tagung mit Beiträgen aus verschiedenen deutschen Bundesländern sowie Österreich und Italien sind im vorliegenden Band zusammengestellt und geben dia- und synchrone Einblicke in die Praxis der Cicero-Lektüre sowie zu seiner Bedeutung als Prüfungsautor. Sie zeigen die verschiedenen Facetten von Cicero als Bildungsautor im doppelten Sinne: Zum einen gehört Cicero zum Bildungskanon der lateinisch Gebildeten auch in der Gegenwart, zum anderen will Cicero selbst Bildungsautor sein und mit seinem Werk zur humanitas seiner Leser beitragen.

Logical form has always been a prime concern for philosophers belonging to the analytic tradition. For at least one century, the study of logical form has been widely adopted as a method of investigation, relying on its capacity to reveal the structure of thoughts or the constitution of facts. This book focuses on the very idea of logical form, which is directly relevant to any principled reflection on that method. Its central thesis is that there is no such thing as a correct answer to the question of what is logical form: two significantly different notions of logical form are needed to fulfill two major theoretical roles that pertain respectively to logic and to semantics. This thesis has a negative and a positive side. The negative side is that a deeply rooted presumption about logical form turns out to be overly optimistic: there is no unique notion of logical form that can play both roles. The positive side is that the distinction between two notions of logical form, once properly spelled out, sheds light on some fundamental issues concerning the relation between logic and language.

This book offers a comprehensive review of concepts from general Structuralist Semiotics, and their application to the study of fashion systems and the objects they originate. It goes beyond the visual aspect of images and material culture, exploring the relations of narrative and meaning that crystallize the "mechanism of change" that governs fashion systems. Furthermore, the author argues that the system of dress, accessories, and self-presentation are not the only manifestations of a fashion system, interrogating the pertinence of the model developed throughout its sections to the study of knowledge. The book presents three case studies. The first focuses on the construction of body and dress as agents, and their dynamic interaction as the core of fashion changes. In the second case study, the foundations of cultural opposition between Western practices and the "Islamic Other" are challenged, utilizing the semiotic analysis to test the semantic pertinence of this "false contrariety". The book closes with the reassessment of the assumption that fashion occurs only in dress and, perhaps, other objects and forms of life belonging to consumable culture.Through these case studies the book makes a statement about the value of cross-discipline and cross-paradigm explorations. As the three sections of this work present the results of a search for a "theory of everything", this manuscript demonstrates the comprehensiveness and urgency of semiotic studies that cross areas and push the limits of the theory.

The Novel Experience introduces new approaches to the study of narrative fiction, for scholars, critics, teachers, and readers. At the heart of this concise book is a conception of experience that is influenced by the musings of third-century Buddhist thinker Nāgārjuna on the fictionality of truth and the emptiness of reality. Combining this insight with Nietzsche's method of intellectual genealogy and William James's transformation of emotion into "pure experience," Helmut Müller-Sievers proposes a way to talk about the experience of reading a novel that suspends the rush to judgment and ever-new "turn" in modes of interpretation. In its meditative corporeality, it is also beyond the grasp of any AI.For Müller-Sievers, every experience is novel and every novel is an experience. He explicates this parallelism through philosophical works that privilege experience over knowledge (without denying the importance of understanding). Interspersing analyses of Nāgārjuna, Nietzsche, and James with personal essays about the lived experience of reading works like Ralph Ellison's Invisible Man and Heinrich von Kleist's The Marquise of O, The Novel Experience shows that reading about experiences in novels has a transformative effect on the reader's understanding of what it is to experience. Teachers and readers should attend to these changes, acknowledging their singularity while creating a community within which they can abide.

Metaphern spielen außerhalb der Sprach- und Literaturwissenschaften, der Rechtswissenschaft sowie der Theologie, wo sie seit jeher von Bedeutung sind, eine zentrale epistemologische Rolle in der Mathematik sowie in den Natur- und Sozialwissenschaften. Metaphern bilden in ihrer Erkenntnisfunktion aber auch die Grundlage für zunächst disparate Gebiete der Philosophie, von der Sprachphilosophie, der Hermeneutik, der philosophischen Anthropologie und der Wissenschaftstheorie über die philosophische Rhetorik, Ästhetik und Ideologiekritik bis hin zur Philosophie des Geistes und der Verkörperungsphilosophie. Diese Gebiete überschneiden sich wiederum mit anderen Wissenschaften, wie der Soziologie oder der Psychologie. Ausgehend von zunächst unverbunden erscheinenden Bereichen wissenschaftlicher Erkenntnis versammelt der Band interdisziplinär Beiträge zur figurativen Erkenntnis. Aufgegriffen werden dabei unter anderem Ansätze der Analytischen Philosophie, der Kritischen Theorie, der Psychoanalyse, der Kulturphilosophie und der Dekonstruktion im weitesten Sinn. Auf diese Weise arbeiten die Beiträge je verschieden hin auf eine transdisziplinäre Epistemologie der Metapher. 

Menschen interpretieren Texte ungleichmäßig. Sie messen einigen Stellen eine größere Bedeutung zu als anderen. Worauf richtet sich die Aufmerksamkeit, wie geschieht dies und was sind die Gründe dafür?Menschen interpretieren Texte ungleichmäßig und messen einigen Stellen eine größere Bedeutung zu als anderen. Hermeneutische Könnerschaft besteht nicht zuletzt darin, während der laufenden Arbeit zu bemerken, aus welchen Stellen sich etwas machen lässt: Welche der vielen während der Lektüre im Gedächtnis bewahrten, durch Randbemerkungen hervorgehobenen oder im Exzerpt festgehaltenen Textteile sollen genauer behandelt werden, um Anspruch auf eine Deutung des Textganzen zu erheben? Wie geschieht dies in literaturwissenschaftlichen Interpretationen? Und inwiefern liegen die Gründe dafür im literarischen Werk oder doch eher in den sozialen Konventionen?Die Studie nutzt quantitative Verfahren, um den Umgang mit 'Schlüsselstellen' besser zu verstehen und sucht damit Antworten auf kanonische Fragen der Literaturtheorie. Am Beispiel eines umfangreichen Korpus von Interpretationstexten zu Annette von Droste-Hülshoffs 'Die Judenbuche' und Heinrich von Kleists 'Michael Kohlhaas' zeichnet sich dabei die unterschiedliche Deutungspraxis von zwei Interpretationsgemeinschaften ab. Zugleich aber zeigen sich geteilte Standards, die Fragestellungen und Theorieneigungen übergreifen. Vielfach, so scheint es, besteht kein Deutungs-, aber ein bemerkenswerter Beachtungskonsens.

Man findet Lyrik heute oft jenseits des Buches: auf Theaterbühnen, im urbanen Raum oder im Internet. Poetische Sprache wird mit Musik oder visuellen Elementen kombiniert oder durch die Performance des 'Poeten' oder der 'Poetin' verstärkt. Das eröffnet neue Zugänge zu einer literarischen Gattung, die bislang als elitär oder abstrakt galt. Die interdisziplinäre Buchreihe widmet sich zeitgenössischer Lyrik in all ihren Facetten, von populärkulturellen Werken bis zu elaborierter Kunst. Dafür werden literaturwissenschaftliche Ansätze mit Performance Studies, Medien- und Filmwissenschaft, Sound Studies, Sprechwissenschaft und Visual Culture Studies verbunden.<BR><BR>Warum ist Lyrik derzeit so populär? Welche Theorien und Methoden müssen entwickelt werden, um neuen Formaten - z.B. Spoken Word Poetry, digitale Lyrik, Gedichte in Sozialen Medien - gerecht zu werden? Wie interagieren Populär- und 'Hochkultur'? Welche ästhetischen, kulturellen oder politischen Funktionen kommen den medialen Gestaltungs-, Präsentations- und Distributionsformen von Gedichten zu? Die Reihe "Poetry in the Digital Age", herausgegeben von der Leiterin des gleichnamigen Forschungsprojekts, wird durch einen ERC Advanced Grant gefördert. Advisory Board Frieder von Ammon (München, DE); Hannes Bajohr (Berkeley, US); Jörg Döring (Siegen, DE); Julia Lajta-Novak (Wien, AT); Karen Leeder (Oxford, UK); Ralph Müller (Fribourg, CH); Jesper Olsson (Uppsala, SE); Pawe¿ Piszczatowski (Warschau, PL); Jessica Pressman (San Diego, US); Antonio Rodriguez (Lausanne, CH); Hans Kristian S. Rustad (Oslo, NO); Holger Schulze (Kopenhagen, DK); Eckhard Schumacher (Greifswald, DE); Henrieke Stahl (Trier, DE); Birgitte Stougaard Pedersen (Aarhus, DK); Fabian Wolbring (Marburg, DE)

This open access book explores the excesses, distortions and perverse effects that emerge when art and popular culture refuse reverence for nostalgic views on nature. Developing Phoebe Wagner's pioneering concept of the environmental grotesque, the book's authors argue that the problem is not ignorance of the crisis but rather poverty in our imaginative responses. Grotesque Anthropocene thus offers a needed rupture of our current ecological sensibilities, attending to the productive ambiguities of works across media, from art and literature to film and television.

Das Handbuch geht von einem weiten Begriff der Kulturwissenschaften aus und untersucht die Rolle der Pflanzen in den Wechselbeziehungen von Natur und Kultur. Alle Kapitel betrachten Pflanzen sowohl als Lebewesen als auch in ihrem symbolischen und metaphorischen Gehalt – in Literatur, Kunst, Religion und Kulturgeschichte. Ein erster Abschnitt widmet sich den einzelnen Teilen der Pflanze (Wurzel, Ast, Samen etc.), die als Denkfiguren in Theorie und Philosophie präsent sind. Der ursprünglich aus den Agrar- und Geowissenschaften stammende Begriff der Kulturtechnik ermöglicht es im zweiten Teil, Praktiken mit, von und durch Pflanzen zu untersuchen. Im dritten Abschnitt stehen Räume im Mittelpunkt, in denen Pflanzen leben bzw. untersucht oder gezüchtet werden und die das kulturelle Imaginäre in besonderer Weise geprägt haben. Der vierte Teil untersucht Muster und Modelle von Pflanzen, die als ästhetische Objekte neues Wissen sowohl über die Welt der Flora als auch über die zum Einsatz gebrachten künstlerisch-medialen Techniken hervorbringen. Ein Personen- und Sachregister erschließt den Band.

In lateinamerikanischen Städten sind sie allgegenwärtig und bleiben dennoch meist unbeachtet: Straßenhunde, die in Chile auch als quiltros bekannt sind. 'Quiltrologie' stellt ihre überraschend reiche Geschichte in Literatur, Film, Kunst und Populärkultur vor.Wenn Menschen und Hunde als companion species betrachtet werden, geht es zumeist um Formen der Koexistenz im häuslichen Raum. Jörg Dünne zeigt anhand des von ihm geprägten Begriffs der 'Kontaktszene', dass eine solche Beschränkung die tatsächlich beobachtbare Vielfalt der Formen des Zusammenlebens mit nicht domestizierten Hunden unberücksichtigt lässt. 'Quiltrologie' entwirft ein literarisches Panorama, das von flüchtiger Begegnung über gemeinsames Spiel, geteilte Nahrung und gattungsübergreifende Meutenbildung bis hin zur Trauer um verstorbene Gefährten reicht. Die Studie, die neben Literatur auch Film, Kunst und Populärkultur mit einbezieht, eröffnet so einen neuen Blick sowohl auf hündische wie auch auf menschliche Lebensformen am Rand der sozialen Sphäre. In den untersuchten Kontaktszenen werden nicht nur die Aktualität und die politische Dringlichkeit der Einbeziehung von Straßenhunden für ein zeitgemäßes Verständnis von (lateinamerikanischer) Kultur deutlich, sondern auch mögliche Konsequenzen für die literaturwissenschaftliche Praxis: Der Autor proklamiert die Transformation der Philologie zu einer Quiltrologie, die die Literaturwissenschaft ¿auf die Straße¿ bringt.

Vers und Prosa als gebundene und ungebundene Rede sind Grundprinzipien sprachlicher Gestaltung, die in ihrer Komplementarität bislang noch erstaunlich selten behandelt worden sind. Weit intensiver wurde das Gegensatzpaar Poesie und Prosa bedacht, das spätestens seit dem 18. Jahrhundert als Beschreibungsmatrix dominiert. Die weitgehend getrennten Forschungsimpulse einerseits zur Prosa, andererseits zum Vers führt das literaturwissenschaftliche Symposion zusammen, um sie zur Theorie und Geschichte einer produktiven Beziehung zu verbinden. Erst in der Zusammenschau, zumal in der Kreuzung unterschiedlicher Literaturen und Systeme, kann das ästhetische Potential von Vers und Prosa kritisch befragt werden. Ziel ist es, mit der Gegenüberstellung von Vers und Prosa hinter die geschichtsphilosophischen Spekulationen, die sich an Poesie und Prosa ausgebildet haben, zurückzugehen und formale Aspekte stärker in den Vordergrund treten zu lassen. Im Mittelpunkt steht dabei die Untersuchung von Mischungs- und Kontrastverhältnissen, durch die eine vermeintlich stabile Grenze zwischen Vers und Prosa immer wieder neu zur Verhandlung steht.Die Differenzen, Interferenzen und Interaktionen zwischen Vers und Prosa sollen in vier Sektionen untersucht werden. Sektion 1 befasst sich mit Übersetzungen und Adaptionen, um die historische (In-)Stabilität der Unterscheidung zwischen Vers und Prosa zu beobachten. In Sektion 2 sollen rhythmische Gestaltungen und Theorien des Rhythmus als produktive Zone der Indifferenz zwischen Prosa und Vers diskutiert werden. Probleme der Textproduktion und der Materialität werden in Sektion 3 adressiert. Sektion 4 fragt nach den kulturellen, politischen und epistemischen Dimensionen der Vers- und Prosa-Unterscheidung.

Der Idylle wird traditionell der Blick in ein (vergangenes) ideales oder fiktives Goldenes Zeitalter zugeschrieben. Nicht nur in der Literaturgeschichte, sondern auch in aktuellen Analysen arkadisch konfigurierter Texte entsteht daher oft der ernüchternde Eindruck, die Idylle sei auf Eskapismus und Flucht aus dem Alltag festgelegt. Die Beiträger*innen räumen mit diesem Vorurteil auf und zeigen, warum es sich lohnt, gerade die Idyllen zu beleuchten, die diesem regressiven Moment nicht folgen. Dazu arbeiten sie die produktiven Impulse dieser Zukunftsentwürfe für aktuelle ökologische, politische und soziale Krisen heraus und analysieren progressive Idyllen in unterschiedlichen Medien.

Mehrdeutiges Erzählen in audiovisuellen Medienformaten ist bislang nur unzureichend erschlossen. Zwar liefert die Forschung fundierte Analyseinstrumentarien, aber Formen und Funktionen narrativer Ambiguität, die Verfahren ihrer Konstituierung, ihre Bedeutungspotenziale und kontextuelle Rückbindungen sind weitestgehend unberücksichtigt geblieben. Vor diesem Hintergrund verfolgt dieser Band zwei Ziele: Zum einen rücken die Beiträge das Zusammenspiel der wesentlichen Erzählstrategien und -modi – Subjektivität, Perspektivität und Pluralität – in den Fokus; zum anderen legen sie profunde Auseinandersetzungen mit dezidiert deutschsprachigen Produktionen von den 1920er-Jahren bis zur Gegenwart vor.