Dancing

Sprünge, Drehungen, Haltepositionen und stundenlange Proben: Tanzen bedeutet Höchstleistung für Muskeln, Gelenke und Kopf. Auch deshalb gehören Schmerzen, Überlastungen und Verletzungen für viele Tänzer*innen zum Alltag. Dabei können ein besseres Körperbewusstsein, simple Methoden und die richtigen Übungen schnell für eine bessere Tanzgesundheit sorgen. In ihrem Buch Schmerzfrei tanzen teilt Britta Wittmann ihr umfassendes Know-how aus Tanzpraxis, Athletiktraining und Mentalcoaching. Lerne, wie du deinen Körper funktionell trainierst, Dysbalancen erkennst und Verletzungen vorbeugst. Die im Buch abgebildeten anatomischen Zeichnungen helfen dir dabei, die komplexen Strukturen von Kopf bis Fuß zu verstehen und dein Training gesundheitsfördernd zu gestalten. Darüber hinaus erhältst du Tipps und Methoden über mentale Strategien und die Ernährung für einen ganzheitlichen Blick auf die Tanzpraxis. Abgerundet wird das Buch durch ein Athletikprogramm, das gezielt auf die Anforderungen von Tänzer*innen abgestimmt ist.

Tanz bildet in und durch Freude - unter der Oberfläche dieser vielfach propagierten Weisheit differenziert die vorliegende Arbeit tanzspezifische Bildungspotenziale. Methodisch integriert sie Bewegungs- und Tanzwissen in empirische Studien und theoretische Reflexionen und zeichnet eine Praxeologie von Tanzfreuden, die mit den Hauptkategorien schön, frei, Energie und Spaß sowohl verbindende Linien als auch entscheidende praxis- und kulturspezifische Unterschiede aufweist. Gegenstandssensibel und wertschätzend gegenüber dem Tanz als facettenreichem Bewegungsphänomen und gleichermaßen kritisch gegenüberSchattenseiten von Tanzfreuden, zeigt die Autorin schließlich Wege einer ebenso kritischen wie freudvollen Tanzteilhabe auf.Die Arbeit wurde mit dem Ommo-Grupe-Preis 2025 ausgezeichnet!

Tänzerisch-autobiografische Verfahren von Künstler*innen, sogenannte 'Auto_Choreo_Grafien', sind häufig in sozio-temporale Umbruchsdiskurse eingebettet. Nadja Rothenburger betrachtet sie im Kontext der 1970er bis 2020er Jahre anhand der Positionalität und Perspektive von Tänzer*innen gegenüber dem Berliner Mauerfall oder der Implementierung professioneller Arbeitsbedingungen für freiberufliche Schweizer Tanzschaffende. Dabei analysiert sie die dynamische Bezugnahme auf historische und politische Ereignisse mithilfe spezifischer Konstellationen, die ein produktives Überdenken von Ich-Konstitutionen ermöglichen - ein Ausgangsmoment für eine multiperspektivische, raumzeitliche Tanzgeschichtsschreibung.

Conni nimmt Ballettunterricht. Es macht viel Spaß mit den anderen Kindern auf Zehenspitzen zu tanzen, wie eine Katze zu springen und sich zur Musik zu bewegen. Und schließlich soll Conni vor vielen Zuschauern auftreten. Conni ist ganz schön aufgeregt, aber dann klappt doch alles prima!

How do the visible and the invisible interact in aesthetic experience? Kati Röttger connects phenomenology and intermediality to engage with orders of looking in theatrical events, and thus offers a multifaceted methodological approach to performance analysis. The study balances theory and methodology in combination with extensive case studies encompassing different histories, cultures and media from dance, to postdramatic theatre, film and theatre texts. The reader gains a deep insight into the relevance of theatrical performances as poison and cure in (hyper)industrial societies, because of theatre's capability to theorize critically the not least violent interrelationship of seeing and being seen.

Das physische Ereignis einer (Tanz-)-Bewegung visualisiert sich im Moment des Geschehens. Ist es möglich Choreographie als Anleitung zum Ereignis zu denken und somit den Widerspruch, der in der Wiederholbarkeit der Choreographie und der Singularität des Ereignisses besteht, zu überbrücken? Kann innerhalb einer choreographischen, kontinuierlichen Struktur die Anlage zur Diskontinuität geschaffen werden?Saskia Oidtmann unterzieht den philosophischen Ereignismodus einer tänzerisch performativen Untersuchung innerhalb choreographischer Strukturen. So werden Parameter herausgearbeitet, welche die Kontrolle eingeschliffener Bewegungsmuster auflösen und unsere Wahrnehmung gegenüber sich ereignenden Bewegungen öffnen. Wo kann sich ein Lapsus, eine Störung, ein Bruch ereignen, welche den Körper auf ungeplante Weise zeigen? Wie wird Platz für Spontanität und Authentizität hergestellt? Es entsteht eine Ästhetik des Unverstellten, die einen Fokus auf Zwischenräume erlaubt: innerhalb eines inszenierten Rahmens kann es nicht nur zu unmittelbaren und spontanen Bewegungen kommen, sondern es offenbart sich auch ein unverstellter Blick auf den Körper.

Bewegungsimprovisation wird in pädagogisch-künstlerischen und therapeutischen Kontexten eingesetzt. Sie als eigenständigen Fachbereich zu legitimieren, steht noch aus. Dieses Buch zeigt, welches Potenzial Bewegungsimprovisation für Gruppenprozesse, Selbsterfahrung und kreative Ausdruckskraft birgt.Der erste Teil des Buches führt in Begriffe und Methodik ein. Der zweite Teil beleuchtet die Wirkung bewegter Improvisation in sozialen, pädagogischen und künstlerischen Zusammenhängen, immer mit Blick auf Praxisnähe und Übertragbarkeit. Anwendungsperspektiven im Bildungssystem und der Gesundheitsprävention zeigen die gesellschaftliche Relevanz abschließend auf.Die Autorin dokumentiert die Ergebnisse eines zweijährigen Forschungsprojekts. Ihre Auswertung von Interviews (Alter der Teilnehmenden 9¿67), Beobachtungen und Reflexionen verdeutlicht: Bewegungsimprovisation fördert Kreativität, Selbstwirksamkeit, Kommunikation, Teilhabe und die Entfaltung individueller wie kollektiver Ressourcen.

Tatiana Kisseleff bezeichnete ihre Aufzeichnungen als 'Arbeitmaterial' und hoffte damit die Eurythmiearbeit fördern zu können. Es ist aber nicht nur eine unentbehrliche Quelle für die Ausübung der Eurythmie darin gegeben, sondern vor allem spricht die Begeisterung für die Arbeit wohl jeden Leser unmittelbar an.Der biografische Überblick am Anfang läßt ahnen, um welche Dimensionen menschlichen Tuns und Schicksals es sich im Leben Tatiana Kisseleffs handelt.

Highland Child" vereint Bildkunst und Lyrik von Mark Sieczkarek in einem eigenständigen Künstlerbuch: Zeichnungen, kleine Malereien und Collagen begegnen 48 englischsprachigen Gedichten, deren deutsche Übertragungen jedem Exemplar als Einleger beiliegen. Als Tänzer des Tanztheaters Wuppertal Pina Bausch in den 80er Jahren (u. a. "Viktor", "Ahnen", "Kontakthof", "Das Frühlingsopfer", "Nelken") und seit 1988 mit über 50 eigenen Produktionen als Tänzer und Choreograph, entfaltet er in diesem Band ein sehr persönliches Universum - Menschen aus seiner nächsten Umgebung, Begegnungen aus der internationalen Tanzszene, Erinnerungen und Gedankenskizzen.Die Arbeiten in Farbe und Schwarz-Weiß zeigen seine poetische Spannung zwischen Bewegung und Bild. Entstanden ist ein sorgfältig gestaltetes und liebevoll illustriertes Hardcover, das die künstlerische Handschrift Sieczkareks in ihrer Vielschichtigkeit sichtbar macht - ein in seiner Interdisziplinarität beeindruckender Künstler, der über Tanz, Kostüm und Bühnenbild wirkte und sich ebenso hingebungsvoll Zeichnungen, Film und Dichtung widmete.

40 Jahre nach dem Erscheinen dieses opulenten Werks haben wir diese Biografie nun neu aufgelegt - dank dem Herausgeber David Stewart um zahlreiche Beiträge und Fotos erweitert!Else Klink (*23. Oktober 1907 in Kabakada, Bismarckarchipel; ¿18. Oktober 1994 in Köngen) hat die Entwicklung der Eurythmie entscheidend geprägt und die neue Bewegungskunst auf die großen Bühnen der Welt gebracht. Klink war von 1935 bis 1991 Leiterin des Eurythmeum Stuttgart, der ersten von Marie Steiner 1923 begründeten Ausbildungsstätte für Eurythmie. Aufgrund ihrer Arbeit gelang der Eurythmie der Schritt ins öffentliche Kulturleben. Diese um annähernd 100 Seiten erweiterte Neuausgabe enthält zahlreiche bisher unveröffentlichte Fotos sowie neue Beiträge von Martina Maria Sam, Carina Schmid, Christa-Maria Schmidt, Virginia Sease, Wilfried Hammacher,Michael Leber, Peter Selg, Benedikt Zweifel und dem Herausgeber David Stewart.

Eine Frau, die sich zeitlebens immer wieder vollkommen neu erfinden mussteAls Freda McDonald 1906 in einem Armenviertel in Saint Louis zur Welt kommt, deutet nichts darauf hin, dass sie als Josephine Baker als erster afroamerikanischer Superstar die Welt erobern wird. Die Chancen stehen denkbar schlecht, für die uneheliche Tochter einer Wäscherin, die Gesetze der Rassentrennung ins Gegenteil zu verkehren, doch Josephine Baker hält sich an keine Regeln, sie macht ihre eigenen. Für sie gibt es immer noch eine weitere Rolle, in der sie sich neu verwirklichen kann und Erfolge feiert. Ob auf der Bühne, als Truppenunterhalterin und Kriegsheldin - oder im Leben, Josephine kennt nur den Superlativ. Der Weg der Josephine Baker von der Tänzerin im Bananenröckchen zur politischen Figur war lange - und wirkt lange nach: Wenn Stars wie Madonna, Angelina Jolie und Beyoncé heute ganz selbstverständlich ihre Herkunft hinter sich lassen, in schlossähnlichen Häusern residieren, sich politisch engagieren und Kinder verschiedener Nationen adoptieren, dann treten sie - bewusst oder unbewusst - das Erbe der Josephine Baker an.

Das Buch entstand aus der Erkenntnis heraus, dass im theoretischen wie im praktischen Musikunterricht dem ursprünglich wichtigsten Faktor der Musik zu wenig Bedeutung beigemessen wird: dem musikalischen Gehör. Während das intellektuelle oder kognitive Moment nach Meinung des Autoren deutlich überbewertet wird, bleibt die Bedeutung des auditiven Moments in vielen Veröffentlichungen unterbewertet. Die hier vorgelegte Auswahl bekannter Melodien aus Pop, Folk, Klassik und Volksmusik möchte dem Anwender Wege zum eigenen Gehör öffnen. Das Buch wendet sich an Lehrer und Lernende, an Anfänger wie Fortgeschrittene, an Spieler jeder Instrumentengattung sowie an Vokalisten. Und auditives Training ist selbstverständlich genre-übergreifend, das heißt gleichermaßen anwendbar für Klassiker, Jazzer, Rockmusiker, Tanz- und Folk-Musiker etc. Ein wichtiges Buch für alle, die bewusster hören wollen. Die Hörbeispiele stehen als MP3-Download mit einem im Buch abgedruckten Code zur Verfügung.

Die Einzigartigkeit des Tanzes in der griechischen Antike wurde bisher unterschätzt. Dieses Buch zeigt, wie der Tanz alle Lebensbereiche durchdrang und schließlich zur Entstehung der Demokratie führte.Jeder musste tanzen lernen, nicht nur als Sport, sondern auch um Musikalität, Poesie und Ästhetik zu üben. Nicht der Solotanz war das Ziel, sondern der Tanz in der Gruppe, der den Gemeinschaftssinn und die Verehrung der Götter förderte. Dieser sogenannte Chortanz wurde bei nahezu allen Gelegenheiten eingesetzt: bei Prozessionen, Festen, Wettkämpfen, Opferungen und sogar bei den ersten Olympischen Spielen. Der Chor sang, tanzte und begleitete Theateraufführungen. So blieben Mythen und Traditionen durch den Tanz lebendig.

'Le Sacre du Printemps/Das Frühlingsopfer' von Pina Bausch ist in diesem interdisziplinären Band der gemeinsame und die Texte verbindende Analysegegenstand, um zentrale methodische Zugänge der bewegungs- und tanzwissenschaftlichen Forschung aufzuzeigen. Der in einer überarbeiteten und ergänzten Neuauflage erscheinende Sammelband stellt kultur-, sozial- und geisteswissenschaftliche Perspektiven auf Bauschs Jahrhundertchoreografie vor und dient so als methodische 'Werkzeugkiste' der tanzwissenschaftlichen Forschung im deutschsprachigen und angelsächsischen Raum. Mit Beiträgen von Peter M. Boenisch, Gabriele Brandstetter, Stephan Brinkmann, Michael Diers, Mark Franko, Stephanie Jordan, Gabriele Klein, Dieter Mersch, Gerald Siegmund, Hans-Georg Soeffner, Jürgen Raab und Christina Thurner.

Von Erkenntnissen der neueren Hof-, Adels- und Tanzforschung ausgehend, widmet sich dieser Band dem glanzvollen Tanzgeschehen am Dresdner Hof des 17. Jahrhunderts. Die Prinzessin im Titel ist dabei Programm: Könnten Prinzessinnen und andere adlige Frauen im Tanz eine besonders auffällige Rolle gespielt haben? Die Studie zielt auf die Vielfalt tänzerischer Ereignisse bei Hofe. Sie werden jedoch nicht im Hinblick auf ihre ideologische Instrumentalisierung vorgestellt. Vielmehr geht es um den Tanz als unverzichtbaren Bestandteil der attraktiven Lebensweise des Adels.Den Kontext dafür schafft eine Analyse von Texten zeitgenössischer Autoren, darunter eine in der Tanzforschung bisher noch unbekannte Dresdner Quelle. Darauf folgen Erkundungen zu tänzerischen und musikalischen Kompetenzen sächsischer Hofangehöriger sowie zu den Regisseuren und Protagonisten der Tanzereignisse am Dresdner Hof.Das Hauptaugenmerk gilt dem Tanz bei fürstlichen und adligen Beilagern. Hochzeiten lebten vom Kontrast formeller und informeller Handlungen, vom Wechsel eher statischer und eher dynamischer Elemente. Die Annäherung an das tänzerische Geschehen bei diesen Festen erfolgt anhand der Komponenten Raum und Körper sowie Kleidung, Tanz und Tanzmusik dicht entlang der Quellen.Ein Exkurs zu ballets und Tanzanlässen jenseits der Beilager rundet das Bild der facettenreichen Tanzkultur des Dresdner Hofs des 17. Jahrhunderts ab. Zeitgenössische Begriffe und Formulierungen einschließlich humorvoller Anspielungen illustrieren ihre Eigenständigkeit.

Claude Hofers Publikation ist die erste dieser Art, die beide international bekannte Tanzarten - den japanischen Butoh und den zeitgenössischen Tanz - erforscht und dokumentiert. Im Laufe von zehn Jahren hat der Schweizer Fotograf Länder rund um den Globus bereist und dabei über einhundert Künstler:innen aus beiden Tanzgenres getroffen, die größtenteils eigens für seine Kamera performten. Im Mittelpunkt seiner intensiven Schwarz-Weiß-Fotos stehen unmissverständlich dieMenschen selbst. Mit einem beeindruckenden Gespür für den richtigen Augenblick hat Hofer in seinen stark emotionalen Aufnahmen jene Momente der Tanzenden festgehalten, in denen eine einzigartige und tiefe Verbindung zwischen Körper und Geist zu Tage tritt.

Seit 30 Jahren feiert die Tanzcompagnie Sasha Waltz & Guests internationale Erfolge mit ihren zeitgenössischen Choreografien, sozialen Skulpturen, Dialoge-Projekten, Opern und Filmen. Anlässlich dieses Jubiläums richtet Sasha Waltz gemeinsam mit Menschen, die ihren Weg begleitet haben, den Blick zurück nach vorn. Denn wie die Choreografin selbst es treffend beschreibt, 'ein Ensemble ist ein lebendiges Archiv.' Wie aber erinnert sich ein Ensemble?Jenseits der bloßen Chronologie der Ereignisse rückt das Buch einen Aspekt des Erinnerns in den Vordergrund, der die Wiederholbarkeit des Tanzes garantiert: Die Notation. Sasha Waltz' 'Partituren' bestehen aus faszinierenden Begriffen, die jeweils einzelne choreografische Figuren bezeichnen. Das Buch greift 50 dieser Codes in Form einer enzyklopädischen Wunderkammer auf und löst sie aus ihrem eigentlichen Kontext. Durch Verknüpfungen zur Kunstgeschichte und kommentiert durch Gastbeiträge entsteht eine schöpferische Neuordnung des ¿uvres von Sasha Waltz, die die choreografischen Figuren erneut zum Tanzen bringt.Die Choreografin Sasha Waltz und der Kulturunternehmer Jochen Sandig realisieren seit 1993 in Berlin und darüber hinaus mit vielen Verbündeten ihren gemeinsamen Traum einer Tanzcompagnie als eine sich stetig verändernde künstlerische Gemeinschaft. Das bisherige Gesamtwerk von SASHA WALTZ & GUESTS umfasst über 80 Produktionen, an denen mehr als 300 künstlerische und wissenschaftliche 'Guests' aus Architektur, Bildender Kunst, Choreografie, Design, Film, Literatur, Mode, Musik, Oper, Philosophie, Soziologie, Tanz und Theater aus über 30 Ländern mitgewirkt haben.

Heiße Performances. Knisternde Wortgefechte. Und ein auflodernder Funke, den ich nicht stoppen kann.Ich habe eine Einladung zum Casting eines neuen Broadway-Musicals bekommen! Mein Traum, meine große Chance, mein Ausweg. Denn ich brauche einen Neustart. Und wo könnte ich den besser bekommen als in der leuchtenden Metropole New York? Doch jeder Traum hat einen Haken. In meinem Fall ist er attraktiver, als gut für mich ist, ebenso grumpy und hört auf den Namen Jake: Hauptdarsteller - und mein neuer Mitbewohner. Er ist überhaupt nicht begeistert davon, dass ich in seine Musical-WG an der Upper East Side ziehe. Aber ich werde mich nicht von Jake kleinkriegen lassen! Nicht, während er den Dämonen seiner eigenen Vergangenheit nachzujagen scheint. Auf gar keinen Fall. Egal, wie gut unsere Duette klingen, wie heiß seine Hände beim Tanzen meine Haut berühren oder wie viele Funken fliegen, wenn wir streiten ... Emotionale New Adult Romance meets Forced Proximity: 'Broken Shine' ist der Auftakt zur neuen Dilogie von Elle Ellis. Die Liebesgeschichte zwischen Cassie und Jake gibt es als hochwertig veredelte Klappenbroschur mit dreiseitigem Farbschnitt in der ersten Auflage - nur solange der Vorrat reicht!  //Beide Bände der fesselnden Musical Romance in New York sind unabhängig voneinander lesbar. Alle Romane der 'Broadway Lights':  -- Band 1: Broken Shine -- Band 2: Faded Glow//  Persönliche Leseempfehlungen:'Cassie und Jake fliehen vor den Schatten ihrer Vergangenheit und finden auf den schillernden Bühnen des Broadways neuen Mut und die große Liebe. Elle Ellis erzählt in Broken Shine eine emotionale, schmerzhafte und herzerwärmende Geschichte, die mich tief berührt hat.' SPIEGEL-Bestseller-Autorin Lara Holthaus'Ich bin so tief in diese Geschichte eingetaucht, dass ich das Gefühl hatte, mit Cassie und Jake auf der Bühne zu stehen und all die wundervollen Knister- und Kribbelmomente live mitzuerleben. Bekomme ich eine Zugabe?' SPIEGEL-Bestseller-Autorin Lilly Lucas

Berlins bis heute legendäres Nachtleben war bereits Anfang des 19. Jahrhunderts sehr vielfältig. In der Zeit zwischen 1814 und 1914 nahm die Zahl der nächtlichen Vergnügungsstätten ungekannte Ausmaße an. In diesen einhundert Jahren entwickelte sich Berlin zur europäischen Weltstadt, in der unzählige Besucher und Einwohner bis zum Morgen feierten. Joachim Brunold zeichnet ein authentisches und unterhaltsames Porträt der vergnügungssüchtigen Metropole - von den Spelunken und Bordellen bis hin zu glitzernden Varietés.

Wir tanzen im Club, bei Hochzeiten, auf WG-Partys; gehen ins Ballett, in die Oper, zum Modernen Tanz. Tanzen in all seiner Vielfältigkeit ist immer verbunden mit Lebendigkeit, manchmal sogar mit Ekstase und dem Dionysischem. Die Herausgeber*innen Maximilian Probst und Ursina Tossi nähern sich zusammen mit den 14 Autor*innen einer Philosophie des Tanzens an. Sie erkunden das Politische des Tanzens auf der Straße, nehmen Friedrich Nietzsche mit in den Club oder laden Judith Butler auf Tanzperformances ein und fragen, was aus dem alten Anspruch des Tanzes, Avantgarde zu sein, heute geworden ist. In ihren Beiträgen ergründen sie, was das Tanzen schon von Kindesbeinen an so besonders macht, wie man als Tanzende Identitäten ausloten, ausprobieren und definieren kann. Sie erklären uns die Unterschiede zwischen Standardtänzen und dem Tanz in einer Performance. Und sie zeigen auf, warum Tanzen immer politisch ist und oft utopisches Potential birgt.Ein Buch für alle, die gerne selbst tanzen oder einfach in die Welt des Tanzens eintauchen wollen, um zu verstehen, was dessen Faszination ausmacht. Mit Beiträgen von:Leona Stahlmann (Schriftstellerin), René*e Reith (Choreograf*in, Performancekünstler*in und Tanzwissenschaftler*in), Sebastian Matthias (Choreograf und Tanzwissenschaftler), Maximilian Probst (Journalist und Autor), Iris Därmann (Kulturwissenschaftlerin und Philosophin), Ursina Tossi (Choreograf*in und Tänzer*in), Luise Meier (Autorin und Theatermacherin), Linda Hayford (Choreografin und Tänzerin), Robert Matthies (Politikwissenschaftler und Journalist), Oliver Marchart (Philosoph und Soziologe), Natalia Wilk (Tänzerin, Taucherin und Unterwassertänzerin), Greta Taubert (Journalistin und Autorin), Bertha Bermudez (Tänzerin und Forscherin), Orly Almi (Choreografin), Lea Pischke (Choreografin und Tänzerin)

Während der großen gesellschaftlichen und künstlerischen Aufbrüche um 1900 erhält eine Gattung einen ganz neuen Stellenwert: Der moderne Tanz entwickelte sich zu einer selbstständigen Kunst-Disziplin. Er befreite den Körper nicht nur vom Korsett und von der Festlegung auf Tutu und klassisch-traditionelle Schrittkombinationen. Er überführte den Tanz in ganz andere Dimensionen: Bewegung war nicht mehr Darstellung von höchster technischer Körperbeherrschung, sondern subjektiv, emotional und frei.Vor allem waren es Frauen, die nun ihre eigenen Choreografien entwickelten, ihre Gefühle auf die Bühne brachten und selbstständige Unternehmerinnen wurden. Die männlichen Tänzer sahen sich gleichfalls als Pioniere, überall wurden traditionelle Rollenbilder infrage gestellt.Der neue Tanz symbolisierte nicht nur die künstlerische Avantgarde, gerade für die Frauen bedeutete er auch Kampf um Unabhängigkeit und Teilhabe. Mit seinem antiakademischen und kulturkritischen Impuls bestand eine enge Wechselbeziehung mit der bildenden Kunst. Nicht nur Tänzerinnen und Tänzer suchten nach kreativen Antworten auf die veränderte Lebenswirklichkeit, auch Dichter und Schriftstellerinnen, Maler und Bildhauerinnen. Es war ein sich gegenseitig befruchtender Dialog. Kunstschaffende aller Sparten entwickelten neue künstlerische Ausdrucksformen In Fotografie, Film, Grafik, Malerei,Bildhauerei und Mode spiegelt sich das veränderte Körpergefühl in einer radikal andersartigen Formensprache. Und auch die Tanzkritik musste sich erst etablieren.Der Katalog beleuchtet die vielfältigen Facetten und wechselseitigen Bezüge zwischen modernem Tanz und Kunst im Kontext der Reformbewegungen der Jahrhundertwende.

Tanzmusik bildet die Grundlage zahlreicher barocker Instrumental- und zum Teil auch Vokalmusik. Das Lehrbuch Barocke Tänze und ihre musikalische Umsetzung liefert wertvolle Hintergrundinformationen zur Aufführungspraxis barocker Tanzmusik, führt die Ergebnisse von Tanz- und Musikwissenschaft übersichtlich zusammen und gewährt Musikerinnen und Musikern sowie allen Interessierten einen profunden Einblick in die Welt des Tanzes im 17. und 18. Jahrhundert.Der erste Teil des Buches beschäftigt sich mit der Überlieferung und Verwendung der Tänze in der Barockzeit, geht kurz auf das strukturelle Verhältnis zwischen Musik und Tanz ein und beschreibt schließlich die damals verwendeten Metronomisierungen. Im zweiten Teil werden die einzelnen Tänze in alphabetischer Reihenfolge vorgestellt.

Loewe-Bücher: garantiert ohne KI Seine Texte sagen mehr als tausend Worte Als Yva von einem Tag auf den anderen eine neue Wohnung in Stockholm finden muss, kommt das Apartment neben der WG ihres besten Freundes wie gerufen. Womit sie nicht gerechnet hat, sind die sanften Gitarrenklänge, die nachts durch die Wand dringen: Fenn, ihr wortkarger Nachbar, ist leidenschaftlicher Singer-Songwriter. Tief berührt lauscht Yva seiner Musik in der Dunkelheit, bis sie ein unerwartetes Post-it von Fenn an der Tür entdeckt. Sie antwortet - und mit jeder weiteren Nachricht schreiben sie Zeile für Zeile ihren gemeinsamen Song. Wäre da nur nicht diese eine Sache, die Fenn vor Yva zu verbergen versucht ... - Broken Artist meets The Girl Next Door- Auftakt von Rebekka Weilers neuer New-Adult-Reihe- Die Dein SPIEGEL-Bestsellerautorin nimmt ihre Leser*innen mit ins traumhafte Schweden, wo Yva und Fenn eine Liebesgeschichte voller Wohlfühlvibes und Herzmomente erleben- Umgang mit ernsten Themen wie Mobbing und Toxizität in vergangenen Beziehungen- Erstauflage mit opulentem Farbschnitt und Charakterpostkarte