Musicals

Winner of the 2016 Pulitzer Prize for Drama<BR><BR>Now a major motion picture, available on Disney Plus.<BR><BR>Goodreads best non-fiction book of 2016<BR><BR>From Tony Award-winning composer-lyricist-star Lin-Manuel Miranda comes a backstage pass to his groundbreaking, hit musical Hamilton.<BR><BR>Lin-Manuel Miranda's groundbreaking musical Hamilton is as revolutionary as its subject, the poor kid from the Caribbean who fought the British, defended the Constitution, and helped to found the United States. Fusing hip-hop, pop, R&B, and the best traditions of theater, this once-in-a-generation show broadens the sound of Broadway, reveals the storytelling power of rap, and claims the origins of the United States for a diverse new generation.<BR><BR>HAMILTON: THE REVOLUTION gives readers an unprecedented view of both revolutions, from the only two writers able to provide it. Miranda, along with Jeremy McCarter, a cultural critic and theater artist who was involved in the project from its earliest stages - "since before this was even a show," according to Miranda - traces its development from an improbable perfor­mance at the White House to its landmark opening night on Broadway six years later. In addition, Miranda has written more than 200 funny, revealing footnotes for his award-winning libretto, the full text of which is published here.<BR><BR>Their account features photos by the renowned Frank Ockenfels and veteran Broadway photographer, Joan Marcus; exclusive looks at notebooks and emails; interviews with Questlove, Stephen Sond­heim, leading political commentators, and more than 50 people involved with the production; and multiple appearances by Presi­dent Obama himself. The book does more than tell the surprising story of how a Broadway musical became an international phenomenon: It demonstrates that America has always been renewed by the brash upstarts and brilliant outsiders, the men and women who don't throw away their shot.

Situated at the interstices of music and theatre studies, Theatrimusicality: Spectauralising Performance reframes the dynamic interplay of theatricality and musicality and theorises theatrimusicality as a conceptual consequent of analysing contemporary performance practices that lie in the intersection between theatre and music. The book establishes theatrimusicality as a hermeneutic apparatus and a dramaturgical approach to examining these works of the ‘in-between’ that defy neat taxonomies. Examining the co-transformative inter-workings, where the musical frames the theatrical even as the theatrical fashions the musical, Tan demonstrates how theatrimusicality allows new ways of meaning-making and analysis. The book also introduces an accompanying concept of spectaurality, a mode of reception that involves ‘seeing’ musicality and ‘listening’ to theatricality. Encountering performance spectaurally engenders alternative interpretive and affective experiences. Through deep analyses of a range of performances from varying cultures and contexts, Theatrimusicality encourages an appreciation of the co-presence of listening and seeing where perception becomes intertwined and relational.

Die Familiengeschichte des einflussreichen Komponisten als menschliche SagaRichard Wagner, der Schöpfer von Tristan und Isolde und der Nibelungen-Oper, verstand es wie kein anderer, Musik, Sprache und Dichtung zu einem einzigartigen Gesamtkunstwerk zu verschmelzen. Für die Wagners wird alles zur Bühne - nicht nur für das revolutionäre Genie, sondern für eine ganze Dynastie. Musik und Politik, Ruhm und Skandal, Licht und Schatten: Der Kulturhistoriker Michael Lemster erzählt ihre Familiengeschichte neu - nicht als Heldenepos, sondern als große, wahre Saga von Menschen im Rampenlicht.Von Cosima Wagner über das Haus Wahnfried bis zu den Wagnerfestspielen in Bayreuth - das Erbe des bekanntesten deutschen Komponisten lebt bis heute fort.- Wagners berühmte Opern: wie ein Genie die Klassische Musik für immer veränderte- Licht und Schatten: Antisemitismus, Machtgier und politische Verstrickungen- Cosima Wagner und Haus Wahnfried: die Frauen, bekannte Familienmitglieder und Nachfahren sowie die Wirkstätten des Wagner-Clans- Festspielhaus Bayreuth: wie ein Erbe zur lebendigen Kulturgeschichte wurde- Meisterhaft erzählte Musikgeschichte: Michael Lemsters fesselnder Blick hinter die KulissenEine Familiendynastie zwischen Genie, Macht und Vermächtnis der WagnerfestspieleWas trieb das Genie hinter den berühmten Opern an, und welches Erbe hinterließ es der Welt? Diese Familienbiografie spart dabei die Schattenseiten nicht aus: Antisemitismus, politische Verstrickungen bis in die NS-Zeit und schonungslose Machtgier gehören ebenso zur Geschichte wie die Strahlkraft Richard Wagners Bühnenwerke. Mit feinem Gespür für das Zeitkolorit macht Lemster ein packendes Stück Musikgeschichte greifbar und zeigt unterhaltsam und eindrücklich, wie die Familie Wagner die Kunstwelt nachhaltig geprägt hat.Tauchen Sie ein in die bewegte Geschichte einer Familiendynastie, die die Opernwelt für immer veränderte!

Der „Ring des Nibelungen“ von Richard Wagner ist auch 150 Jahre nach der Uraufführung des gesamten Zyklus eine Herausforderung. Dieses Buch lädt ein, sich auf das Werk aus neuen Perspektiven einzulassen.<BR>Neben Texten zum „Ring“ finden sich weitere zu Wagners ideologischem Standort, zur Rolle von Goethes „Weltendrama“ „Faust“, zur Frage von Religion und Utopie sowie zu Fragen der Existenz im Exil. Es handelt sich um pointierte Essays, in denen Wagners Prägung durch Vormärz und Revolution im Zentrum steht, nicht so sehr der später behauptete, jedoch nicht wirklich belegbare „Bruch“ zwischen frühem und spätem Wagner. Vielmehr wird zur Überbrückung der Distanz zwischen Revolution, Scheitern und Utopie Hegels Denkfigur der „Aufhebung“ herangezogen. Dabei liegt der Fokus stets auf Wagners umfassendem Musikbegriff und dessen Bedeutung für die konkrete Beschaffenheit der Partituren.

This is the story of the game-changing collaboration between director Alfred Hitchcock and composer Bernard Herrmann, who channelled their inner fears and desires into films that would become the nightmarish narratives and soundtracks of our lives.The 11-year collaboration between Alfred Hitchcock and Bernard Herrmann is often called the greatest director-composer partnership in cinema history. Their eight films together include such classic thrillers as Vertigo, The Man Who Knew Too Much, North by Northwest, Psycho, and The Birds. In Hitchcock and Herrmann: The Friendship and Film Scores that Changed Cinema, Steven C. Smith delivers an intimate account of how the reserved, but deeply anxious, Hitchcock found his ideal creative partner in the cantankerous, but deeply romantic, Herrmann. Smith draws on four decades of research, including previously unpublished documents and new interviews, to deliver a riveting account of what made the teaming of "Benny and Hitch" so memorable and influential -- and why it came to a bitter end. Their story involves the tumultuous changes in Hollywood from the mid-1950s to mid-1960s, as the collapsing studio system gave way to independent, counterculture filmmaking. It also involves the key figures in Hitchcock and Herrmann's inner circle including the director's gifted wife and most valued critic, Alma Reville; Herrmann's beautiful, put-upon spouse, Lucy Anderson; and talent agent-turned-studio mogul Lew Wasserman. Wasserman's negotiations made Hitchcock's greatest filmmaking period possible, but over time Lew's commercial instincts as head of Universal Studios clashed with Herrmann's pure artistic vision.Hitchcock and Herrmann is both a deeply researched historical study and a fast-moving, cinematic narrative -- one that puts readers on the film sets and scoring stages of Hitchcock masterworks. Their collaboration ended in a bitter break; but today Herrmann's pulse-quickening music has become the soundtrack of our own anxious times. The music from their movies is more popular than ever, heard in Quentin Tarantino blockbusters and Lady Gaga music videos. In Smith's expert telling, readers get an an intimate look at two legendary creators who, despite seemingly opposite personalities, found in each other artistic completion.

Seit etwa zehn Jahren hat die Zusammenarbeit von Laien mit professionellen Theatermacher:innen eine immer wichtigere Bedeutung erhalten und die Vermittlungsarbeit an institutionalisierten Theatern und Opernhäusern verändert. In diesem Band wird aus verschiedenen Perspektiven aus dem deutschsprachigen und internationalen Kontext heraus beleuchtet, wie die künstlerische Erfahrung, die Qualität der Aufführungen und das Empowerment der Teilnehmenden in einem produktiven Spannungsverhältnis stehen können. Gleichzeitig wird der Frage nachgegangen, wie sich Community- und Outreachprojekte auf die künstlerische, inhaltliche und ästhetische Arbeit und das Erscheinungsbild eines Hauses auswirken.Theater und Festivals binden heutzutage junge Menschen aktiv in Entscheidungsprozesse ein, sei es im Rahmen eines Jugendgremiums oder einer Festivaljury. „Jung" meint dabei alle Menschen, die im Rahmen eines partizipativen Theaterprojekts interessiert daran sind, Gemeinschaft aktiv mitzugestalten. Diskutiert wird, inwieweit ihre Ansichten – auch im europäischen Vergleich – in die Planung und Gestaltung von Formaten und Prozessen einfließen und ob diese neuen Perspektiven die Arbeit und Strukturen der Theater- und Opernbetriebe verändern. Der Band stellt am Beispiel unterschiedlicher künstlerischer Projekte und Ansätze teilhabeorientierte Öffnungsstrategien vor und führt diese mit theoretischen Diskursen zusammen.

Zwei Herzen, die Nordseeinsel Föhr und ein Sommer, der alles verändertMusicaldarstellerin June steht kurz vor ihrem Durchbruch, als sie auf der Bühne erschöpft zusammenbricht. Um sich zu erholen, schickt ihr Vater sie in seine Heimat: auf die beschauliche Insel Föhr. Langeweile pur für die quirlige Großstädterin. Dort trifft sie auf den Matrosen Nick, der mit seiner schroffen Art alle auf Abstand hält und genervt von all den Feriengästen ist. June sucht immer wieder seine Nähe und bringt damit seine Sommerpläne gehörig durcheinander. Nach und nach schafft June es mit ihrer positiven Art, seine Mauern einzureißen, und bald stellt sich nicht nur für sie die Frage, wohin ihr Kompass sie führt. Was, wenn die beiden sich gegenseitig mehr brauchen, als sie denken?Katharina Juli schreibt Geschichten, die direkt ins Herz treffen - voller emotionaler Wahrheit, persönlicher Entwicklung und lebensnaher Themen. Eine frische Alternative zu Sylt oder Amrum - Leserinnen und Leser, die Nordsee-Romane suchen, aber etwas Neues entdecken möchten

Since its founding by Joseph Papp in the 1950s, The Public Theater has been an American artistic leader defined by its breadth of programming, from Hair and A Chorus Line, to Free Shakespeare in the Park. With the recent critical and financial success of Fun Home and Hamilton, and its emphasis on new play development, The Public's contemporary history has been equally remarkable, even as world crises and social changes have tested the mettle of its foundation of accessible and "radically inclusive" theatre for all. <BR><BR>One Public presents the broader organization, its creative methodology, and its enormous growth over the past 20 years. Framed by the tenure and leadership of its current artistic director, the book tells the contemporary story, recorded over many interviews with iconic practitioners and performers ranging from Diane Paulus, Tony Kushner and Lynn Nottage to Kevin Kline, Chelsea Clinton and Lin-Manuel Miranda.<BR><BR>Case-study driven, One Public uses oral history accounts and authorial experience to illuminate The Public Theater, Eustis and their cultural influence on the city of New York and the greater United States. The story highlights the successes and challenges of an institution at once espousing a mission of inclusivity and community-based arts creation, while also developing Broadway hits and international fame.<BR><BR>One Public is also available in audiobook format from audiobook retailers.

Dal mitico Augusteo di Roma alla Scala di Milano, dalle orchestre sinfoniche di Chicago e Londra fino ai Wiener Philarmoniker, le tappe più significative di uno dei maggiori direttori d'orchestra del Novecento, che ebbe incarichi stabili soltanto all'estero. Le produzioni operistiche lo portarono a stringere relazioni con registi quali Visconti e Zeffirelli, e soprani di fama mondiale come Maria Callas e Renata Tebaldi. La successiva scelta di dedicarsi alla sola musica sinfonica ne fece uno dei massimi interpreti di Brahms, Schubert e Bruckner. La vita di Carlo Maria Giulini (1914-2005) è lo specchio di un carattere austero e riflessivo, e di uno spirito che manifestava nella musica la sua autentica, appassionata complessità. Una vita ricca di aneddoti e non priva di episodi sorprendenti, che Claudio Chianura ripercorre con l'agilità e la vivacità del narratore. Un racconto impreziosito dalle testimonianze del primo violino della Scala, Franco Fantini, accanto a Giulini negli anni d'oro del teatro lirico milanese, del critico musicale Angelo Foletto e del direttore d'orchestra Yoel Gamzou, che gli fu accanto negli ultimi anni di vita.

Mit über 150 erhaltenen und weit mehr als doppelt so vielen verlorenen Drucken bis 1918 ist die Anzahl und die Bedeutung von Drucken komponierter und kompilierter Musik zu einzelnen Filmen weitaus höher als bisher angenommen. In den sechs hier vorgelegten Studien werden grundlegende Fragen der Synchronisation von Musik und Film sowie einzelne Filmmusikkulturen thematisiert - Voraussetzungen für eine Geschichte der frühen Filmmusik unter angemessener Berücksichtigung der Musik zu einzelnen Filmen.With more than 150 surviving prints and far more than twice as many lost scores up to 1918, the number and importance of composed and compiled music scores for individual films is far greater than previously thought. The six studies presented in this volume deal with fundamental questions of the synchronization of music and film as well as with individual film music cultures - prerequisites for a history of early film music that takes appropriate account of the scores for individual films.

Hendrik Otremba, Schriftsteller und Musiker in Personalunion, nähert sich einfühlsam dem Werk der legendären Kölner Band Can an und spricht mit deren Gründer Irmin Schmidt.Die Kölner Band Can passt - wenn auch lose mit dem Begriff Krautrock assoziiert - in keine Schublade. Zwischen 1968 und 1979 veröffentlichte sie regelmäßig Alben, die mittlerweile als moderne Klassiker zwischen Pop und Avantgarde gelten, komponierte erfolgreiche Filmmusiken und spielte ausufernde Konzerte. In der internationalen Rezeption hat die Band heute einen legendären Status. Nach der Auflösung blieben die Mitglieder eng miteinander verbunden und setzten ihre Karrieren auf Solopfaden fort, wobei sie sich oft gegenseitig musikalisch unterstützten. Auch Autorenfilmer wie Roland Klick und Wim Wenders profitierten von der großen Kompositionsgabe der Gruppe. Hendrik Otremba folgt den Spuren der Band und ihrer Protagonisten und beleuchtet deren Werk und Ästhetik ebenso emphatisch wie klug und kenntnisreich in acht Essays. Otremba hatte das große Glück, drei Mitgliedern von Can - Damo Suzuki (1950-2024), Holger Czukay (1938-2017) - persönlich zu begegnen und konnte den Gründer der Band, Irmin Schmidt (*1937), für diesen Band ausführlich interviewen.

August Wilhelm Iffland legte die Korrespondenz, die er als Direktor des Berliner Nationaltheaters von 1796 bis 1814 führte, geordnet ab und etablierte so ein administratives und dramaturgisches Archiv, das zu einem wichtigen Arbeitsinstrument seiner Theaterleitung wurde. Dieses Archiv eignet sich in besonderer Weise dafür, Einblicke in die komplexen Entstehungsprozesse von Theateraufführungen zu eröffnen. Eine Theateraufführung entsteht durch die Interaktion verschiedener Elemente: institutioneller Rahmen, Raum, Darsteller, Publikum, Bühnenspiel, Text, Musik, Tanz, Kostüme, Dekorationen, Requisiten, Beleuchtung. Mit der vorliegenden Briefauswahl und den einführenden Texten wird der Versuch unternommen, diese Elemente sichtbar zu machen.

'Meine Lieder, meine Träume': Wie Salzburg zur Kulisse eines Filmklassikers wurde 'The Hills are alive with the Sound of Music ...' Wenn die junge Julie Andrews als Fräulein Maria durch die traumhafte Landschaft Salzburgs tanzt, können Millionen Fans auf der ganzen Welt den Song mitsingen. Die fiktionalisierte Geschichte der Familie Trapp verzaubert seit ihrer Premiere 1965 Generationen von Menschen und zieht bis heute Touristen nach Salzburg. Franziska Lipp hat die bekannten Drehorte von 'The Sound of Music' besucht - das Schloss Leopoldskron, den Mirabellgarten, das Stift Nonnberg, die Picknickwiese und viele mehr. Über allem scheinen bis heute die weltbekannten Lieder aus dem Film zu hängen. - Ein Muss für Fans: Der Guide zu 'The Sound of Music' voller Fakten und zu Film und Familie Trapp - Mit einem Interview mit Kristina von Trapp, Enkeltochter von Maria von Trapp - Salzburg und Umgebung: die traumhafte Kulisse für den beliebten Film - Erinnerungen an die Drehzeit in Salzburg: ein Gespräch mit Nicholas Hammond - Filmbuch und Reiseführer: die Top-Ausflugsziele Salzburgs im Porträt Warum 'The Sound of Music' immer noch begeistert Ein Vater und seine Kinderschar erhalten Hilfe von einer jungen Frau, die leidenschaftlich gerne tanzt und singt: Die Geschichte der Familie von Trapp und Fräulein Maria, die das Herz der Kinder und des strengen Kapitän von Trapp erobert, begeistert seit Jahrzehnten. Doch worin liegt der Zauber des Musical-Films? Franziska Lipp geht dieser Frage ebenso nach, wie sie die Originaldrehorte in Salzburg vorstellt. Die Verbindung aus schöner Kulisse und romantischer Geschichte ist ein Muss für Salzburg- und Sound-of-Music-Fans!

Der vorliegende Band nimmt seinen Ausgangspunkt beim musikalischen Potenzial von Elfriede Jelineks Texten, ihrer Arbeit mit dem Klang bzw. der Lautlichkeit von Sprache und dem besonderen Fokus, den sie auf Musikalität legt. Jelinek schafft in ihren Theatertexten konsequent musikalische Strukturen, u.a. durch die Arbeit mit polyphonen Textflächen und der Rhythmisierung des Textmaterials. Die Grenzen zwischen Musik- und Sprechtheater sind dabei immer schon fluktuierend - womit Jelinek die Regisseur*innen ihrer Theatertexte zu musikalischen Inszenierungsformen herausfordert. Die Beiträge dieses Bandes diskutieren die fließenden Grenzen zwischen Musik- und Sprechtheater im zeitgenössischen Bühnengeschehen sowie aktuelle Tendenzen im Musiktheater und "musikalisierten" Sprechtheater. Untersucht werden historische und gegenwärtige Formen der Verschränkungen von Theater und Musik sowie das Zusammenspiel zwischen Text, Musik und Szene. Angesichts von intermedialen, u.a. auch mithilfe künstlicher Intelligenz kreierten Formen, welche die herkömmlichen Grenzen zwischen Schauspiel, Performance, Videokunst und Musiktheater überschreiten, wird der Frage nachgegangen, ob nach dem Sprechtheater nun auch die Oper im Begriff ist, sich zu entgrenzen - und welche musiktheatralen Formen in der Zukunft denkbar sind. Dabei wird auch der gesellschaftspolitischen Status des Musiktheaters erörtert: Wie und auf welche Weise interveniert die Oper in aktuelle politische Diskurse? Auf welchen Ebenen - der Musik, der Narration oder dem Bühnengeschehen - kann Oper politische Anliegen adressieren, kritisieren und womöglich subvertieren? In diesem Zusammenhang rücken historische und aktuelle Formen nicht-europäischer Musiktheaterformen in den Fokus: Am Beispiel China wird der Kulturtransfers zwischen Europa und anderen musikalischen Traditionen diskutiert und gefragt, wie die wechselseitige (produktive) Übernahme fremder Kulturelemente für eine neue, offene und egalitäre Oper fruchtbar gemacht werden kann.

Das Notenheft "Bläsermusik 2025" setzt die Reihe der Bläsermusik aus der württembergischen Posaunenchorarbeit fort. Eine große Bandbreite an textgebundenen und freien Bläserstücken in unterschiedlichem Schwierigkeitsgrad.Viele Stücke sind Neukompositionen namhafter Komponisten wie Hans-Joachim Eißler, Traugott Fünfgeld und Michael Schütz . Ergänzt werden sie durch Bearbeitungen von Kompositionen aus fünf Jahrhunderten, neue geistliche Lieder wie "Allein deine Gande genügt" und "Ich seh empor zu den Bergen", Liedern aus dem EG wie "Du meine Seele, singe" und neuen textfreien Stücken wie "Funky Groove", "Bass-Drive" und bekannten Titeln wie "Highland Cathedral".Die Trompetenstimmen der "Bläsermusik 2025" in B-Notation plus die anderen Stimmen in gewohnter Notation.

Der Musiker und Maler Hardy Hepp hat viel zu erzählen. Der Journalist und Buchautor Michael Lütscher hat dessen Erinnerungen aufgeschrieben, um das umfassende Gedächtnis dieses scharfen Beobachters, vielseitig talentierten Künstlers, überzeugten Familienmenschen und stets neugierigen Zeitzeugen festzuhalten.Mit der legendären Rockband 'Krokodil', der Gruppe 'Hand in Hand' oder dem 'Heppchor' hat er die musikalische Entwicklung in der Schweiz massgeblich mitgeprägt. Auf und hinter der Bühne verkehrte er mit nationalen wie internationalen Musikgrössen und war immer mittendrin im Kulturleben. Kaum jemand in der Szene, den er nicht persönlich kennt. Ein Leben im Spagat zwischen Glamour-Branche und Existenzminimum als freier Künstler.Ein Buch voller Erinnerungen und Anekdoten. Mit Wortmeldungen u. a. von Corin Curschellas, Polo Hofer, Toni Vescoli, Max Lässer, Andreas Vollenweider, Pepe Lienhard, Bruno Spoerri, Rolf Lyssy, Thomas Hürlimann, Fredy Burger und Dodo Hug.

Step behind the curtain of The Rocky Horror Picture Show with photographer Mick Rock in his one-of-a-kind collection of rarely seen photographs. Known as 'the man who shot the seventies', Mick Rock had exclusive access to the set during the original filming of the now-iconic 1975 movie - and for its 50th anniversary, his personal archive is wide open.<BR><BR>This stunning volume captures the raw, behind-the-scenes magic of a film that would go on to become a cultural phenomenon. From candid moments with Tim Curry, Susan Sarandon and Richard O'Brien to intimate shots of the cast between takes, every page offers a glimpse into the bold, bizarre and beautiful world of Rocky Horror as it was being brought to life.<BR><BR>Featuring hundreds of images plus personal commentary and stories from the cast, crew and celebrity fans, this book is a must-have for fans of the film, photography lovers and pop culture enthusiasts alike. Each photo drips with glam, grit and the rebellious spirit that made Rocky Horror a revolution in sequins.<BR><BR>Whether you're a devoted fan or a Time Warp virgin, Mick Rock's Rocky Horror is your VIP pass to one of the most legendary productions in movie history.

Heiße Performances. Knisternde Wortgefechte. Und ein auflodernder Funke, den ich nicht stoppen kann.Ich habe eine Einladung zum Casting eines neuen Broadway-Musicals bekommen! Mein Traum, meine große Chance, mein Ausweg. Denn ich brauche einen Neustart. Und wo könnte ich den besser bekommen als in der leuchtenden Metropole New York? Doch jeder Traum hat einen Haken. In meinem Fall ist er attraktiver, als gut für mich ist, ebenso grumpy und hört auf den Namen Jake: Hauptdarsteller - und mein neuer Mitbewohner. Er ist überhaupt nicht begeistert davon, dass ich in seine Musical-WG an der Upper East Side ziehe. Aber ich werde mich nicht von Jake kleinkriegen lassen! Nicht, während er den Dämonen seiner eigenen Vergangenheit nachzujagen scheint. Auf gar keinen Fall. Egal, wie gut unsere Duette klingen, wie heiß seine Hände beim Tanzen meine Haut berühren oder wie viele Funken fliegen, wenn wir streiten ... Emotionale New Adult Romance meets Forced Proximity: 'Broken Shine' ist der Auftakt zur neuen Dilogie von Elle Ellis. Die Liebesgeschichte zwischen Cassie und Jake gibt es als hochwertig veredelte Klappenbroschur mit dreiseitigem Farbschnitt in der ersten Auflage - nur solange der Vorrat reicht!  //Beide Bände der fesselnden Musical Romance in New York sind unabhängig voneinander lesbar. Alle Romane der 'Broadway Lights':  -- Band 1: Broken Shine -- Band 2: Faded Glow//  Persönliche Leseempfehlungen:'Cassie und Jake fliehen vor den Schatten ihrer Vergangenheit und finden auf den schillernden Bühnen des Broadways neuen Mut und die große Liebe. Elle Ellis erzählt in Broken Shine eine emotionale, schmerzhafte und herzerwärmende Geschichte, die mich tief berührt hat.' SPIEGEL-Bestseller-Autorin Lara Holthaus'Ich bin so tief in diese Geschichte eingetaucht, dass ich das Gefühl hatte, mit Cassie und Jake auf der Bühne zu stehen und all die wundervollen Knister- und Kribbelmomente live mitzuerleben. Bekomme ich eine Zugabe?' SPIEGEL-Bestseller-Autorin Lilly Lucas

Tracing the Footsteps of the Trapp Family through Salzburg Sixty years ago, the musical film 'The Sound of Music', filmed in Salzburg, premiered. Since then, more than a billion people have watched the Oscar-winning film, and every year around 300,000 fans come to Salzburg to trace the footsteps of the Trapp family and visit the original filming locations. These are legendary scenes that continue to captivate audiences: Julie Andrews as Fraulein Maria dancing with the children entrusted to her through the Mirabell Gardens, singing in front of the backdrop of Hohenwerfen Castle, or walking down the aisle with Georg von Trapp (Christopher Plummer) in the Basilica of Mondsee. The book leads to the famous filming locations and tells their stories. It serves as a charming companion for 'The Sound of Music' fans and as essential reading for anyone interested in the Trapp family. At the same time, it is the perfect souvenir and gift from a trip to Salzburg.

Revisit favorite characters and magical locations from the epic movie musical in Wicked: The Faces & Places of Oz.Go on a journey through the most exciting locations in Oz, from the thatched cottages of Munchkinland to the marbled fountains of Emerald City. Along the way, meet the cast of characters that bring Oz to life—from the enchanting Elphaba Thropp to the popular Glinda Upland—in this pictorial tour through one of the biggest movies of the past decade.From Munchkinland to Shiz, and from the Ozdust Ballroom to the Emerald City, readers will encounter and learn more about the characters they have come to love: Elphaba, Glinda, Fiyero, Boq, Nessarose, the Wizard, Madame Morrible, and so much more.Filled with the beautiful imagery of Oz and details about fan favorite characters, this is the perfect collectible for fans.

Die Ouvertüre gehört zur Oper wie der Spitzenton in der höchsten Sopran- oder Tenor-Lage. Sollte man meinen. Dabei beginnt längst nicht jede Oper mit einer Ouvertüre.Dieses Buch beschreibt Erscheinungsformen und Funktionen der instrumentalen Einleitung im Musiktheater vom Barock bis in die Moderne. Der Blick ist dabei auf den Zusammenhang zwischen Eröffnungsmusik und Bühnenhandlung gerichtet, auf etwas, was in der Frühzeit der Oper gerade nicht angestrebt worden war, sich dann aber Schritt für Schritt entwickelte.So erzählt das Buch viele unbekannte Geschichten von konventionellen und vor allem unkonventionellen Lösungen, wie eine Oper eröffnet und ein Publikum zur Aufmerksamkeit gerufen wurde. Schon im 18. Jahrhundert gab es beispielsweise Pantomimen bei geöffnetem Vorhang - und zwar lange bevor 'moderne' Opernregie solche Aktionen traditionellen Ouvertüren hinzuerfinden sollte. Auch davon ist, in einem Bogen von Monteverdis "Orfeo" bis zu Brittens "Owen Wingrave", die Rede.

Warum kann Papageno seine Geliebte nur mit Silberglöckchen anlocken? Warum ist im Freischütz das Mitternachtsschlagen ausgerechnet in der Wolfsschlucht zu hören? Und warum stellen Glocken für die Hugenotten in Meyerbeers Oper kein Symbol für den christlichen Gott dar? Der Musikethnologe Nepomuk Riva geht in diesem Buch den vielfältigen Funktionen von Glocken in Musiktheaterwerken nach - von der Zauberflöte bis zum Musical Der Glöckner von Notre Dame. Er zeigt, wie das Instrument neben seiner religiösen Bedeutung immer auch für Politik, Gewalt oder Erotik stehen konnte. Die Analysen legen offen, wie vertraut die Komponisten mit den nationalen Läutesitten ihrer Zeit waren und wie sie das grundsätzlich andere Musikkonzept dieses Instruments in ihre Werke integriert haben. Das Buch plädiert für einen neuen Umgang mit der Glocke, die bislang oft nur als Signalinstrument oder akustischer Spezialeffekt abgewertet wird. Die Leserschaft soll dazu angeleitet werden, zahlreiche Werke als "geläutete Musik" neu wahrzunehmen.