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Mixing Secrets for the Small Studio is the best-selling primer for small-studio enthusiasts who want chart-ready sonics in a hurry, and this extensively updated third edition now contains sections on DSP phase-linearization, loudness normalization, oversampling, mixing from stems, frequency shifting, and analog summing.Discover how to achieve release-quality mixes even in the smallest studios by applying power-user techniques from more than 200 of the world's most successful producers. This entertaining and down-to-earth guide leads you step-by-step through the entire mixing process, and along the way you'll unravel the mysteries of every type of mix processing, from simple EQ (equalization) and compression through to advanced spectral dynamics and "fairy dust" effects. - Learn the subtle editing, arrangement, and monitoring tactics that give industry insiders their competitive edge, and master the psychological tricks that can protect you from all the biggest rookie mistakes. - Find out where you don't need to spend money, as well as how to make a limited budget really count. - Pick up tricks and tips from leading engineers working on today's multi-platinum hits, including Michael Brauer, Cirkut, Tom Elmhirst, Serban Ghenea, Jacquire King, the Lord-Alge brothers, Tony Maserati, Manny Marroquin, Finneas O'Connell, Laura Sisk, Mark "Spike" Stent, Andy Wallace, Young Guru, and many, many more... User-friendly explanations introduce technical concepts on a strictly need-to-know basis, while the book's chapter summaries, assignments, and massive library of audio/video examples are perfect for school and college use.

Introduction to WoMthe world of music (new series) is aninternational scholarly journal dedicated to reporting and reflectingcurrent theoretical perspectives on and research in the field of theworld's music and dance.While every issue is designed to focus on a specific topic, the world of music (new series)does not confine its attention to any single region or methodologicalapproach. We publish original, and sometimes challenging, contributionsfrom all over the world, aimed at musicologists and musicians, danceresearchers, anthropologists, cultural studies and post-colonial studiesscholars, and others.The articles contained in the world of music (new series)are informed by a variety of theoretical perspectives but devoted to ashared goal: understanding the musics of the world, their histories, andtheir manifold contexts. It is our aim to generate a productive andcreative dialogue between music researchers in disparate locations andcontexts.

This is the story of the game-changing collaboration between director Alfred Hitchcock and composer Bernard Herrmann, who channelled their inner fears and desires into films that would become the nightmarish narratives and soundtracks of our lives.The 11-year collaboration between Alfred Hitchcock and Bernard Herrmann is often called the greatest director-composer partnership in cinema history. Their eight films together include such classic thrillers as Vertigo, The Man Who Knew Too Much, North by Northwest, Psycho, and The Birds. In Hitchcock and Herrmann: The Friendship and Film Scores that Changed Cinema, Steven C. Smith delivers an intimate account of how the reserved, but deeply anxious, Hitchcock found his ideal creative partner in the cantankerous, but deeply romantic, Herrmann. Smith draws on four decades of research, including previously unpublished documents and new interviews, to deliver a riveting account of what made the teaming of "Benny and Hitch" so memorable and influential -- and why it came to a bitter end. Their story involves the tumultuous changes in Hollywood from the mid-1950s to mid-1960s, as the collapsing studio system gave way to independent, counterculture filmmaking. It also involves the key figures in Hitchcock and Herrmann's inner circle including the director's gifted wife and most valued critic, Alma Reville; Herrmann's beautiful, put-upon spouse, Lucy Anderson; and talent agent-turned-studio mogul Lew Wasserman. Wasserman's negotiations made Hitchcock's greatest filmmaking period possible, but over time Lew's commercial instincts as head of Universal Studios clashed with Herrmann's pure artistic vision.Hitchcock and Herrmann is both a deeply researched historical study and a fast-moving, cinematic narrative -- one that puts readers on the film sets and scoring stages of Hitchcock masterworks. Their collaboration ended in a bitter break; but today Herrmann's pulse-quickening music has become the soundtrack of our own anxious times. The music from their movies is more popular than ever, heard in Quentin Tarantino blockbusters and Lady Gaga music videos. In Smith's expert telling, readers get an an intimate look at two legendary creators who, despite seemingly opposite personalities, found in each other artistic completion.

The Klanghaus Toggenburg, located in the northeast of Switzerland and host to musical rehearsals, courses and concerts alike, is a place that enables visitors to experience a unique interplay of architecture, sound and nature. The Klanghaus in the Swiss Canton St. Gallen is the result of an impressive twenty-year development process: based on a concept by the late Marcel Meili, which won the 2010 thesis competition for the building, it was then realized by architect Astrid Staufer with the office Staufer & Hasler and opens its doors to the public in May of 2025. It is at its core a fundamentally social project, comprised of the work of all those involved in this process. Like the building itself, this publication is best understood as a research experiment intended to reveal new insights into sound and space. The book focuses on architectural aspects and constructive solutions for extraordinary room acoustics, as well as the interactions between the alpine landscape and natural yodeling or between the soundscape and the construction of the Klanghaus. It explores the many aspects of an extraordinary building, from the material vitality of shingles to the impressive proximity to the Ali Qapu Palace in Isfahan to the way ornaments become a visible expression of the essence of space and architecture itself. Combining various contributions from experienced and upcoming experts from fields as diverse as architecture, sound art, acoustics, ethnomusicology, art history, philosophy, history and tourism, this publication creates a polyphonic image and uncovers surprising connections. These texts are complemented by 3D architectural and construction drawings, documentary material, photo series, musical scores and lyrical fragments.

The Klanghaus Toggenburg, located in the northeast of Switzerland and host to musical rehearsals, courses and concerts alike, is a place that enables visitors to experience a unique interplay of architecture, sound and nature. The Klanghaus in the Swiss Canton St. Gallen is the result of an impressive twenty-year development process: based on a concept by the late Marcel Meili, which won the 2010 thesis competition for the building, it was then realized by architect Astrid Staufer with the office Staufer & Hasler and opens its doors to the public in May of 2025. It is at its core a fundamentally social project, comprised of the work of all those involved in this process. Like the building itself, this publication is best understood as a research experiment intended to reveal new insights into sound and space. The book focuses on architectural aspects and constructive solutions for extraordinary room acoustics, as well as the interactions between the alpine landscape and natural yodeling or between the soundscape and the construction of the Klanghaus. It explores the many aspects of an extraordinary building, from the material vitality of shingles to the impressive proximity to the Ali Qapu Palace in Isfahan to the way ornaments become a visible expression of the essence of space and architecture itself. Combining various contributions from experienced and upcoming experts from fields as diverse as architecture, sound art, acoustics, ethnomusicology, art history, philosophy, history and tourism, this publication creates a polyphonic image and uncovers surprising connections. These texts are complemented by 3D architectural and construction drawings, documentary material, photo series, musical scores and lyrical fragments.

Das Kunstwerk ,Tonaufnahme' schwebt nicht im luftleeren Raum, sondern sein Entstehen wird von kulturellen Gegebenheiten geprägt. Das Projekt "Kulturdatenanalyse" vergleicht europäische und nordamerikanische Produktionskulturen etwa in Bezug auf Ausbildungsverläufe und den Gebrauch des Mischpults im Produktionsprozess. Es zeigt sich, dass die Unterschiede auch das habituelle Selbstverständnis der Berufe in Bezug auf das entstehende Werk prägen. Die Kommunikation zwischen allen Beteiligten spielt während des Produktionsverlaufs eine große Rolle. Analytisch kann sichtbar gemacht werden, wie über musikalische Bedeutung gesprochen wird und wie Rollen konstruiert werden. Zudem wird in Aufnahmesituationen nicht nur gesungen oder gespielt, sondern häufig bestimmt das Gespräch zwischen den Beteiligten den Ablauf. Auch berufliches Wissen kann daher nicht als Wahrheit verstanden werden, sondern als Teil einer Kultur, die durch Praktiken gemacht und durch Diskurse transformiert wird.

The first biography of a great American composer of the cinema ageJohn Williams is one of the most important film composers of all time, having almost singlehandedly revived the Hollywood symphonic scoring tradition and helped restore the livelihood of American orchestras through the popularity of film music programming. His film music, in the words of director Oliver Stone, "came to stand for the American culture."In John Williams: A Composer's Life, the first biography of the composer, author Tim Greiving offers an engaging account of a man whose body of work is well-known but whose personal life has consistently remained very private. Williams wrote the memorable scores and hummable themes for a staggering number of popular touchstones across multiple generations--among them Star Wars, Indiana Jones, Jaws, E.T., Jurassic Park, Schindler's List, and the Harry Potter series--and earned more Oscar nominations than any individual artist in the history of the motion picture Academy. He also composed dozens of concerti, fanfares, and other concert works and was a national presence as music director of the Boston Pops for more than a decade. He inspired countless children to pursue a career in the orchestra and won the respect of the classical community worldwide. Seeking to understand what drove Williams's musical productivity and its effects on the lives of those close to him, Greiving delves deeply into the composer's decades-long career, uncovering countless new stories and revelations. Throughout, he analyzes and describes Williams' film scores, recalling them primarily in narrative and emotional terms rather than purely musicological ones, and in doing so emphasizes one of Williams's principle strengths: his musical storytelling.With unprecedented interview access to Williams and those close to him, Greiving presents the definitive portrait of a beloved but famously private doyen of twentieth-century pop culture. Featuring 175 exclusive interviews--including with Steven Spielberg, Oliver Stone, George Miller, Mia Farrow, Hans Zimmer, Yo-Yo Ma, session musicians, family members, and friends--John Williams: A Composer's Life is the first and last word on the great court composer of the cinema age, the musical conductor of our collective memory.

Mal gefeiert als Genie, mal belächelt als Exzentriker: Der Musikproduzent Joe Meek sprengte musikalische Grenzen und schuf in den frühen 1960ern einen Sound, der bis heute nachhallt. Mit seinem Superhit "Telstar" brachte er als erster Brite einen Song an die Spitze der US-Charts. Seine Experimentierfreudigkeit und sein Glaube an das Übernatürliche führten zu innovativen Klängen, die ihm Kultstatus einbrachten. Doch hinter dem Erfolg verbarg sich eine tragische Figur: Meek kämpfte mit psychischen Problemen, einer Tabletten­sucht und dem polizeilichen Schwulen­register. Seine Besessenheit und sein exzessiver Arbeitsstil endeten 1967 in einem tödlichen Drama.Dies ist die erste Joe-Meek-Biografie in deutscher Sprache.

Popol Vuh steht für spirituelle Musik, Ambient und experimentelle Klänge. Für die 'Bezwingung' des störrischen Moog-III-Synthesizers einerseits, und auf der anderen Seite für den Sound, der Werner Herzogs Filme unvergesslich macht. Für die unverwechselbaren Klanglandschaften von Visionär und Pionier Florian Fricke (1944-2001), dessen musikalisches Vermächtnis oft dem Krautrock zugeordnet wird.Michael Fuchs-Gamböck, Journalist und Freund Frickes, sowie Michael Joseph, Journalist und Musiker, zeichnen die ungewöhnliche Geschichte von Popol Vuh nach. Sie sprechen mit ehemaligen Bandmitgliedern sowie Zeitzeugen und ordnen die bedeutenden, genresprengenden Klangwelten von Florian Fricke und Popol Vuh in den Kontext der Musikgeschichte ein.

Das kompakte Fachbuch hilft, Sounddesign nicht nur als technische Aufgabe der Produktion, sondern als die Möglichkeit einer innovativen Tonspurgestaltung zum Video zu verstehen und umzusetzen. Grundlage hierfür sind die Erkenntnisse aus der psychoakustischen Forschung: Wie hört der Mensch, welche Rolle spielt dabei seine persönliche Hörhistorie und seine individuelle Hörpräferenz?Die Tongestaltung zu einem Bewegtbild ist eine Domäne der Praktiker:innen, in der die Wissenstradierung hauptsächlich in mündlicher Form erfolgt. In der Literatur finden sich daher nur sehr wenige Untersuchungen zu der Frage, warum der Tonkanal von den Rezipienten als adäquat zum Bildkanal und in der immersiven Wirkung als effizient empfunden wird.Was muss bei der auditiven Konzeption grundsätzlich beachtet werden? Warum erleben wir einige audiovisuelle Werke immersiver und in ihrer Wirkung mächtiger als andere?In einem Hörversuch wurde 240 Probanden jeweils ein Video über Kopfhörer in Stereo in einer Version (zwei unterschiedliche Filme, jeweils kombiniert mit einem von vier Audiotypen) vorgespielt. Die Ergebnisse dieser Studie bestätigen die praktische Erkenntnis vieler professioneller Sounddesigner:innen, dass die Tonebene hinsichtlich ihrer immersiven Wirkung ein eigenes, sehr spezielles Kommunikationsmedium darstellt: Professionelle Sounddesigner:innen lösen sich in seinem gestalterischen Wirken vom Diktat der Bildebene und schafft etwas Neues, das mehr ist als die pure Addition der einzelnen Effekte von Ton und Bild.

Le livre le plus complet jamais publié sur Mark Knopfler et Dire Straits, écrit par un auteur reconnu. Conteur sensible, maître d'une virtuosité subtile, superstar détendue : la carrière de Mark Knopfler bat presque tous les records.Le musicien et écrivain suisse Richard Koechli plonge, avec un sens aigu du détail, dans l'univers du compositeur et chanteur britannique au son de guitare inimitable pour rendre hommage à une ¿uvre exceptionnelle. Avec passion, compétence, humour et un regard critique empreint de respect, il explore l'art et la philosophie de Mark Knopfler, l'influence de ses prédécesseurs et compagnons de route, ainsi que le contexte musico-historique des années 1960 à 1990.À elle seule, l'histoire de Dire Straits remplit plus de 500 pages. La suite de cette exploration est désormais disponible dans un second volume consacré à la carrière solo de Mark Knopfler.Une aventure multimédia inspirante, riche en anecdotes et en exemples audio-visuels - à ne pas manquer pour les fans de Mark Knopfler, les passionnés de guitare, les audiophiles et les amoureux de l'histoire de la musique.(Traduction française de l'édition originale allemande)

Heavy Metal-Festivals sind in Deutschland längst zu kulturellen Schwergewichten geworden: Sie vereinen Zehntausende, prägen Regionen, schaffen Marken und beeinflussen ganze Wirtschaftszweige. Der vorliegende Band 4 der Studien zum Festivalmanagement nimmt das Phänomen erstmals umfassend aus wissenschaftlicher Perspektive in den Blick und zeigt, was hinter der faszinierenden Wucht von Menschen, Marken und Moshpits steckt.Im ersten Teil stehen die Menschen im Mittelpunkt - als Fans, Musikacts und Teil der Szene. Beiträge zu Genre-Identitäten, psychologischen Besonderheiten von Metalheads, Lebensrealitäten von Festivalfans und einzelnen Aspekten von Festivalangeboten liefern neue Einblicke in die soziale und kulturelle Dynamik der Metal-Community.Der zweite Teil analysiert Metal-Festivals als wirtschaftliche und kommunikative Kraftfelder: von visuellen Markenwelten über regionale Wirtschaftseffekte bis hin zu den Erfolgsstrategien einzelner Labels.Im dritten Teil geht es um die Zukunft der Moshpits: Nachhaltigkeit, Sicherheit, Resilienz und Digitalisierung werden als zentrale Herausforderungen und Chancen für Festivals im Wandel diskutiert.Entstanden im Rahmen eines wissenschaftlichen Round-Table-Gesprächs an der IST-Hochschule für Management, richtet sich dieser Band an alle, die Metal-Festivals nicht nur erleben, sondern auch verstehen wollen.

Introduction to WoMthe world of music (new series) is aninternational scholarly journal dedicated to reporting and reflectingcurrent theoretical perspectives on and research in the field of theworld's music and dance.While every issue is designed to focus on a specific topic, the world of music (new series)does not confine its attention to any single region or methodologicalapproach. We publish original, and sometimes challenging, contributionsfrom all over the world, aimed at musicologists and musicians, danceresearchers, anthropologists, cultural studies and post-colonial studiesscholars, and others.The articles contained in the world of music (new series)are informed by a variety of theoretical perspectives but devoted to ashared goal: understanding the musics of the world, their histories, andtheir manifold contexts. It is our aim to generate a productive andcreative dialogue between music researchers in disparate locations andcontexts.

Considers Boult's interpretations of Elgar's major works by drawing on their correspondence, Boult's annotated scores, broadcast performances, commercial recordings and press reviews, ranging from the composer's lifetime to Boult's final public appearances.Edward Elgar (1857-1934) and Adrian Boult (1889-1983) first met in 1904 and they saw each other frequently over the next thirty years. This book documents how Boult's Elgar interpretations evolved and the ways in which Boult drew on his experience of Elgar's own performances as well as their personal contacts. It provides fascinating biographical context, with a particular focus on the role played by the charismatic music patron Frank Schuster. A misunderstanding led to Elgar and Boult falling out in 1924 and it was not until 1931 that Elgar sought to restore their friendship. The book considers Boult's interpretations of Elgar's major works, drawing on a variety of sources including Boult's annotated scores as well as his broadcasts and commercial recordings of Elgar's music, ranging from those made in the composer's last years to Boult's final public appearances in 1978. The view of contemporary critics provides further evidence. All the works with which Boult was closely associated are considered in detail: the two symphonies, The Dream of Gerontius, The Kingdom and The Apostles and orchestral works including the Enigma Variations, Falstaff and the Violin and Cello Concertos. The text is complemented by appendices including a chronology of performances and a discography. These provide invaluable information for anyone interested in this fascinating composer-conductor relationship, and in Boult's advocacy of Elgar's music throughout his long career.

Discover the exciting world of software-defined radio (SDR) through this hands-on, beginner-friendly introduction.<BR><BR>Whether you’re a hobbyist interested in exploring the airwaves, a student learning about wireless communications, or an engineer looking to prototype RF designs, Practical SDR will help you master the fundamentals of software-defined radio.<BR><BR>You’ll build virtual radio receivers on your computer, then extract audio from real AM and FM signals; learn how amplitude modulation works by building an AM radio; understand signal filtering by crafting clean FM reception; and grasp complex topics like IQ sampling. You’ll use the intuitive GNU Radio Companion interface to create working radio systems piece by piece, then move on to building functional AM and FM receivers, and even design your own radio transmitter.<BR><BR>Along the way, you’ll learn how to:<BR>- Manipulate radio frequencies from 1 MHz to 6 GHz- Use filters and gain control to extract clear signals from noise- Maximize your SDR’s performance by choosing the right antennas and RF hardware- Process complex, real-time IQ data to demodulate actual radio signals- Build a flexible, virtual radio testing environment on your computer<BR>This isn’t just another theory book. Practical SDR bridges the gap between basic tutorials and advanced applications, providing a solid foundation for diving into modern wireless systems like Wi-Fi, Bluetooth, and cellular communications.<BR><BR>Some projects require SDR hardware, such as a HackRF One, and a compatible antenna.

Die Magie der schwarzen Scheibe - Grooves, Design, Labels, Geschichte und Revival - in aktualisierter 4. Ausgabe! Die Entwicklung der Schallplatte, die wichtigsten Labels und Schallplattenläden, bahnbrechende Künstler und legendäre Veröffentlichungen, Kult-Cover, Spinning, Scratching und Sampling, Botschaften in der Auslaufrille, Picture Discs, Limited Editions und Deluxe-Reissues, Plattenspieler und Musikboxen ... Ohne VINYL - DIE MAGIE DER SCHWARZEN SCHEIBE ist Ihre Plattensammlung nicht komplett! Für viele Jahre war der Rock-Veteran Neil Young einer der wenigen Rufer in der Wüste und hat die Qualität der Schallplatte immer verteidigt. Er erwähnte gern, dass Apple-Gründer Steve Jobs - auch als Pionier der digitalen Musik eine Legende war - zu Hause lieber Vinyl hörte. "Das ist der Song, aber es ist nicht wirklich die Aufnahme. Die richtige Aufnahme ist die Vinyl-Scheibe. Die großartige Sache ist doch, dass gehörte Musik einfach unsichtbar geworden ist, darum gibt es seit einem Jahrzehnt diese Forderung nach Vinyl und die ist gestiegen und gestiegen und gestiegen." Jack White

Zeit ist allgegenwärtig - und doch entzieht sie sich immer wieder dem Zugriff. Der Sammelband "In welcher Zeit leben wir?" dokumentiert die Beiträge des dritten SUMMIT of trans-Art, der im Oktober 2024 in Wals-Siezenheim stattfand. Ausgangspunkt des Symposiums war die künstlerische Praxis von trans-Art, in der sich Musik und abstrakte Zeichnung in Echtzeit begegnen. Diese Praxis wirft grundlegende Fragen auf: Ist Zeit teilbar? Subjektiv? Absolut? Oder gar auflösbar?Die interdisziplinären Beiträge des Bandes nähern sich diesen Fragen aus unterschiedlichen Perspektiven: Philosophie, Musik, Kunst, Improvisation, Film, Recht und Gesellschaft. In zwölf Vorträgen, Reden und Essays reflektieren die Autor:innen die Zeit als Denkfigur, als ästhetische Erfahrung und als soziales Ordnungsprinzip. Die Beiträge sind inspiriert von der dialogischen Struktur der trans-Art-Performance und spiegeln diese in ihrer offenen Form und Vielfalt wider.Der Band eröffnet mit der dokumentierten 100. trans-Art Performance von Astrid Rieder und der Flötistin Elisabeth Möst. Die weiteren Beiträge reichen von kunsttheoretischen Betrachtungen über performative und juristische Zugänge bis hin zu kultur- und zeitanalytischen Überlegungen. Der Band bringt diese heterogenen Sichtweisen miteinander ins Gespräch - ein Versuch, das Flüchtige festzuhalten und Zeit zu denken.Die Publikation richtet sich an kulturwissenschaftlich Interessierte, an Künstler:innen, Philosoph:innen, Wissenschaftler:innen und an alle, die sich für das Phänomen Zeit im Spannungsfeld von Wahrnehmung, Gestaltung und Theorie interessieren. Sie bietet Impulse für interdisziplinären Austausch und verbindet künstlerische Praxis mit theoretischer Reflexion.

Psychological Applications: From Lava Foxes to Microphones explores the intriguing intersection of psychology and nature, examining the use of psychological research methods with lava foxes and microphones, and their applications in fields such as assessment, psychopathology, personality, social psychology, developmental psychology, cognitive psychology, and health psychology. With a focus on ethical considerations and future directions, this book delves into the fascinating world of psychological applications in unique and diverse contexts.

Dies ist ein Lesebuch, eine Vergnügungsreise durch Musiken - Olaf Velte hat die Texte vom Jahr 2013 bis heute als Rezensionen in einer der Frankfurter Tageszeitungen an die Ohrwürmer gefunkt, nun sollen sie auch den Bücherwürmen zugänglich werden. Mit dem Dichter Olaf Velte selbst gesprochen:Rhythmus ist die Sprache. Den Sound, die Energie spüren. Bevor der Geist sich einschaltet, ist der Körper schon auf die Reise gegangen. Zuerst also die kleinen Passagen, bevor Horizonte sich auftun. Stücke, die auf wenig gebaut sind: Schlagzeug, Bass, Gitarre, manchmal eine Singstimme. Manchmal viel mehr. Und auch hier - was Dir beim Aufwachen, Aufwachsen ins Ohr geträufelt wurde.

Im November 2020 wurden Depeche Mode in die "Rock & Roll Hall of Fame" aufgenommen. Bei der Annahme der Ehrung sagte David Gahan: "Ich möchte mich bei Anton Corbijn bedanken, der Gott sei Dank zur richtigen Zeit zu uns stieß und uns tatsächlich cool aussehen ließ." Ebenfalls im Herbst 2020 brachte TASCHEN den limitierten und von Depeche Mode und Anton Corbijn signierten Band Depeche Mode by Anton Corbijn (81-18) heraus, der sich zu einer der am schnellsten verkauften Collector's Editions in der Geschichte des Verlags entwickelte. Diese günstige und aktualisierte Ausgabe im handlichen Hosen-TASCHEN-Format gibt Zeugnis von Corbijns einzigartiger Vision und ist in der Tat so "cool", wie Gahan in seiner Rede würdigte. In der reich illustrierten Geschichte erfährt man, wie Corbijn, der 1986 de facto Kreativdirektor der Band wurde, dazu beitrug, Depeche Modes Ruf als größter Kultband der Welt zu untermauern. Der Band enthält über 150 Fotos aus Corbijns umfangreichem Archiv, darunter sowohl offizielle als auch privatere Bandporträts, aufgenommen in Madrid, Hamburg, der Wüste Kaliforniens, Prag oder Marrakesch; dazu eine Vielzahl von spontanen, ungestellten Bildern und atemberaubende Live-Aufnahmen von sämtlichen Tourneen von 1988 bis 2023. Entstanden in enger Zusammenarbeit mit der Band gewährt Depeche Mode by Anton Corbijn eine Vielzahl von Einblicken in die Arbeit mit Corbijn und zeigt auf eindrucksvolle Weise, wie die einzigartige Ästhetik eines Mannes, von dem sämtliche Fotografien, die meisten Musikvideos, Albumcover und Setdesigns stammen, die anhaltende Popularität der Band prägten. In der Einleitung erinnert sich Corbijn an seine vielschichtige Rolle bei Depeche Mode: "Vieles hing von mir ab. Ich wollte einfach der Richtige für sie sein, für sie mitdenken und aus mir das Allerbeste herausholen." Der Band zeugt von der Tiefe und Breite dieser Großartigkeit und feiert eine der kreativsten und beständigsten Kooperationen der Musikgeschichte.

Im Jahr 1974, als die Rockmusik noch unangefochten die Vorherrschaft genoss, eroberten ein paar Düssel­dorfer mit einem knapp 23-minütigen elektronischen Song über die deutsche Autobahn die britischen und amerikanischen Charts. Das Album Autobahn von Kraftwerk gilt als musikalisches Meisterwerk, das für die Band den Übergang vom Krautrock zur elektronischen Musik einläutete und seine Einzigartigkeit bis heute bewahrt hat.Jan Reetze beleuchtet in diesem Buch die Entstehungsgeschichte eines seiner ewigen Lieblingsalben und geht der Frage auf den Grund, weshalb Autobahn auch nach einem halben Jahrhundert noch immer so zeitlos klingt wie am Tag der Veröffentlichung.