Kritik

Walter Benjamins früher Versuch zum Verständnis einer immer noch jungen Technik, der auch heute noch verblüffend aktuell ist."Nicht der Schrift-, sondern der Photographieunkundige wird der Analphabet der Zukunft sein." Benjamins Aufsatz, 1931 in zwei Teilen in der Zeitschrift Literarische Welt veröffentlicht, war eines der frühesten Essays zu dieser Technik und weist zugleich auf seine berühmte Abhandlung "Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit" (1935) hin.

Wie ereignet sich Kunst? Als Moment, der einen Wendepunkt in der Geschichte markiert, als widersprüchliche Einheit von Form und Sinn des einzelnen Kunstwerkes oder als Aktualisierung in der ästhetischen Betrachtung? Max Imdahls kunsthistorische Schriften leisten nicht weniger als die Synthese dieser verschiedenen Ereignisstufen anhand der Analyse einzelner Kunstwerke, die von der ottonischen Buchmalerei bis zur abstrakten Nachkriegskunst des 20. Jahrhunderts reichen. Anlässlich von Imdahls 100. Geburtstag versammelt dieser Band eine Auswahl seiner Texte aus vier Jahrzehnten. Sie öffnet neue Perspektiven auf Imdahls bedeutendes Werk und eignet sich vorzüglich als Einführung in sein Denken.

"È come un pezzo di ghiaccio entro cui brucia una fiamma" scriveva Kandinsky in una lettera del 1925, alludendo alla sua pittura. Ma lo stesso si potrebbe dire del libro che egli avrebbe pubblicato pochi mesi dopo, "Punto, linea, superficie", testo capitale e rinnovatore per la teoria dell'arte e non solo per essa. Fra tutti i grandi pittori del '900 Kandinsky è quello che forse più di ogni altro ha sentito l'esigenza di dare una formulazione teorica ai risultati delle proprie ricerche e di allargarne il significato toccando tutti i piani dell'esistenza. Già nel 1910, quando appena cominciava ad aprirsi la strada alla terra incognita dell'astratto, Kandinsky aveva scritto "Über das Geistige in der Kunst", altro testo di grande risonanza, proclama mistico più che saggio di estetica, appello a un rivolgimento radicale della vita oltre che al rinnovamento dell'arte. "Punto, linea, superficie" si presenta come un'opera più fredda e tecnica, ma in realtà è l'espressione più articolata, matura e sorprendente del pensiero di Kandinsky. Alla base del libro sono i corsi che Kandinsky teneva dal 1922 al Bauhaus. In essi egli mirava soprattutto a individuare la natura e le proprietà degli elementi fondamentali della forma, perciò innanzitutto del punto, della linea e della superficie. Con estremo radicalismo Kandinsky dichiarava allora di voler fondare una scienza dell'arte: nel corso ulteriore delle ricerche i problemi avrebbero dovuto esser risolti matematicamente, e su questa strada si sarebbe mossa tutta l'arte futura. Per questo suo assunto e per le scoperte che per la prima volta vi sono esposte, "Punto, linea, superficie" ebbe un'influenza determinante in diversi campi, basti pensare alla grafica. Ma ciò che oggi colpisce nel libro è innanzitutto l'abbozzo di una metafisica della forma, ben più che il progetto di una scienza esatta. Das Urheberrecht an bibliographischen und produktbeschreibenden Daten und an den bereitgestellten Bildern liegt bei Informazioni Editoriali, I.E. S.r.l., oder beim Herausgeber oder demjenigen, der die Genehmigung erteilt hat. Alle Rechte vorbehalten.

L'interprétation n'aurait-elle pas besoin des émotions ? Ce livre répond à cette question par une série d'études sur l'articulation entre l'expérience esthétique et l'activité herméneutique dans des oeuvres des XVIe, XVIIe et XVIIIe siècles. Si le corps et l'interprétation ont longtemps été placés dans un rapport d'exclusion, une partie de la pensée philosophique et critique a récemment proposé de repenser une continuité entre la réception sensible et l'élaboration du sens. La période qui s'étend de la Renaissance aux Lumières nous aide à le faire, parce qu'avant l'autonomisation de la sphère esthétique, une oeuvre ou une pratique esthétique ne sont jamais pensées hors de leurs effets sur leurs destinataires. Les études réunies dans ce volume invitent à repenser en profondeur l'expérience esthétique, qui se reformule plus exactement en relation esthétique: l'objet à interpréter n'est pas tant l'oeuvre que la réaction, l'affection, du corps face à l'oeuvre, ou la relation que le lecteur/spectateur établit avec l'oeuvre. C'est en fonction de cette interprétation seconde que l'on pourra décider du sens - ou de l'un des sens possibles - de l'oeuvre. On voit ainsi apparaître des manières différentes d'engager l'expérience sensible dans l'interprétation, ce qui nous importe à la fois comme pédagogues, dans nos pratiques de transmissions, comme chercheurs, pour comprendre comment opère l'élaboration du sens, mais aussi comme spectateurs, dans l'appréhension des oeuvres d'art qui nous entourent.

Bis Mitte des 20. Jahrhunderts umfassten Kunstwerke Für Kinder vor allem die Gestaltung von Spielzeugen, Baukästen und Kindermöbeln. Erst ab den späten 1950er-Jahren begannen Künstler*innen auf der ganzen Welt Werke zu schaffen,die Kinder zur Zusammenarbeit einluden, die sie als gleichberechtigtes und fähiges Publikum behandelten und ihnen Autonomie und Verantwortung für ihr eigenes Handeln zusicherten. Die Ausstellung Für Kinder. Kunstgeschichten seit 1968 im Haus der Kunst folgt dieser Denkweise. Sie thematisiert unser heutiges Verständ-nis von Kindheit und erörtert in einer Gruppenausstellung, die sich durch den Großteil des Museums zieht und ein umfangreiches Begleitprogramm umfasst, wie Kinder aktiv am Weltgeschehen teilnehmen, Realität mitgestalten und damit eine Welt mit- bestimmen, in der sie als Erwachsene leben werden. Die Publikation Für Kinder zeigt auf mehr als 400 Seiten Werke von Künstler*innen, die sich jungen Menschen zugewandt haben, und versammelt in eindrucksvoller Breite Kunst, die von 1968 bis heute geschaffen wurde. Dabei werden universelle Themen wie Menschlichkeit, Gesellschaft, Politik, Ökonomie und Ökologie, Technologie und Zukunft verhandelt, mit denen wir erstmals als Kinder in Berührung kommen und die uns bis ins Erwachsenenalter hinein begleiten. Mit Texten von u. a. Ana Maria Maia Antunes, Gabriela Burkhalter, Ian Cheng, Emma Enderby, Pablo Helguera, Lydia Korndörfer, Lars Bang Larsen, Andrea Lissioni, Xue Tan und Jochen Volz.

Can art offer shelter? This project examines art's capacity to build infrastructures of care, solidarity, and communication under conditions of conflict.The art project Sense of Safety is set against the backdrop of the ongoing Russian invasion of Ukraine and the relentless bombardments of Kharkiv. It is centered on an exhibition at the Yermilov Centre, Kharkiv, that turned out to be one of the safest places in the city and occasionally serves as a shelter. The exhibition brings together over thirty Ukrainian and international artists. Using installations, participatory performances, and videos, they evoke rituals of everyday communalization, reorganize spaces, and foster communication to create a semblance of stability and safety. In this way, the initiators created an international network of participating artists and institutions far beyond the bunker. Exploring themes of safety from political, bodily, existential, social, and economic perspectives, Sense of Safety surveys the role of art in times of war--its capacity to build infrastructures of care and spaces of solidarity.

German edition Care, welfare and nurturing work ensure the foundations of human coexistence. This exhibition catalogue of Vienna's VERBUND COLLECTION presents works by artists who devote themselves to existential areas of caregiving. They reflect upon a new 'sign language of the kitchen'. They make paid and unpaid care work - often invisible and realised under precarious working conditions - visible as class politics. Touching photographs of care for elders show intergenerational solidarity. Female artists who are mothers address the evaluation of care work in the art world. Works by the Feminist Avant-garde of the 1970s are thereby set into a lively dialogue with contemporary works. Thus, the publication aims to contribute to the appreciation of care work, which is predominantly performed by women. - Discussion of the highly relevant topic of care/nurturing/welfare - A lively dialogue between works from the Feminist avant-garde of the 1970s and contemporary works - including sculptures, objects, photographs, drawings and videos - Participating artists: Akihito Yoshida, Aneta Grzeszykowska, Anna Kutera, Anna Schölß, Annegret Soltau, Birgit Jürgenssen, Christine Lederer, Elizabeth Catlett, Frida Orupabo, Hannah Cooke , Karin Mack, Kirsten Justesen, Laura Ribero, Lena Henke, Letícia Parente, Lorna Simpson, Mägorzata Markiewicz, Margaret Raspé, Maria Pini¿ska-Bere¿, Marlene Haring, Martha Rosler, Mary Sibande, Mierle Laderman Ukeles, Natalia Iguiñiz, Nicole Wermers, Renate Bertlmann, Renate Eisenegger, Rosemarie Trockel, See Red Women's Workshop, Sophie Gogl, VALIE EXPORT  - An exhibition by the VERBUND COLLECTION, Vienna, Albertina, Vienna, March 13 to June 14, 2026

Der 92-jährige Autor und Filmemacher Alexander Kluge erprobt in Der Konjunktiv der Bilder die Kooperationsfähigkeit der bildverarbeitenden KI Stable Diffusion. Als Filmemacher verfügt er über eine langjährige Erfahrung im Umgang mit der Kamera und ihren Formen des Sehens, die sich vom menschlichen Sehen unterscheiden. Deshalb ist seine Neugier auf die andersartigen Bilder, die die KI generiert, besonders groß.In einem Essay reflektiert er die Eigenart dieser neuartigen Bilder, in denen Zufälle und Fehler zu Möglichkeitsformen führen, zu offenen Bildern, die schwer zu verorten sind. Kluge stellt Regeln für den Gebrauch der "virtuellen Kamera" auf und trägt so bei zu einer Debatte über den Umgang mit KI. Und er erprobt in einer Reihe von Bild-Text-Geschichten, die von Fällen von Scheinschwangerschaft auf dem Gebiet der DDR über Philemon und Baucis bis zum Söldner Prigoschin reichen, wie die "virtuelle Kamera" einen Raum eröffnet, in dem sich auf neue Weise erzählen und imaginieren lässt.Alexander Kluge geb. 1932 in Halberstadt, Drehbuchautor, Film- und Fernsehproduzent, Schrift- steller, Philosoph und einer der einflussreichsten Vertreter des Neuen Deutschen Films.

In his cycle of prints Homage to Hafez (2015), Günther Uecker engages in intercultural dialogue with poetry by the 14th-century Persian poet Hafez. In All der Zeichen (In all the Signs), the artist's specific approach is interpreted for the first time as an act of 'performative translation,' whereby the work emerges as a mediator between worlds and media. Uecker works on intertwined linguistic, media and cultural levels. According to the authors, the performative practice underlying his approach discloses an interpretation extending beyond simplistic attributions.

Until the end of the 19th century, architectural theory was based firmly on practice, belonging primarily to the domain of architects concerned with construction, materiality, and design. A significant turning point came with the work of art historian August Schmarsow, who was the first to establish space as an autonomous category within architectural theory. He argued that the perception of space by the human subject is a fundamental precondition to architectural activity, and that the design of space constitutes the essence of architecture. This intervention initiated a reorientation in the understanding of the built environment that has remained effective into the modern era. This study investigates the conditions, sources, and stages of development that shaped this conceptual shift.- First comprehensive analysis of Schmarsow's writing on architectural theory- Examination of intellectual- and scientific-historical contexts as well as interdisciplinary references- Reconstructing an overall picture of Schmarsow's architectural theory

Wie sollen wir mit Kunst und Kunstwerken umgehen, die in autoritären Strukturen entstanden sind und bei deren Entstehung Menschen Gewalt zugefügt wurde? Wer kuratiert, spricht und schreibt über diese Kunst? Und kann Kunst aus Gewaltkontexten neu kontextualisiert werden? Die Beiträger*innen versammeln in diesem durchgehend zweisprachigen Band zentrale Ideen zu Strategien für zukünftiges Ausstellen und setzen dabei das kritische Kuratieren in den Mittelpunkt. Sie zeigen neue Kontextualisierungsstrategien auf und öffnen einerseits das Feld für zeitgenössische Diskurse. Andererseits stellen sie Bezüge zu Kunst und Aktionismus sowie zur Traumaforschung her und geben praktische Handlungstipps für Museen.How should we deal with art and artworks that emerged within authoritarian structures and whose creation involved violence against people? Who curates, speaks, and writes about this art? And can art that originates from contexts of violence be recontextualized? The contributors in this consistently bilingual volume gather central ideas on strategies for future exhibition practices, placing critical curating at the forefront. They present new strategies for recontextualization and open the field to contemporary discourses. At the same time, they establish connections to art and activism as well as to trauma research, offering practical guidance for museums.

Dies ist die erste umfassende Publikation, die die Vermengung von Feminismus, Gender und zeitgenössischer nordischer Kunst neu bewertet. Die sich wandelnde Natur des Nordischen wird eingehend untersucht, um das populäre Bild des liberalen Nordens in Hinblick auf Gender, Sexualitäten und Ethnien zu hinterfragen. Der intersektionale, transhistorische und transkulturelle Schwerpunkt liefert eine nuancierte Darstellung des Nordischen und entmystifiziert gebräuchliche Tropen, während er gleichzeitig die grundlegenden Anliegen heutiger Wissenschaftler*innen im Bereich feministischer Kunst widerspiegelt: Wohlfahrtsmodell, Gender, Sexualität und Körper, Transkulturalität und Entkolonialisierung sowie (Post-)Migration und posthumaner Feminismus. - Energischer Eingriff in und Neubewertung der Probleme, die aus der Vermengung von Feminismus, Gender und zeitgenössischer nordischer Kunst hervorgehen - Mit einem besonderen Schwerpunkt auf Entkolonialisierung und Transkulturalität

Götz Pochat gelingt mit diesem Werk ein 3000 Jahre umfassender Einblick in die erkenntnistheoretische Geschichte der Ästhetik. Der Band verfolgt die Entwicklung der Kunst und der "Lehre des Schönen" von der Antike bis in das 19. Jahrhundert. Von der Naturnachahmung bei den Griechen und Römern führt der Weg über die mittelalterliche Scholastik zur Kunst der Neuzeit. Nach dem Barock und der Aufklärung setzt die Ästhetik des Erhabenen in der Romantik ein. Historismus und Technisierung bzw. Urbanisierung führen im 19. Jahrhundert zu neuen Formen des ästhetischen Lebens. Mit dem Positivismus beginnt schließlich die Verwissenschaftlichung der Kunstgeschichte. Neben Werken der bildenden Kunst werden auch philosophische und musiktheoretische Texte in die Analyse eingeflochten. Anhand dieser kunsthistorischen Auseinandersetzung werden Wendepunkte und Umbrüche in der Ästhetik sowie unterschiedliche Sichtweisen auf das "Schöne" deutlich.

Leonie Reygers (1905-1985) gilt weit über Dortmund hinaus als bedeutende Persönlichkeit im deutschen Kulturbetrieb der Nachkriegszeit. Die Gründungsdirektorin und langjährige Leiterin des Museums am Ostwall in Dortmund - dem heutigen Standort des Baukunstarchivs NRW - war eine Pionierin der Kunstdidaktik und eine Botschafterin der künstlerischen Moderne.Unter ihrer Leitung entwickelte das Museum ab 1949 vielfältige Ausstellungen, die regionale Identität mit universellen Fragestellungen verbanden. Dabei wurde systematisch ein Nachkriegsmuseum zur Kunst des 20. Jahrhunderts aufgebaut. Durch ihr Engagement gewann die Stadt Dortmund eine kulturelle Identität, die nicht nur das Museum, sondern auch das städtische Leben prägte. Die Publikation erscheint anlässlich des 120. Geburtstages von Reygers sowie des 75-jährigen Bestehens des von ihr gegründeten Museums am Ostwall. Vorgestellt wird nicht nur eine außergewöhnliche Frau, Museumsleiterin, Kuratorin und Kulturvermittlerin, ihre Arbeit und wegweisende Ausstellungen - das Buch soll auch zum kritischen Diskurs und Austausch einladen.

Der menschliche Körper als Spiegel zwischen Ritual, Kunst und Vergänglichkeit.Benedikt Hipp gehört zu den spannendsten Stimmen der zeitgenössischen Kunst. In seiner bilingualen Monografie Songs from the Orbs entfaltet er ein faszinierendes Panorama seiner künstlerischen Praxis, die Keramik, Malerei und Video zu einer vielschichtigen Bildsprache vereint. Besonders eindrucksvoll ist Hipps experimentelle Arbeit mit selbstgebauten Hochtemperatur-Holzbrandöfen, in denen er keramische Werke von einzigartiger Intensität entstehen lässt. Seine Kunst reflektiert die Verletzlichkeit und Wandelbarkeit des menschlichen Körpers - zwischen Fragment, Hybridwesen und sozialem Ritual. Die Publikation dokumentiert zentrale Ausstellungen und Werkzyklen der letzten Jahre und gibt einen tiefen Einblick in Hipps Denken.Mit präzisen Texten und zahlreichen Abbildungen eröffnet das Buch ein neues Verständnis für das Verhältnis von Körper, Kunst und Kultur und ist damit unverzichtbar für alle, die zeitgenössische Kunst in ihrer ganzen Vielschichtigkeit erleben wollen.Benedikt Hipp (*1977 München) lebt und arbeitet in Finning. Seit 2007 waren seine Arbeiten in zahlreichen nationalen und internationalen Gruppen-und Einzelausstellungen zu sehen (u.a. Triennale Kleinplastik Fellbach, Haus der Kunst München, Staatliche Kunstsammlungen Dresden, Palazzo delle Esposizioni Rom, Schirn Kunsthalle, Frankfurt, CAPC Bordeaux, Wilhelm-Hack-Museum Ludwigshafen, Kunstpalais Erlangen, Zeppelin Museum Friedrichshafen). 2020/2021 war Hipp Rompreisträger und Stipendiat der Deutschen Akademie Villa Massimo in Rom. Dort realisierte er Permakultur-Projekte, die sich der Steigerung der Biodiversität im Park der Villa Massimo widmeten.

Ein außergewöhnlicher Dialog über die chinesische Gegenwartskunst: Der Künstler und Kurator Andreas Schmid, Mitinitiator der legendären Ausstellung China Avantgarde (1993), trifft auf die in Peking geborene Kuratorin und Professorin Mi You. Im Gespräch mit Heinz Bude entsteht ein faszinierender Austausch über Kunst, Gesellschaft und kulturelle Identität im heutigen China. Persönliche Erfahrungen, kunsthistorische Einblicke und kritische Analysen verbinden sich zu einem klugen, inspirierenden Buch über die Entwicklung der chinesischen Kunstszene zwischen Aufbruch und Ernüchterung. Ein Muss für alle, die sich für zeitgenössische Kunst, China und globale Kulturdebatten interessieren.