Konzept

Marking Lévy Gorvy's first solo exhibition with acclaimed conceptual artist and philosopher Adrian Piper (born 1948), this focused presentation includes examples from The Mythic Being series (1973-75), It's Just Art (1980) and Here, an installation work conceived in 2008 and realized for the first time at the gallery. Together, these three bodies of work delve into interrelated themes Piper has explored throughout her career--the intersubjective formation of self, identity, race and gender; racism, sexism, xenophobia and competing conceptions of political responsibility. The book includes an essay by Begum Yasar and Aliza Shvarts, "Alienation, Too, Has Its Uses," which thinks through Piper's writings and works to discuss contemporary manifestations of xenophobia and racism. Also included are a biography of the artist and color plates of the works.

Running out of pattern / design ideas for your next big project? The Big Boo of Over 500 Patterns and Designs is here to help! With high quality pattern / design samples covering Fractal, Geometrical, Asymmetrical, Victorian, Arabesque, Nature, Dots, 3D, Abstract, Floral and more, you will surely find the design that inspires you. Images are assorted in a way to maximize the brain stimulation, keeping your brain refreshed page after page.

Artist Fabian Gatermann uses light as the key material for his installations, objects, and multiples. He disengages from the classic scientific engineering system of testing; his works are unconventional experiments. Text in English and German.<BR><BR>If we understand “transcendence” as a multidimensional experience, can light as a medium grant us access to invisible realms? The artist Fabian Gaterman uses light as the key material for his installations, objects, and multiples in order to investigate new dimensions. Over the course of his work, Gatermann disengages himself from the classic scientific engineering system of testing; instead his works can be seen as open-ended unconventional experiments. During this creative process, light oscillates between amorphous and crystalline states, taking the viewer on a transcendental voyage of discovery. The central reference throughout remains the human being: the works provoke active participation and invite the viewer to become part of a multi-perspective game of light and space.<BR> <BR>Text in English and German.

A renewed examination of Jeffrey Deitch's pivotal exhibitionOriginally exhibited in 1992, Jeffrey Deitch's groundbreaking exhibition Post Human brought together the work of thirty-six young artists interested in new frontiers of body and identity transformation. The prescient exhibition, which traveled to five international venues, introduced the art world to posthumanism - how the human body continues to merge with and diverge from technology. Both the show and it catalogue, which featured a unique visual essay and innovative design, helped set the agenda for art discourse in the 1990s.More than thirty years later, Deitch revitalized Post Human at his Los Angeles gallery, bringing the themes of the original back to the present. The show's 2024 iteration presented several key figures who participated in the original exhibition in dialogue with emerging contemporary artists whose boundary-pushing work explores how these themes, particularly recent forms of technology such as AI, have evolved over the course of the twenty-first century.This timely publication revisits artworks from both iterations of the show. Readers will discover color photography of the featured works, along with Deitch's iconic visual essay from the original catalogue and text contributions from contemporary philosopher Rosi Braidotti and critic Philippa Snow. Together, they form a printed testament to the show's indelible impact and Deitch's everlasting influence on the art world.Featured artists include: Isabelle Albuquerque, Matthew Barney, Ivana Ba¿i¿, Frank Benson, Ashley Bickerton, Maurizio Cattelan, Chris Cunningham, John Currin, Alex Da Corte, Olivia Erlanger, Jana Euler, Rachel Feinstein, Urs Fischer, Pippa Garner, Robert Gober, Hugh Hayden, Damien Hirst, Tishan Hsu, Pierre Huyghe, Anne Imhof, Alex Israel, Arthur Jafa, Jamian Juliano-Villani, Mike Kelley, Josh Kline, Jeff Koons, Paul McCarthy, Sam McKinniss, Mariko Mori, Takashi Murakami, Wangechi Mutu, Cady Noland, Charles Ray, Cindy Sherman, Kiki Smith, Hajime Sorayama, Anna Uddenberg, Cajsa von Zeipel, Jeff Wall, Jordan Wolfson, and Anicka Yi.

In der künstlerischen Praxis von Nikola Uki¿ zeigen sich Wachstum und Verfall, stehen quasi für eine Metapher der Ökologie des Kapitalismus, wie viele Kritiken hervorheben, obwohl er keinen direkten Bezug zwischen beiden Begriffen formuliert. Seine Überlegungen kreisen um grundlegende Fragen künstlerischen Schaffens, und er nimmt die vorwärtstreibenden Traditionen der 1960er Jahre von Readymade und Minimal auf, mit denen die Bildhauerei sich bewusst und radikal von repräsentativen und monumentalen Begriffen abgewandt hat. Nikola Uki¿ zielt auf eine kritische Neuinterpretation skulpturaler Strategien, thematisiert die Krise kohärenter Körpererfahrungen und die Beziehung zwischen Authentizität und Fiktion. Arbeiten wie seine Polyurethan-Würfel 'They breathe out as they rise verdeutlichen das. Mit unterschiedlich dosierten Farbpigmenten gemischt, erreichen die Polyurethan-Würfel ihr maximales Volumen, wenn sie die Größe ihrer Gussform angenommen haben und sich, in ihrem eigenen Tempo, allmählich wieder entleeren. Ihre Entstehung ist einer dauerhaften Wandlung unterworfen, die sie beweglich und zerbrechlich wie den menschlichen Körper zeigen. Allerdings gibt es hier keinen linearen Alterungsprozess - ein geschrumpfter Würfel steht einem neuen und glatten in nichts nach. Es ist kein Zufall, dass Uki¿s Ausstellungen immer wieder mit Zen-Gärten verglichen werden, denn in ihnen artikulieren sich Natur und menschliche Arbeit, nicht apologetisch und disharmonisch, sondern in einer völlig neuen Form von Wachstum und Sein, die in der Tat einer neuen Ökologie gleichen, die auf der Untersuchung der Grenzen von Natur und Kultur, dem Lebendigen und dem Toten, dem Wachstum und der Beständigkeit zu beruhen scheinen. Uki¿s Ökologie resultiert aus seiner Reflexion der Form und nicht aus dem Prinzip der Harmonie und der Auslöschung der Unterschiede. Er beharrt auf ihrer Nichtreduzierbarkeit und unserer Fähigkeit, diese auszuhalten. In diesem Sinne lotet seine Praxis die Grenzen des Möglichen aus, etwas nebeneinander zu stellen, ohne es zu neutralisieren. Nikola Uki¿ interessiert sich für die Idee, wie sich Körpermassen in eine Oberfläche einprägen lassen, ohne dies mit mimetischem Realismus darzustellen.

At the Mountains of Madnessby H. P. LovecraftIllustrated EditionJourney to the furthest reaches of Antarctica-and beyond the limits of human understanding-in this lavishly illustrated edition of H. P. Lovecraft's masterpiece of cosmic horror.At the Mountains of Madness chronicles a doomed scientific expedition that uncovers the remnants of an ancient, inhuman civilization buried beneath the ice. As forbidden knowledge comes to light, the explorers confront truths that shatter humanity's place in the cosmos. Widely regarded as Lovecraft's most fully realized work, the novella blends scientific realism with existential terror, creating an atmosphere of mounting dread unlike any other in horror literature.This edition features over 100 full-color illustrations across 147 pages, created to accompany-not overpower-the text. The artwork offers visual interpretations of Lovecraft's alien architecture, ancient beings, and abyssal landscapes, enhancing the reader's experience while preserving the story's essential ambiguity. From cyclopean ruins and frozen wastes to glimpses of unimaginable life, each illustration serves as a quiet guide through one of the most challenging and evocative works in weird fiction.Designed for collectors, long-time fans, and first-time readers alike, this illustrated volume invites you to rediscover a classic that continues to defy adaptation and inspire artists across generations. Whether encountered for the first time or revisited with fresh eyes, At the Mountains of Madness remains a chilling reminder that some truths are better left buried beneath the ice.

Erste Retrospektive des Werks von Jacqueline Mesmaeker außerhalb BelgiensDas Buch begleitet die Einzelausstellung, die von der Generali Foundation Collection - als Dauerleihgabe im Museum der Moderne Salzburg - konzipiert wurde und die erste Retrospektive des Werks der Künstlerin außerhalb Belgiens darstellt. Die Grundlagen der Ausstellung wurden in Zusammenarbeit mit der Künstlerin vor ihrem Tod Ende 2023 gelegt. Die Ausstellung präsentiert zentrale Werke von Jacqueline Mesmaeker aus allen Bereichen ihres künstlerischen Schaffens.Das außergewöhnliche Werk der belgischen Künstlerin Jacqueline Mesmaeker (1929-2023, Brüssel, BE) verbindet poetische Sensibilität mit konzeptionellem Denken. Ihre berufliche Laufbahn begann sie in den Bereichen Mode, Design und Architektur. Ab den 1970er-Jahren entwickelte sie die Werke, für die sie heute bekannt ist, und realisierte diese in unterschiedlichen Medien. Ihr ¿uvre umfasst Skulpturen und skulpturale Interventionen ebenso wie Malerei und Zeichnung, Fotografie, Film und Video sowie Sprache und Text. Ein grundlegender Aspekt ihres Werks ist die feinsinnige Auseinandersetzung mit den existenziellen Prozessen des Erinnerns und Vergessens sowie mit der psychologischen, politischen und ästhetischen Bedeutung des Subtilen und Verborgenen.Mesmaeker experimentierte mit verschiedenen Ebenen von Raum, Zeit und Bildlichkeit sowie mit Zeichen und symbolischen Sprachen und schuf dabei neue und unerwartete Verbindungen. Ihre Werke beziehen sich häufig auf ausgewählte literarische Quellen und setzen sich mit politischen und historischen Kontexten auseinander.Mesmaeker lehrte viele Jahre an renommierten belgischen Kunsthochschulen. Dennoch blieb sie lange Zeit im Schatten ihrer männlichen Künstlerkollegen - nicht zuletzt aufgrund ihrer Zurückhaltung gegenüber dem Kunstmarkt. In den letzten Jahren hat ihr über fünf Jahrzehnte konsequent verfolgtes Werk außergewöhnliche Anerkennung erfahren. Heute gilt Mesmaeker als eine Schlüsselfigur der belgischen Kunstszene, neben Marcel Broodthaers und Joëlle Tuerlinckx.

SINNLICH UND RADIKAL: DIE PIONIERIN LYGIA CLARK Die Brasilianerin Lygia Clark (1920-1988) ist eine der einflussreichsten Künstler:innen der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts und gilt als radikale Erneuerin des Kunstbegriffs. Diese Publikation macht ihr Gesamtwerk erstmals einem deutschsprachigen Publikum zugänglich. Clark entwickelte in den 1960ern interaktive Objekte, die Form und Sinn erhalten, wenn die Betrachtenden mit ihnen in Beziehung treten. Kunst begriff sie als partizipatives, sinnliches, mitunter heilendes Erlebnis. Hier wird ihre bahnbrechende Arbeit in ihrem ganzen Umfang greifbar - von ihren geometrisch-abstrakten Bildern über ihre partizipativ angelegten Skulpturen bis hin zu ihren performativen, therapeutischen Arbeiten. - die wichtigste brasilianische Künstlerin der Nachkriegsära - erste Retrospektive in Deutschland und der Schweiz - reich bebilderter Überblick über ihr einflussreiches Gesamtwerk - edle Ausstattung mit Leineneinband und Folienprägung - Ausstellung in der Neuen Nationalgalerie: 23.05. bis 12.10.2025; Kunsthaus Zürich: 14.11.2025 bis 08.03.2026 JENSEITS DER GRENZEN DER KUNST Clark war eine der Mitbegründerinnen und Hauptvertreterinnen des brasilianischen Neoconcretismo. Zusammen mit Lygia Pape und Hélio Oiticica zählte sie zu den Schlüsselfiguren zeitgenössischer Kunst in Brasilien. Mit ihren Arbeiten stand sie in enger Verbindung zur europäischen Moderne und emanzipierte sich gleichzeitig von ihr. Von der Malerei wandte sie sich früh ab und experimentierte zunächst mit handlichen, beweglichen Skulpturen. Später entwickelte sie Objekte, die wie Kleidungsstücke angezogen werden konnten und dazu dienten, in der "Haut des Anderen" sein Gegenüber zu erkunden. Die Künstlerin veränderte die Rolle der Betrachtenden hin zu ihrer aktiven Beteiligung. Ihre Werke sprechen alle Sinne an und zielen auf eine gemeinschaftsstiftende Kunsterfahrung. Clark spielt eine zentrale Rolle für aktuelle Diskurse über Abstraktion, Partizipation und eine therapeutische Kunstpraxis. Ihr Erbe hat die Kunst des 20. Jahrhunderts tief geprägt und ist eine wichtige Referenz für zeitgenössische Kunst, die sich mit den Grenzen der konventionellen Kunstformen auseinandersetzt. Heute finden sich ihre Werke in den bedeutendsten Museen der Welt. ÜBERBLICK ÜBER DAS GESAMTWERK Die umfassende Publikation zur großen Retrospektive präsentiert die bahnbrechende künstlerische Praxis Lygia Clarks in einer zugänglichen und umfassenden Übersicht. Vorgestellt wird die gesamte Werkentwicklung Clarks ab 1950 bis in die 1980er Jahre, angefangen von ihren geometrisch-abstrakten Bildern über ihre partizipativ angelegten Skulpturen bis hin zu ihren performativen, therapeutischen Arbeiten. Herausgegeben für die Staatlichen Museen zu Berlin von Irina Hiebert Grun und Maike Steinkamp. In Zusammenarbeit mit Cathérine Hug vom Kunsthaus Zürich.

Explore the world of Genshin Impact in this stunning keepsake showcasing hundreds of illustrations.Genshin Impact is a free-to-play open-world adventure RPG that brings players to the visually stunning world of Teyvat. Take on the role of the mysterious "Traveler," who sets off on a journey to discover the fate of their lost sibling and unveils unique cultures, stories, and vast surrounding landscapes, as well as the mysterious secrets of Teyvat along the way.Genshin Impact: The Official Art Book Vol. 2 features beautiful artwork that celebrates moments, characters, and storylines from Version 2 to Version 2.8 of the hugely successful game. Packed full of character designs, promotional art, character trailer art, and commemorative illustrations, this book is perfect for Genshin Impact fans.

The sophomore visual poetry collection from Sarah J. Sloat, whose Hotel Almighty was a 2020 NYT Editors’ Choice pick. <BR><BR>Classic Crimes is a book of visual poetry sourced from William Roughead’s true-crime 20th century classic of the same name. Roughead’s text is known for its ghastly recountings of murder and deceit, though such gloom is barely detectable under Sloat’s sharp eye and transformative hand. In these erasure poems, each adorned with its own colorful, meandering collage, “public opinion [is] always willing to wink at the picturesque,” and “to sleep…[is] an interlude of little dinners.” Where mayhem once lived, Sloat invites readers into a brand new world, one blooming with whimsy, play, delight, and cheeky, liberating poetics.

Zwischenwelten von Realität und Fiktion - Illusion in der zeitgenössischen Kunst Täuschung, Simulation, optische Illusionen - wie beeinflusst Kunst unsere Wahrnehmung? Die Publikation Illusions. Contemporary Art Between Fiction and Reality dokumentiert drei wegweisende Ausstellungen der KAI 10 | Arthena Foundation und beleuchtet das Spannungsfeld zwischen Realität und Fiktion. Von illusionistischer Malerei, die das Auge täuscht (Trompe-l'¿il), über digitale Simulationen bis hin zum Einfluss künstlicher Intelligenz auf die Bildproduktion hinterfragt das Buch die Mechanismen der Illusion in der zeitgenössischen Kunst. Essays renommierter Autor*innen setzen das Thema in einen breiteren gesellschaftlichen Kontext und eröffnen neue Perspektiven auf das Spiel mit Wahrnehmung und Wirklichkeit. Diese zweisprachige Ausgabe (Deutsch/Englisch) ist ein unverzichtbares Werk für Kunstinteressierte, die sich mit der Wechselwirkung von Kunst, Technologie und Wahrnehmung auseinandersetzen möchten. Highlights: - Drei visionäre Ausstellungen - Phantoms and Other Illusions, Bodies, Grids and Ecstasy, Frozen Mirrors - Illusion & KI in der Kunst - Einfluss digitaler Technologien und künstlicher Intelligenz auf die Bildproduktion - Bilinguale Ausgabe (Deutsch/Englisch) - Ideal für ein internationales Publikum und Fachkreise

In the first volume of the Zweierlei series, scientist and artist Daniel Wolter explores debate on environmental destruction in the GDR. To this end, he studied photographic collections from the archive of the GDR opposition group Robert Havemann Society, thus revealing links between the notions of 'environment' and 'archive' in the historical context of the GDR's environmental movement. Drawing on a media-ecological perspective, Wolter correlates different categories of photographic depiction and highlights the juncture where environment is inscribed into the photographic image and, at the same time, interventions in the environment come about.

The new prequel in the sci-fi universe HUXLEY, this spellbinding visual storybook is a unique vision of a post-apocalyptic future from leading game and film designer Ben Mauro. HUXLEY's original run of six digital-first comics took the internet by storm and changed the landscape of graphic novels forever. But it was just the beginning. Ben Mauro's epic decade-long franchise quickly expanded into prequels that build out the universe's deep lore and rich history further, its next step is taken here in: HUXLEY: The Oracle. Delve deeper into the people, politics and horrors of FURY-7, a scorching desert planet that humanity abandoned to an empire of sacred machines known as Oracles after a devastating nuclear holocaust. These powerful machine emperors control the planet's resources and have genetically engineered human clones to serve their needs. The most advanced of these soldiers are the Ronins; elite enforcers who maintain order for the Oracles in Machine City. Among them, Max - one of the heroes from the original graphic novels earlier in his career- discovers a conspiracy that threatens to upend the empire and his own understanding of the world. This brand new entry in the HUXLEY series features a captivating storyline with richly woven characters - some fan-favourites and others that are new to the saga - and another fascinating chapter in the franchise's sprawling lore. Ben Mauro brings the burgeoning universe to life with hundreds of pages of characteristically intricate artwork. Get ready to embark on an epic new expedition in the HUXLEY universe, where every page promises adventure, intrigue and breathtaking artistry. 100 colour illustrations featuring original artwork from artists Steve Chinhsuan Wang (Gears of War 5), Nikolas Gekko (Halo Infinite, Destiny 2), Ben Mauro and never before seen storyboards from Syama Pedersen (Astartes).

"Geheim ist goar nix."Exakt 100 Jahre nachdem die Briefe und Manuskripte ihres Urgroßonkels am 21. Dezember 1924 auf dem Dachboden der Familie versteckt wurden, bringt Nin Brudermann diese hochgeheimen Dokumente, die Familiengeschichte mit den Machtintrigen und Machenschaften der Vorkriegszeit verflechten, an die Öffentlichkeit. Durch eine zutiefst persönliche Linse neuinterpretiert Clash of Giants die Kette von Mikroereignissen, die zum Ersten Weltkrieg und zur anschließenden Neuordnung der Weltmächte führten.Ein Buch wie einen Split-Screen paralleler Erzählstränge behandelnd, greift Brudermann auf ihren gleichnamigen Film aus dem Jahr 2019 derselben Thematik zu und erzählt gleichzeitig die subjektive Geschichte ihrer eigenen mehrjährigen Recherche. Zahlreiche literarische, philosophische und historische Zitate durchziehen ihre persönliche Erzählung, die mit Fragen aus der Kindheit beginnt und in einer Reflexion über die aktuelle Weltpolitik endet.Ein Gespräch mit Jason Fine vertieft die Theorie, die Clash of Giants zugrunde liegt. Jimena Canales' Gedanken über Kleopatras Nase und Adam Kleinmans Analyse des Films setzen die vielstimmigen Perspektiven in einen breiteren kritischen Rahmen.

A swirling collection of occultic verse and calligraphic art.<BR><BR>A grimoire carved in scarlet, Salamander’s Wool is the inaugural full-length collection of writing by V Manuscript, amalgamating a vast array of arcane rituals into an ensorcelling poetic corpus. To read Salamander’s Wool is to consort with spirits and scry with dæmons, a linguistic alchemy which transmutes both language and reader.

Christopher Wool präsentierte See Stop Run erstmals 2024 im 19. Stock eines leerstehenden Hochhauses im Finanzviertel von Manhattan. Die von Anne Pontegnie kuratierte Ausstellung zeigte 75 Werke inmitten roher Architektur mit Blick auf die umgebende Stadtlandschaft und zog in viereinhalb Monaten 12.500 Besucher an. Das vorliegende Künstlerbuch vermittelt durch knapp 300 Fotos von Instagram-Nutzern, Freunden und Künstlerkolleginnen (darunter Zoe Leonard, Rita Ackermann, Stuart Comer, Richard Hell) die Sicht der Betrachtenden auf die Installation. So bietet das Buch eine fotografische Erkundung der Schau und reflektiert darüber hinaus, wie zeitgenössische Kunstausstellungen dokumentiert und reproduziert werden. Abgerundet wird es durch ein ausführliches Gespräch zwischen dem Künstler und Pontegnie über die Ausstellung und Wools drei Jahrzehnte andauernde Beschäftigung mit Fotografie und Installation.

"The childhood of my memory" is a story about transformation and healing, the author's very personal journey to his own heart and to a self worthy of love and life. The publication provides an insight into the autobiographical analysis of traumatic experiences of childhood abuse. It was decades later, while experiencing growing signs of depression and isolation, that Laurent Ziegler was able to engage with the painful recollections of these events. The book captures memories in paintings, drawings, text and photography in order to give the unspeakable a name and a form.With a text by Sonja Busch, founder and coordinator of the European Association for Holotropic Breathwork and an epilogue by Manfred Nowak, co-founder of the Ludwig Boltzmann Institute for Human Rights, Secretary General of the Global Campus of Human Rights and Head of the UN Global Study on Children Deprived of Liberty.

Zygmunt Rytka (1947-2018) war ein intermedial arbeitender Künstler aus dem Umfeld der polnischenNeoavantgarde der 1970er und der unabhängigen Künstlergemeinschaft der 1980er Jahre. Inseinem konzeptuellen Werk verband er ein philosophisches und künstlerisches Studium der Naturund der Wahrnehmung mit ironischen Betrachtungen zu zeitgenössischen Medien und aktuellerPolitik. Die Kamera war für den Künstler ein Werkzeug, das eine Übereinkunft herstellt und Einflussauf die Realität gewinnt. Dieses Buch - die erste englischsprachige Monografie zu seinem foto-grafischen Werk - gibt einen umfassenden Überblick, es enthält frühe konzeptuelle Bilderzyklen,Arbeiten, die sich mit der Konsumkultur befassen, politisch aufgeladene analytische Auseinander-setzungen mit der Sprache der Massenmedien und Arbeiten, die sich mit dem Verhältnis von Kulturund Natur beschäftigen. Kommentiert werden die Werke durch Anmerkungen des Künstlers, einGespräch, das Anna Maria Le¿niewska mit Zygmunt Rytka geführt hat, und neue Texte von DavidCrowley, Karol Hordziej und Daniel Muzyczuk.Zygmunt Rytka (1947-2018) war ein polnischer konzeptueller Fotograf und intermedialer Künstler.Seine Arbeiten wurden gezeigt in der Galeria Remont in Warschau, der Galerie Foto - Medium -Art in Wroc¿aw und dem Muzeum Sztuki in ¿ód¿. Er hat eng zusammengearbeitet mit der MäaGaleria in Warschau und der Galeria Wschodnia und der Galeria FF in ¿ód¿ und gehörte zu denGründern der In Situ Contemporary Art Foundation. Daniel Muzyczuk ist Chefkurator am MuzeumSztuki in ¿ód¿. Karol Hordziej ist Kurator, Kulturmanager und Dozent, er lebt in Kraków.