Drucktechnik

Hommage an den Frühling: ein kunstvolles Boxset mit Schmuckschuber, Seideneinband, Silberprägung auf einem wunderbaren GemäldeleporelloJapan ist geprägt von einer innigen Beziehung zu Natur und zu den Jahreszeiten. Der Frühling stellt dabei ein besonderes Highlight dar - sowohl aufgrund seiner Symbolik der Erneuerung als auch wegen seiner spirituellen Kraft. Davon zeugen die rund sechzig Meisterwerke der japanischen Druckgrafik, die auf einem traumhaft schönen, 11 Meter langen Gemälde-Leporello gezeigt werden. Im Begleitheft werden die Werke mit erläuternden Texten vorgestellt. Von Hokusai bis Hiroshige, von Kuniyoshi bis Utamaro, jeder dieser Drucke zeigt die Virtuosität, mit der die Künstler das unendliche Spiel der Blüte wiedergeben, aber auch den sensiblen Ausdruck einer Poesie des Vergänglichen. Landschaften in zartem Grün knospender Blätter, Kirschblüten in verschiedensten Rosatönen, Kaskaden purpurroter Glyzinien und zart duftender Wildrosen, Spaziergänge im Schatten üppiger Pflaumenbäume: Jede Seite bringt die Schönheit einer Natur in magischer Verwandlung zum Ausdruck.

Jahrhundertealte Gruseltradition: die japanischen Y¿kai-Monster in der KunstDie japanischen Y¿kai-Monster, die zu einer Zeit entstanden, als nur der schwache Schein von Laternen die nächtlichen Straßen beleuchtete, sind so vielfältig und skurril wie die menschliche Vorstellungskraft: Kröten, Fledermäuse und riesige Affen, die aus den Tiefen der Erde auftauchen, Gegenstände, die zum Leben erwachen, neunschwänzige Füchse mit magischen Kräften, Kappa, Tengu und andere hybride Wesen, die jederzeit für einen Streich gut sind. Sie lauern überall, wo uns die Angst packt - in Wäldern, Brunnen, dunklen Räumen, in Tempelhallen, Friedhöfen und Höhlen - und jedes dieser Wesen umgibt eine Sage oder ein Mythos. Dank ihrer weiten Verbreitung im 19. Jahrhundert, sind die Darstellungen der Y¿kai auch über die japanische Kultur hinaus weltweit und nicht nur Manga- und Horror-Fans bekannt. In diesem Prachtband stellt Philippe Charlier eine Auswahl der furchteinflößenden und faszinierenden Y¿kai-Monster vor. Als Experte für Begräbnisanthropologie, Geister, Zombies und Vampire wird er zum packenden Geschichtenerzähler: Zu entdecken sind Werke der Meister der Gruselgrafik, darunter Yoshitoshi, Kuniyoshi, Kunisada und Sekien, die prächtige, gemalte Schriftrolle bakemono no e, mit dem Inventar der übernatürlichen Kreaturen, und die berühmten nächtlichen Prozessionen der Y¿kai in einem wunderschönen atmosphärischen Buch mit edlem Seideneinband, Farbschnitt, Verschlussbändchen und aufwendig gebunden.Ausstattung: Seidenüberzug, Schweizer Broschur, japanische Schlauchbindung, Farbschnitt, Verschlussbändchen

Michaela Müller präsentiert in diesem Buch die faszinierende Formenvielfalt von Blättern und Blüten. In 'Bunte Blätter' zeigt sie, wie diese Pflanzen mit unterschiedlichen Drucktechniken auf Stoff, Papier oder gar in Ton abgebildet werden können.Verfahren wie Gelplattendruck, Direktdruck, Sonnendruck, Cyanotypie, Ecoprint, Schablonendruck oder Milchtütendruck eröffnen vielfältige Möglichkeiten für künstlerische Experimente. Entlang des Jahreskreises stellt Michaela Müller Projekte zum Nacharbeiten vor. So entstehen aus den Abdrucken von Frühblühern, Gänseblümchen oder Farnen Einbände für Sammelmappen und Reisebücher, Stofftäschchen oder Patchworkdecken. Ein kreativer Streifzug durch die Natur für das ganze Jahr.

Mit der Ausstellung Animalia. Von Tieren und Menschen untersucht die Heidi Horten Collection das komplexe Verhältnis zwischen Mensch und Tier. Der aus der Biologie entlehnte Begriff Animalia dient dabei als Leitgedanke einer kritischen Auseinandersetzung mit dem Umgang des Menschen mit dem Tier, der sich in ca. 90 Kunstwerken aus dem 20. und 21. Jahrhundert spiegelt.Abgeleitet von anima, dem lateinischen Wort für Atem oder Seele, umfasst der vom Naturforscher Carl von Linné (1707-1778) geprägte Terminus Animalia Mensch und Tier gleichermaßen. Im Kontrast zu diesem Modell der Gleichrangigkeit ist der Umgang des Menschen mit dem Tier von einer deutlichen Hierarchie geprägt.Als vermeintlicher "Höhepunkt der Evolution", als Wesen der Vernunft, das sich über die tierische Welt erhebt, weist der Mensch dem Tier ambivalente Rollen zu. Künstlerische Repräsentationen, die diese unterschiedlichen Zuschreibungen sichtbar machen, sagen dabei viel über den Menschen selbst aus, sie erlauben Rückschlüsse auf sein Selbstverständnis und seine Methoden der Projektion. So ist der Mensch in jedem Bild des Tieres bereits präsent - selbst dann, wenn er nicht Teil der Darstellung ist.Die Publikation geht der Frage nach, welche sozialen, gesellschaftlichen und historischen Strukturen in den Darstellungen von Tieren eingeschrieben sind. Sie spannen den Bogen von der Idee des "besten Freundes des Menschen" über die Vermenschlichung und Verdinglichung des Tiers bis hin zu seiner Ausbeutung. Gleichzeitig erlaubt die Ausstellung den Ausblick auf ANIMALIA als gedankliches Experiment - über eine gemeinsame biologische Kategorie hinaus - als Prinzip eines gemeinsamen Lebensmodells, das Tiere als Mitgeschöpfe und Mitakteure denkt.Künstler:innen:Karel Appel, Cory Arcangel, Miquel Barceló, Georg Baselitz, Dominika Bednarsky, Cosima von Bonin, Rembrandt Bugatti, Marc Chagall, George Condo, Mark Dion, Jean Dufy, Gerhart Frankl, Helene Funke, Matthias Garff, August Gaul, Gelatin, Lena Henke, Damien Hirst, Edgar Honetschläger, Hörner/Antlfinger, Anna Jermolaewa, Birgit Jürgenssen, Sanna Kannisto, Gülsün Karamustafa, Erika Giovanna Klien, Stanislaw Kubicki, François-Xavier Lalanne, Maria Lassnig, Fernand Léger, Roy Lichtenstein, Angelika Loderer, Constantin Luser, Franz Marc, Sarah Morris, Alois Mosbacher, Ulrike Müller, Meret Oppenheim, Michèle Pagel, Yan Pei-Ming, Pablo Picasso, Lili Reynaud-Dewar, Germaine Richier, Corinne L. Rusch, Kristof Santy, Anne Speier, Margherita Spiluttini, Curt Stenvert, Melanie Thoeni, Philipp Timischl, Wilhelm Trübner, Not Vital, Kay Walkowiak, Andy Warhol.

Mit der Linolschnittbibel wird der Versuch unternommen, die reiche Linolschnitt-Kultur in ihrer gesamten Breite darzustellen. Dabei wurde ein besonderer Fokus auf die experimentellen Möglichkeiten dieser Drucktechnik jenseits der sattsam bekannten Basis-Techniken gelegt.So richtet sich das Buch in erster Linie an ambitionierte Anfänger und Fortgeschrittene, Künstler, Kunstlehrer, Dozenten und Kunstwissenschaftler, die den Linolschnitt in seiner ganzen Vielfalt erkunden und/oder weitervermitteln, im Idealfall vielleicht sogar zu dessen Weiterentwicklung beitragen möchten. Weniger geeignet ist das Buch hingegen für solche Anfänger, die auf schnellstem Wege lediglich in Erfahrung bringen wollen, wie ein einfacher Linolschnitt vom Schneiden der Platte bis zum Abdruck der Farbe auf Papier funktioniert.Doch nicht nur experimentierfreudige Praktiker sollen in diesem Buch zu ihrem Recht kommen, sondern ausdrücklich auch reine Rezipienten wie Kunsthistoriker, Sammler oder auch einfach Kunstinteressierte, denn auch theoretische Fragen werden hier eingehend erörtert, wie etwa die spezifische Sprache des Linoldrucks, also seine Möglichkeiten und natürlichen Grenzen oder auch die Rolle des Linolschnitts im Kunstgeschehen der Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft.

Thainess ist ein Buch für alle, die Inspiration suchen. Es porträtiert die Köpfe, die Thailands kreative Szene heute prägen - Designer:innen, Künstler:innen, Köch:innen und Vordenker:innen, die Tradition und Gegenwart auf unerwartete Weise verbinden. In 40 reich bebilderten Porträts eröffnet das Buch einen neuen Blick auf ein Land, das lange unterschätzt wurde, und zeigt, warum Thailand heute als Bühne für Ideen gilt, die weit über seine Grenzen hinaus wirken.

Die Broschüre präsentiert Radierungen mit verschiedenen Motiven von essbaren Insekten. Es handelt sich überwiegend um kleinformatige Kaltnadelradierungen. EIn Teil der Drucke sind koloriert. Die Radierungen entstanden in den Jahren 2024/25 in ihrem Atelier in Schweden (In Bro bei Stockholm). Basisinformationen zu den Drucken und zu den in der EU als essbar zugelassene Lebensmitteln ergänzen die Veröffentlichung.

Diese Forschungsedition ist Teil einer laufenden kuratorischen Untersuchung, die Kwasi Ohene- Ayeh und Ato Annan seit 2021 unter dem Titel Reflexive Tema and Global Elsewheres ... durch- führen. Sie setzt ein bei der Geschichte der ghanaischen Staatsdruckerei in Tema in den Jahren der ersten Republik (1960-1966) und geht mit Blick auf architektonische und künstlerische Praktiken und Archivbestände den Verbindungen zwischen Ghana und der DDR nach. Der Band, der im Rahmen des Projekts "Entangled Internationalisms / Verflochtene Internationalismen" erscheint, setzt aus Fragmenten eine unvollständige Geschichte der Druckerei in Tema zusammen und zeigt deren Bedeutung für Kwame Nkrumahs Vision von einer industrialisierten Republik Ghana. Sie montiert - teilweise ehemals geheime - Archivmaterialien, darunter Berichte, Memos, Briefe, Karten, Zeitungsausschnitte und Fotografien. Der zweite Teil des Buches enthält Annans künst- lerische Auseinandersetzung mit ghanaischen Spuren im Münzkabinett der Staatlichen Kunst- sammlungen Dresden.Kwasi Ohene-Ayeh lebt und arbeitet als Kurator und Kritiker in Kumasi (Ghana), er ist ein zentrales Mitglied des Kollektivs blaxTARLINES. Ato Annan ist Künstler und Co-Direktor der Foundation for Contemporary Art - Ghana.

A richly illustrated exploration of the impact of W.E.B. Du Bois on Black artists working today, documenting the landmark 2025 printmaking project Printing Black America.Data Consciousness brings together original essays and an interview exploring W.E.B. Du Bois and his contributions to sociology, art, and aesthetics from the perspective of six contemporary Black artists and scholars who examine how data, information, and technology increasingly mediate issues of race, identity, and equity. It includes full documentation of the forthcoming major print work, Printing Black America: Du Boiss Data Portraits in the 21st Century, produced by William Villalongo and Shraddha Ramani in collaboration with six fine art print publishers across the U.S.

'A fascinating account of the hidden history of the humble woodcut' SUNDAY TIMESInk Paper Chisel Grain is a dazzling journey through 500 years of art, ideas and human imagination, told through one of the most enduring and versatile artistic mediums ever created.At its simplest, a woodcut begins with a piece of wood, a cutting tool, ink and paper. Yet from these humble materials artists have created some of the most powerful images in human history. In Ink Paper Chisel Grain, artist and printmaker Paul Coldwell invites us into intimate encounters with the works and makers who transformed woodcut from a practical technology into a vehicle for beauty, revolution, protest and wonder.Travelling across centuries and continents, Coldwell guides us from Albrecht Dürer's apocalyptic visions and Hokusai's Great Wave to Käthe Kollwitz's searing anti-war prints and the monumental contemporary works of William Kentridge. Along the way we meet artists, printers, collectors, curators and craftsmen; step inside museums, archives and studios; and discover how a simple process of cutting into wood helped shape the visual culture of the modern world.Part history, part travelogue, part meditation on art and making, Ink Paper Chisel Grain reveals how woodcut has survived every technological revolution thrown at it, celebrating the enduring human impulse to leave a mark.

Sehen, hören, die Natur und die Menschen beobachten: aus dem, was die Neuronen melden, erwachsen Gedanken und Empfindungen, die in Wort und Bild präzise ausgeformt werden. In Linolschnitten verdichtet sich Gesehenes und Erlebtes. Die Gedichte kommen gereimt, in freien Versen oder als Haiku daher. Die Sprache der Texte ist lebendig, klar und facettenreich. Jedes Gedicht wird von einem Linolschnitt begleitet, der zum Innehalten und Sinnieren einlädt.Der erlebte Alltag und die Schönheit der Umgebung werden beschrieben und gefeiert. Kritisiert wird die Ausbeutung der Natur und deren Unterdrückung, die auch die der Menschen ist, denn der Mensch ist nun mal Teil der Natur und nicht ihr Gegenüber, wie so oft angenommen wird. Es sind die von Menschen ersonnenen fiktiven und technischen Welten, die der Natur gegenüberstehen und in denen sich die Menschen einrichten. Auf den entstehenden Gruppendruck wird eingegangen, ebenso auf die Rolle der Sprache bei der Erschaffung von Vorstellungen und künstlichen Welten.

A fascinating consideration of the dynamic relationship between fashion, art, and the modernizing forces of the early nineteenth century<BR>  <BR> Across the visual arts in France and Britain in the 1820s and 1830s a dynamic culture of fashion was taking shape. Wide-ranging in taste and driven by a quest for the new, fashion flourished in the period’s expansive print production, while the fine arts negotiated demands for novelty more paradoxically, partly by reviving styles from the past. Susan L. Siegfried argues that the intersections between fashion, costume, and art in these pivotal decades embody the fractured conditions of early nineteenth-century modernity.<BR>  <BR>The New Taste examines depictions of clothing and hairstyles in fashion plates, paintings, prints, and sculpture by artists including Jean-Auguste-Dominique Ingres, Horace Vernet, Achille Devéria, and Bertel Thorvaldsen, alongside texts by writers such as Honoré de Balzac and Thomas Carlyle. Siegfried reveals how both the commercial and the fine arts responded to social and economic transformations, including colonialism, changes in print technology and textile manufacture, as well as perceptions of the male dandy and the active role of women as consumers. Highlighting a largely overlooked period in art and fashion, this richly illustrated volume offers insights into the social, artistic, and gendered questions that troubled the shift from classicism to realism.

Die im Buch versammelten Texte untersuchen den Einfluss "Billiger Bilder" auf die Formierung kunsthistorischen Wissens um 1900. Zwei Themen werden dabei vorrangig verfolgt: Erstens die Geschichte der technischen Umbrüche im Bereich des industriellen Reproduktions- und Vervielfältigungsgewerbes, die maßgeblich dazu beitragen, das (kunsthistorische) Bild zu popularisieren; zweitens die historiographisch vorgehende Einordnung der Auseinandersetzungen um die Konfektionierung kunsthistorischen Wissens. In verschiedenen Kontexten wird der grundlegenden Frage nachgegangen, wie der Zuwachs kunsthistorischer Reproduktionen tradierte Hierarchien zwischen Hoch- und Populärkultur herausfordert und die Kunstwissenschaft des späten 19. und frühen 20. Jahrhundert zu methodischen Neuorientierungen nötigt.

Für seine erste umfassende Monographie (begleitend zu seiner ersten Einzelausstellung im Museum zu Allerheiligen, Schaffhausen, Schweiz) Floating Point hat Andrin Winteler neue Arbeiten entwickelt, die sich auf die Bewegung und Entfremdung von Objekten in Film, Installation und Fotografie konzentrieren. Mit technischen Werkzeugen und digitalen Prozessen erforscht er die Grenzen unserer Wahrnehmung. Er untersucht die Übergänge zwischen Traum und Realität, zwischen Wahrheit und Illusion. Rätselhaft - fast surreal - laden Andrin Wintelers Arbeiten zur Reflexion über die Bilderflut in unserem Alltag ein.Andrin Winteler studierte Kunst und Medien an der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK). Er wuchs in Schaffhausen auf und lebt und arbeitet heute in Zürich.

Ce cinquième volume du catalogue raisonné des estampes de Georg Baselitz couvre la période allant de 1993 au début 1998. A la faveur de plus de 250 ¿uvres, des pointes sèches de la suite des ' Gotische Mädchen ' (Jeunes filles gothiques) aux gravures dans l'esprit populaire de la peinture sous verre, le peintre-graveur allemand associe une figuration surprenante par son énergie à un art très libre de l'ornement.

Quel chant rôde dans les notes du thé ? Quel rêve s'échafaude ? Ce recueil de poésie illustrée est la rencontre de deux sensibilités. La poétesse Norlane Deliz a suivi ce que lui racontaient les estampes de la graveuse Isabelle Picard. De page en page, à l'écoute du chant dans la théière, un jeu avec les rimes réunit 26 images (bols, végétaux, paysages).Les droits d'auteur sont reversés à l'association lyonnaise Vivre aux éclats : des clowns en milieux de soins.

Gabriela Jolowicz ist eine fabulierende Chronistin des Alltags. Ihr Medium: der Holzschnitt. Das Buch eröffnet erstmals einen repräsentativen Einblick in ihr Schaffen der letzten 20 Jahre bis heute.Seit 20 Jahren schneidet Gabriela Jolowicz detailreiche Schwarzweiß-Kompositionen - kleine Schnappschüsse, große Formate, mehrteilige Woodcut Novels. In einer hypernervösen, bildgefluteten Welt treibt sie entgegen jeder Zeitökonomie ihre Bilder ins Holz.Im Holzschnitt ist jeder Schnitt eine Entscheidung. Schnitt für Schnitt. Wie beim Schach, Zug um Zug. Gabriela Jolowicz liebt dieses riskante Spiel, das das uralte Medium Holzschnitt ausmacht. Es bedingt und befördert die Ästhetik ihrer Werke, die darin verwobenen Erzählstränge, parallelen Mikrostorys und auch surreale Eskapaden. In Cafés, Kneipen, Straßen und Läden, auf Partys, auf der Couch, im Atelier unter dem Berliner Dach, in der Kunstgeschichte oder bei der Onlinesuche schnappt sie ihre Motive auf. Ob Triviales, Trash oder Typo, alles landet in ihren irrwitzigen Kompositionen, deren Erzählungen potentiell ins Unendliche wachsen. Das Buch eröffnet erstmals einen repräsentativen Einblick in den Bilderkosmos von Gabriela Jolowicz. Infographisch inszenierte Dialoge zwischen der Künstlerin und der Autorin Sandra Rendgen kommentieren ausgewählte Werke. Ein Text der Kunsthistorikerin Gunda Luyken schlägt spannende Bögen in die Kunstgeschichte.

Im Gebetbuch Maximilians I., gedruckt 1513 in Augsburg, finden sich Zeichnungen der bekanntesten deutschen Renaissance-Künstler: Albrecht Dürer, Hans Burgkmair, Lucas Cranach, Hans Baldung gen. Grien, Albrecht Altdorfer und Jörg Breu haben im Auftrag des Kaisers einen gedruckten liturgischen Text mit filigranen Randillustrationen verziert. Nur eines von zehn erhaltenen Exemplaren enthält diese Federzeichnungen, deren Funktion - ob Vorzeichnungen für Holzschnitte oder autonome Zeichnungen - die Kunstgeschichte lange gespalten hat. Parallel entstand eine zweite Ausgabe mit Holzschnitten von Hans Schäufelin. Die vorliegende Studie erfasst den erhaltenen Bestand der Gebetbücher und zeichnet ihre Entstehungsgeschichte nach.

In der künstlerischen Praxis von Nikola Uki¿ zeigen sich Wachstum und Verfall, stehen quasi für eine Metapher der Ökologie des Kapitalismus, wie viele Kritiken hervorheben, obwohl er keinen direkten Bezug zwischen beiden Begriffen formuliert. Seine Überlegungen kreisen um grundlegende Fragen künstlerischen Schaffens, und er nimmt die vorwärtstreibenden Traditionen der 1960er Jahre von Readymade und Minimal auf, mit denen die Bildhauerei sich bewusst und radikal von repräsentativen und monumentalen Begriffen abgewandt hat. Nikola Uki¿ zielt auf eine kritische Neuinterpretation skulpturaler Strategien, thematisiert die Krise kohärenter Körpererfahrungen und die Beziehung zwischen Authentizität und Fiktion. Arbeiten wie seine Polyurethan-Würfel 'They breathe out as they rise verdeutlichen das. Mit unterschiedlich dosierten Farbpigmenten gemischt, erreichen die Polyurethan-Würfel ihr maximales Volumen, wenn sie die Größe ihrer Gussform angenommen haben und sich, in ihrem eigenen Tempo, allmählich wieder entleeren. Ihre Entstehung ist einer dauerhaften Wandlung unterworfen, die sie beweglich und zerbrechlich wie den menschlichen Körper zeigen. Allerdings gibt es hier keinen linearen Alterungsprozess - ein geschrumpfter Würfel steht einem neuen und glatten in nichts nach. Es ist kein Zufall, dass Uki¿s Ausstellungen immer wieder mit Zen-Gärten verglichen werden, denn in ihnen artikulieren sich Natur und menschliche Arbeit, nicht apologetisch und disharmonisch, sondern in einer völlig neuen Form von Wachstum und Sein, die in der Tat einer neuen Ökologie gleichen, die auf der Untersuchung der Grenzen von Natur und Kultur, dem Lebendigen und dem Toten, dem Wachstum und der Beständigkeit zu beruhen scheinen. Uki¿s Ökologie resultiert aus seiner Reflexion der Form und nicht aus dem Prinzip der Harmonie und der Auslöschung der Unterschiede. Er beharrt auf ihrer Nichtreduzierbarkeit und unserer Fähigkeit, diese auszuhalten. In diesem Sinne lotet seine Praxis die Grenzen des Möglichen aus, etwas nebeneinander zu stellen, ohne es zu neutralisieren. Nikola Uki¿ interessiert sich für die Idee, wie sich Körpermassen in eine Oberfläche einprägen lassen, ohne dies mit mimetischem Realismus darzustellen.

Die Ausstellung 'Ich liebe Widersprüche' in der Sammlung Falckenberg eröffnet einen neuen Blick auf das Werk Daniel Spoerris (1930-2024) und die ungebrochene Relevanz seines künstlerischen Denkens. Nach seiner ersten Karriere als klassischer Tänzer gründete Spoerri 1960 in Paris zusammen mit Yves Klein, Jean Tinguely, Niki de Saint-Phalle und anderen befreundeten Künstler*innen die Gruppe der Nouveaux Réalistes und entwickelte sich zu einem prägenden Vertreter der Objektkunst. In Abgrenzung zur abstrakten Kunst und anknüpfend an die Readymades und den Neo-Dada der 1960er-Jahre schuf Spoerri mit seinen 'Fallenbildern' eine eigene Kunstgattung und begründete in den 1970er Jahren die Eat Art. Im Dialog mit Werken aus der Sammlung Falckenberg entfalten sich die vielfältigen Bezüge zwischen Daniel Spoerris künstlerischem Ansatz und den konsum- und gesellschaftskritischen Haltungen, die sich in der Sammlung finden. Künstler wie Dieter Roth oder Emmett Williams sind in den 1960ern und 70ern Weggefährten Spoerris; Gianfranco Baruchello, Öyvind Fahlström und Spoerri stellten 1962 gemeinsam mit den Nouveaux Réalistes erstmalig in New York aus. Materialästhetische und konzeptuelle Parallelen finden sich wiederum bei Mark Dion, Mariella Mosler, Pope.L, Thomas Grünfeld, Cosima von Bonin oder John Miller - etwa das für Spoerri typische Spiel mit Alltagsmaterialien, die Kritik am Werkbegriff und der ironische Umgang mit der Bedeutung von Autor*innenschaft. Die Werke der Sammlung Falckenberg spiegeln interdisziplinäre Verschränkungen mit Spoerris Kunst, die sich über nationale Grenzen hinweg über Fluxus, Nouveau Réalisme und Konzeptkunst hinweg bis in die Gegenwart entwickelten.