Künstlerbücher

The direct sequel to a classic photobook: an exceptional selection of photographs from Daido Moriyama's seminal magazine publication from 2017 to today. Between June 1972 and July 1973, Daido Moriyama produced his own magazine publication, Kiroku, which was then referred to as Record. It became a diaristic journal of his work as it developed. In 2006, encouraged by the Japanese publisher Akio Nagasawa, Moriyama was able to resume publication of Record. The first thirty issues of Record were edited by Mark Holborn into the now classic 2017 photobook of the same title. Daido Moriyama: Record 2, also edited by Mark Holborn, picks up from where the original left off, with a selection of images and texts by Moriyama from issues thirty-one to fifty of the magazine. With Moriyama now in his eighties, Record 2 will likely be the end of the story. But despite his advancing years, the work is unmistakably Moriyama's aesthetic - fiercely contrasted images with fragmentary, intensely composed frames that express the vision of one of the greatest photographers.

the flowers were photographed in esch-sur-alzette's municipal parks a year later i found myself writing a poem in response to an image esch is a steel town, luxembourg is a rose country, i am an immigrant

'Duos' is a coffee table photography book that presents the works of André Michel in which he discovers surprisingly beautiful shapes, forms and colours that come together in unlikely duos in nature, in architecture, in galleries, in major cities, and across 3 different continents. He shows how photography can lead us to discover how the everyday becomes the unexpected, the familiar becomes the exotic and exotic becomes unexpectedly beautiful.

Zu Anbruch des viktorianischen Zeitalters unternahm Anna Atkins in ihrem Freiluftlabor in Halstead, Kent, den radikalen Versuch, Pflanzenarten mithilfe eines völlig neuen künstlerischen Mediums zu dokumentieren. Die unnachahmlichen Cyanotypie-Fotogramme von Algen und Farnen, die Atkins anfertigte, bilden die ersten Bücher mit Fotografien. Ihre Alben sind die perfekte Synthese aus Kunst und Wissenschaft, markant und zugleich hauchzart.Obwohl die Drucktechnik, die Cyanotypie, von ihrem Freund John Herschel entdeckt wurde, war Atkins die erste, die ihren praktischen Nutzen für die Klassifizierung von Arten innerhalb der Botanik und ihr faszinierendes künstlerisches Potenzial erkannte. Bei diesem Druckverfahren wird das Objekt auf sensibilisiertem Papier fixiert und dem direkten Sonnenlicht ausgesetzt. Dadurch entsteht das preußischblaue Pigment, das den unverwechselbaren Hintergrund dieser Kunstwerke bildet.Atkins' Album British Algae (1843-1853) sowie das mit ihrer Freundin Anne Dixon angefertigte Buch Cyanotypes of British and Foreign Ferns (1853) sind Werke von außerordentlicher Seltenheit. Sie zeigen, dass Atkins mehrere Disziplinen beherrschte: Während die Cyanotypie es ihr ermöglichte, die Herausforderungen einer akkuraten Darstellung zu meistern, verliehen die grazilen Konturen der Exemplare vor dem intensiv blauen Hintergrund den Bildern einen zeitlosen ästhetischen Reiz.In dieser Ausgabe wurden Cyanotypien aus verschiedenen Quellen sorgfältig zusammengestellt, um Atkins' progressiven Werke abzudrucken. Sie stammen weitgehend aus den Exemplaren der New York Public Library und des J. Paul Getty Museums. Die fast 400 Cyanotypien stellt Peter Walther in seinen einführenden Essays in den wissenschaftlichen und kunsthistorischen Kontext, um die bahnbrechenden Beiträge einer echten Pionierin zu würdigen.

Die neue Ausgabe von Elliott Erwitt's Kolor präsentiert eine frische Zusammenstellung der Farbaufnahmen des legendären Fotografen. Sorgfältig ausgewählt aus einem Archiv von fast einer halben Million Kodachrome-Dias, offenbaren die 304 Seiten ein lebendiges Kaleidoskop von Fotografien - einige über 70 Jahre alt - deren Farben bemerkenswert erhalten geblieben sind. Die Motive reichen von Weltführern bis zu verspielten Showgirls, von belebten Marktplätzen bis zu Militärlagern, von Las Vegas bis Venedig - alle durchdrungen von Erwitts unverkennbarem trockenen Humor und feinem Gespür.

Martin Parr puts the world to rights in this comprehensive catalogue of five decades of his photographs, published to accompany a major exhibition at Jeu de Paume in ParisFor over fifty years Martin Parr has photographed the absurdities of the contemporary world, from the frenzy of over-consumption and the ravages of mass tourism to humanity's increasing reliance on technology and our complex relationship with the animal kingdom.By turns critical, satirical, surprising, and funny, Global Warning is published in association with Jeu de Paume to accompany a new major exhibition of Parr's photography at the arts centre in Paris in January - May 2026.Richly illustrated with more than 175 of his photographs, from his early black-and-white work in the raucous holiday parks and sleepy supermarkets of rural England to his more recent colour photography of bustling tourist attractions and must-see destinations from across the globe, Global Warning offers a reinterpretation of Martin Parr's work and position in a time of widespread global disorder.Featuring a tone-setting introduction by Quentin Bajac, director of Jeu de Paume, four further essays by Jean-François Staszak, Roberta Sassatelli, Violette Pouillard, and Adam Greenfield, experts in the fields of geography, sociology, wildlife conservation and urban design, put the selection of works into context and explore the important topics that seem immediately relevant to our everyday lives.Showcasing many of Parr's most renowned images alongside rarely published hidden gems, Global Warning presents more than five decades of incisive visual commentary from one of the world's most celebrated photographers.

With Surf Tribe, photographer Stephan Vanfleteren shows that there is far more to surf culture than just sport and competition. Surfing is also about a deep admiration and respect for the ocean, as well as the feeling of insignificance when confronted with the forces of nature. Surfers use the waves for fun, but also to forget and to battle, both with others and with themselves. <BR><BR>Vanfleteren looks beyond the traditional borders of the United States and Australia and searches the globe for people who live in places where sea and land meet. He documents a fluid community, with nature as its sole leader. He has sought out young talent, living icons, and old legends, both competitive and free surfers. <BR><BR> The photographs here are serene black and white portraits in Vanfleteren's well-known, haunting style; as always, he reaches below the surface and goes to the core of his subjects. Included, amongst many others, are Kelly Slater, Gerry Lopez, John Florence, Mickey Munoz, Filipe Toledo and Stephanie Gilmore. <BR><BR> Surfer, journalist, and actor Gerry Lopez has contributed the Foreword. <BR><BR> Surf Tribe has been exhibited in Knokke-Heist (Belgium), Kunsthal Rotterdam (Netherlands), Gallery Kahmann Amsterdam (Netherlands). The next exhibition will be in June 2019 in France. If you are interested in the stories behind the book, go to: www.surftribe.be

Athens as a Project is an interdisciplinary publication at the intersection between architecture and photography with a wider reference to contemporary art and urban history. With a particular focus on current metropolitan phenomena and the transformation of cities, it presents the findings of decade-long research project conducted by Platon Issaias on Athens and the specifics of Greece's urban environments that contribute to broader a discussion of the complex politics of urban development in the Mediterranean and the Global South. Partnering with photographer Yiorgis Yerolymbos, Issaias offers original and unique perspectives on the city of Athens, its architecture, recent history, and contemporary life. Texts, architectural drawings and photographs form an Atlas of Athens encompassing exemplary projects, atmospheres and everyday practices-that go beyond the effects of the economic crisis of the 2010s and the ongoing pandemic.PLATON ISSAIAS (*1984, Athens) is Head of Projective Cities, an MPhil programme in Architecture and Urban Design at the Architectural Association. He is a founding member of Fatura Collaborative, a research and design collective established in 2009. <BR><BR>YIORGIS YEROLYMBOS (*1973, Paris) studied photography and architecture in Greece and the UK. His photography has been published internationally. Most notably, he captured the ten-year development of Renzo Piano's Stavros Niarchos Foundation Cultural Centre, in the stunning photographic essay Orthographs.

Eigentlich hatte Bruce W. Talamon Anwalt werden sollen, aber dann lockte ihn doch die Welt des Entertainments. Als junger afroamerikanischer Fotograf trieb sich Talamon, später erfolgreicher Still Photographer in Hollywood, in der quecksilbrigen Jazz- und R&B-Szene von Los Angeles herum und versuchte sich einen Namen zu machen als jemand, der mehr als nur die Schauseite der Stars einfängt. Sein Durchbruch gelang ihm mit einer Festanstellung als Fotograf beim renommierten Soul Magazine Anfang der Siebzigerjahre, als die Soul-, Funk- und R&B-Szene das breite Publikum und die Charts eroberte. Mit seiner Kamera fing er, immer ganz nah dran, einige der größten Stars der Szene ein - für offizielle Porträts, bei Aufnahmesessions im Studio, unterwegs im Tourbus, in der Garderobe, beim Chillen, beim Soundcheck und bei ihren oft spektakulären Auftritten. Seine Aufnahmen vermitteln den Groove einer Epoche, die bekannt wurde für ihren Glamour, coole Klamotten und ihre musikalische Experimentierfreude.

Lee Friedlander's latest monograph captures the irony and complexity of American life, past and present.<BR>How does the United States seem, at once, so small and big, quiet and loud, phony and true? In his first Aperture monograph, Life Still, Lee Friedlander (born in Aberdeen, Washington, 1934) reimagines the presentation of his oeuvre at age ninety-one, bringing together rarely seen and unpublished images from the past sixty years alongside new work to stage a visual dialogue between past and present. Pulitzer Prize-winning writer Hua Hsu observes how these stubborn paradoxes of the American consciousness-- the irony, humor, and self-conflict--remain as vivid today as they always have been. By seeing contradictions in the commonplace, Friedlander presents us with a book of enduring riddles about American culture.

Since 1973 Robert Frank's Bleecker Street studio and home was the crucible of his creativity. Yet just as important (and for even longer) was the weather-beaten fisherman's cottage he bought in 1969 with his wife, artist June Leaf, in Mabou, Nova Scotia. Here they spent much of the year for the following half-century: working, reflecting and quietly integrating with the local community. Frank the photographer is revered for his eyes' ability to explore and record the world with unprecedented understanding, compassion and empathy. Less known is the remarkable work he made with his hands—in many ways Frank was a sculptor using found objects, old photographs and the camera as just some of his tools. In the first part of this book, "Land," Clark Winter captures the energy of the Cape Breton landscape and documents Frank's hands as they consider possibilities: contemplating a contact sheet, magnifying glass in hand, warmed by the wood-fired cast-iron stove. All around are talismans and mementos: faded postcards, trinkets and bric-a-brac, a photo of a younger Leaf and Frank laughing at us from a joyful day. The second series "Tables" shows found objects dancing and mingling on tabletops. Finally, "Boxes" takes us to the boxes containing Frank's photographs and films at Bleecker Street. The worn containers sit upon one another like layered memories, Frank's handwritten labels the only clue to the contents within: "Family," "Circus," "Japan," "Peru." Seen together, Winter's photographs reveal yet unknown facets of a creative mind ever fearlessly at work.

The complete collection of Joel Meyerowitz's photographs of some 300 objects, collected by Giorgio Morandi and depicted in his paintings. A meeting of two worlds - painting and photography - by two great masters in their respective fields.<BR><BR> The first edition of Morandi's Objects is now superseded by the complete archive.<BR><BR> In the spring of 2015 the world-renowned photographer, Joel Meyerowitz, spent time at Giorgio Morandi's studio at 36 via Fondazza in Bologna. The simple rooms where Morandi painted are awash with objects - vases, tins, shells, bottles and jugs - stacked on shelves, sideboards, chests of drawers and overflowing onto the floor. Attentively and deliberately, Morandi would select these objects and arrange them on makeshift tables so that he could render them, and the light that fell upon them, in oil, watercolour and pencil, creating an elusive body of work that has influenced artists ever since.<BR><BR> Some fifty years after Morandi died, in the very same space, using Morandi's surfaces and the same light source to cast the same shadows, Meyerowitz lived with the same objects. He carefully took each of them, turning them over in his hands and placing them, one by one, on Morandi's marked up tabletop. Meyerowitz photographed every object in the studio, and, by instilling each with confidence and individuality, in turn, made them his own.<BR><BR> Morandi's Objects is an important publication for all those interested in photography, still life and Giorgio Morandi.

"Je tiefer der weiße Mann nach Afrika vordrang, desto schneller entwich das Leben aus den Steppen und dem Buschland... es verschwand in der unüberschaubaren Masse an Jagdtrophäen, Fellen und Kadavern." - Peter BeardThe End of the Game ist eines der wichtigsten Bücher über Afrika und die verheerende Wirkung, die der Einzug der westlichen Zivilisation auf den Kontinent und seine Tierwelt hatte. Eine eindringliche und berührende Bild- und Textcollage, die das obszöne Massensterben Zehntausender von Elefanten, Nashörnern und Nilpferden in den Tiefebenen von Tsavo, Kenia, und später den Reservaten in Uganda in den 60er und 70er Jahren des letzten Jahrhunderts dokumentiert. Über zwei Jahrzehnte arbeitete Peter Beard an diesem, seinem wichtigsten und essentiellstem Werk, das seitdem immer wieder mit neuem Material aktualisiert wurde. Beards eigene Fotos und Schriften werden durch historische Aufnahmen und Zitate ergänzt, welche die Saga jener Entdecker, Forscher, Missionare und Großwildjäger erzählen, die auf der Suche nach Abenteuern und als "Botschafter des Fortschritts" im Laufe des 20. Jahrhunderts das Gesicht Afrikas für immer entstellten: Theodore Roosevelt, Frederick Courteney Selous, Karen Blixen (Isak Dinesen), Philip Percival, J. A. Hunter, Ernest Hemingway und J. H. Patterson. Diese Neuausgabe enthält ein Interview mit dem Naturschützer Dr. Esmond Bradley Martin sowie Essays aus früheren Ausgaben, wie die des renommierten Schriftstellers Paul Theroux und des Ökologen Dr. Richard M. Laws. Zum Nachwort hat außerdem der Agrarwissenschaftler Dr. Norman Borlaug beigetragen. Die hier angesprochenen Themen - die Entfremdung von der Natur, Überbevölkerung, Überlebensdruck sowie der Verlust des gesunden Menschenverstands - verdeutlichen uns einmal mehr die Gründe für die Bedrohung der Wildtiere des Kontinents - ein Phänomen, das nicht nur angesichts der drohenden Klimakatastrophe Parallelen zu aktuellen Problemen aufweist.

Der Fotograf Aleix Plademunt ist ein Alchimist des Fotobuchs. Aus einer Vielzahl sehr unterschied- licher Aufnahmen lässt er ein Ganzes sichtbar werden. In Matter, seinem vielfach ausgezeichneten Fotobuch, das 2022 bei Spector Books erschienen ist, bewegt er sich zwischen Mikro- und Makro- kosmos, zwischen Sonne und winziger Materie. In Campus widmet er sich nun dem Vitra-Campus in Weil am Rhein, unweit von Basel. Vitra ist ein vielschichtiges Projekt: ein Schweizer Möbel- unternehmen, ein Campus mit Gebäuden wichtiger zeitgenössischer Architekt·innen wie Frank Gehry, Zaha Hadid, Tadao Ando, Álvaro Siza, ein Museum - das Vitra Design Museum -, Möbel- sammlungen, Nachlässe und Archive für Design und Architektur, Gartenanlagen, Publikationen, Menschen. Alle diese Motive, ergänzt um einige historische Aufnahmen, fügt Aleix Plademunt in Campus zum Bild eines Ortes, an dem man ahnt, was Gestaltung bedeutet - als Utopie und als alltägliche Arbeit.Aleix Plademunt, geb. 1980 in Girona, hat zunächst Ingenieurswesen studiert und 2003 an der UPC Barcelona sein Fotografie-Studium abgeschlossen. Seitdem hat er an einer Vielzahl fotografischer Projekte gearbeitet. Seine Fotografien waren bei über 40 Gruppen- und 20 Einzelausstellungen zu sehen. Zu den wichtigsten gehören Matter im MACBA (Barcelona, 2021) und Almost There im Le Bal (Paris, 2014).

Brownie is a collection of photographs created by photographer David Katzenstein over ten years from 1979-89. With this series Katzenstein pays homage to the famous line of Brownie cameras introduced in 1900. He used its successor, the Kodak Dualflex, which followed in 1947. The result is a colourful, personal and sensitive view of the world. <BR><BR> Described by one critic as "Hot, lush and specific", the series starts in New York City and travels the globe to explore both distant places and the use of the Kodak Duaflex camera, launched in 1947 as an upgrade to the iconic Kodak Brownie cameras. Throughout the project, Katzenstein's goal was to embrace the camera's limitations as a means of pushing the boundaries of composition, juxtaposing foreground and background while heightening the use of colour. The superbly designed and produced publication is rounded with an introduction by Richard Grosbard.

Was macht Albert Watson zu einem der weltweit angesehensten Fotografen, der von Kollegen, Kritikern und Sammlern gleichermaßen gefeiert wird? Sind es seine unvergleichlichen Porträts von Prominenten? Atemberaubende Landschaften? Oder seine sinnlichen Aktfotos, Stillleben und kunstvollen Fashion-Shoots?KAOS bietet einen kaleidoskopischen Überblick über Watsons Werk und die unglaubliche Vielfalt an Motiven, Objekten, Menschen und Orten, die seinen Weg prägten. Über 50 Jahre hinweg hat der Fotograf ein eindrucksvolles, äußerst dynamisches Portfolio geschaffen. In diesem sorgfältig kuratierten Band finden wir Porträts von Stars, Politikern, Supermodels, aber auch Fremden. Städte im Neonlicht, ausdrucksstark inszenierte oder erotisch entblößte Körper, grelle Lichter, stille Gassen, flammende Sonnenuntergänge und die rohe, wilde Schönheit von Watsons schottischer Heimat.Beginnend mit Watsons Porträt von Alfred Hitchcock für die Weihnachtsausgabe 1973 der Harper's Bazaar, das ihm zum Durchbruch verhalf, entfaltet sich ein Werk voller Spannung, Kraft und visueller Poesie. Ganz gleich, ob es sich um eine Domina aus Las Vegas, Elvis' goldenen Anzug, einen Schimpansen oder eine Straßenszene in China handelt: Watson beherrscht die Darstellung der Oberfläche mit technischer Brillanz und enthüllt auch die vielschichtige Tiefe, die dahinter verborgen liegt. Auch in seinen Porträts von Persönlichkeiten wie David Bowie, Jay Z, Kate Moss, Jennifer Lopez, Pamela Anderson, Mick Jagger, Jack Nicholson, Steve Jobs und Andy Warhol offenbart sich stets ein besonderes Gespür für die Person hinter der ikonischen Fassade.Diese außergewöhnliche Sammlung wird ergänzt durch ein Essay von Philippe Garner, dem ehemaligen Leiter der Fotografiesparte bei Christie's. Außerdem enthält sie zahlreiche persönliche Zitate von Albert Watson und Dutzende bislang unveröffentlichte Polaroids aus seinem Privatarchiv. Das Ergebnis ist ein wegweisendes Werk über den "Fotografen der Fotografen", das durch seine grafische, oft cineastische Bildsprache und seine faszinierende Vielfalt besticht.Auch erhältlich als vier signierte Art Editions (No. 1-200) 

Geheimnisse im Innern - Michael Tummings künstlerische Arbeiten enthüllen das Wunderland der Anatomie und machen seine Geheimnisse sichtbar. Diese Visualisierung der Mysterien des Körpers und seine Erforschung im Zusammenhang mit chirurgischen Eingriffen eröffnet völlig neue Aspekte unserer physischen Existenz und der modernen Medizin. Die Ästhetik der Kunstfotografie bringt uns in engen Kontakt mit unseren «Reparatur bedürftigen» Organen und lässt uns die Schönheit unseres Körpers jenseits von analytischer, rationaler und «sezierender» Annäherung erahnen. «Medicus curat - natura sanat»: Der Arzt kuriert - die Natur heilt. Diese Blicke über die Schultern der Chirurg:innen beweisen nicht nur deren Können und den technologischen Fortschritt, sondern führen uns auch vor Augen, wie wichtig die Verbundenheit mit unserem Körper im Kampf gegen Krankheiten oder auch bei Präventivmassnahmen ist. In einer Zeit künstlicher Gelenke, Organteile und Implantate müssen wir diesen Wundern unserer Biologie und Natur unsere ganze Aufmerksamkeit schenken.- Jörg Christian Tonn

Seine Aufnahmen, direkt und intim zugleich, haben Mario Testino zu einem der weltweit erfolgreichsten Mode- und Porträtfotografen gemacht. Der gebürtige Peruaner war von jeher fasziniert von Rio de Janeiro, wo er seinen ersten Sommerurlaub verbrachte. "Als ich mit 14 Jahren in den Ferien vom Haus an den Strand ging und sah, wie die jungen Leute nur in knapper Badekleidung herumliefen - die Mädchen und Jungs waren so sexy, unbekümmert und wild -, da konnte ich es einfach nicht fassen." Die ungezwungene Sinnlichkeit, die sexuelle Freiheit und Lebenslust hinterließen tiefen Eindruck. Testino ist seither immer wieder nach Rio zurückgekommen - zur Arbeit und zum Vergnügen.MaRIO DE JANEIRO Testino erfasst die Essenz dieser unvergleichlich verlockenden Stadt und ihrer Bewohner. Der Band präsentiert freimütige Aufnahmen verführerischer cariocas, die sinnliche Körper enthüllen, darunter Supermodel Gisele Bündchen. Von den Panoramen atemberaubender Sonnenuntergänge zum berühmtesten Karneval der Welt reicht Testinos Liebesgedicht an die brasilianische Metropole, die einst sein Herz eroberte und es seither nicht mehr losgelassen hat.

Dieser Band ist ebenso eine praktische Anleitung zum bewussten Umgang mit der Fotografie wie ein Fotoband voller Poesie der kleinen Dinge. Nach eigenen, krankmachenden Erfahrungen mit der maßlosen medialen Bilderflut hat sich der britische Fotograf Paul Sanders für einen anderen Weg entschieden. Weg vom Immer-mehr, hin zur Reduktion. Er lädt ein, die Welt um uns herum mit anderen Augen zu sehen. Die Schönheit im Detail zu erkennen, Nebensächlichkeiten Raum zu geben, das Besondere im Augenblick zu entdecken. In sechs Kapiteln zeigt der Profi-Fotograf neue Wege, durch bewusstes Wahrnehmen und kreativen Umgang mit den technischen Mitteln Natur anders zu erleben und darzustellen. Er hat die Möglichkeiten der Fotografie zum Erhalt der mentalen Gesundheit selbst erfahren. Dieses Wissen teilt er mit seinen Lesern, frei nach Henri Cartier-Bresson: "Es ist eine Illusion, dass Fotos mit der Kamera gemacht werden ... sie werden mit dem Auge, dem Herz und dem Kopf gemacht."

An unflinching exploration of aging from one of the twentieth century's most influential photographers '[Avedon's] portraits ... expose something more than skin deep; whole worlds are contained in these well-earned crags and crevices.' -   The New York Times For more than half a century, Richard Avedon sought to represent advancing age in the faces of the people he photographed. From his earliest years at Harper's Bazaar and Vogue through to the twenty-first century, Avedon routinely and audaciously broke the rule of flattering public personalities in his portraits. Instead, he chose to highlight the onslaught of what he called the "avalanche of age," dramatizing the universal experience of getting older.Accompanying a groundbreaking exhibition at The Image Centre at Toronto Metropolitan University and The Montreal Museum of Fine Arts, Immortal is the first book to delve into Avedon's unflinching representation of aging throughout his career.This elegant hardcover volume features nearly 100 portraits of cultural luminaries, each printed in striking tritone, such as Michelangelo Antonioni, Truman Capote, Marcel Duchamp, Duke Ellington, Toni Morrison, Patti Smith, and Stephen Sondheim, as well as one of Avedon's last self-portraits. Texts by a star-studded cohort of authors, including Vince Aletti, Adam Gopnik, Paul Roth, and Gaëlle Morel, shed new light on an under-represented element of Avedon's practice. Thoughtfully edited and beautifully produced, Immortal testifies emphatically to the determination with which people confront the relentless advance of mortality.

Ein einzigartiges Künstlerbuch, in dem Wolfgang Tillmans seine Produktion der letzten zwanzig Jahre in assoziationsreichen Konstellationen arrangiert und reflektiert: eine intime Selbstbefragung inmitten historischer Umbrüche.Nur wenige Künstler spiegeln in ihrem Schaffen unsere jüngste Vergangenheit so paradigmatisch wider wie Wolfgang Tillmans. Anlässlich seiner Ausstellung "Weltraum" im Albertinum hat Tillmans ein einzigartiges Künstlerbuch entwickelt, das seine vier Jahrzehnte umfassende künstlerische Praxis in einen fragenden Dialog mit deutsch-deutscher Vergangenheit und Gegenwart stellt. "Things matter, Dinge zählen " kombiniert Auszüge aus einem Dresdner Bestandskatalog von 1987 mit Tillmans' Katalog "If one thing matters, everything matters" für die Tate Britain von 2003, für den er ein spekulatives Werkverzeichnis seiner frühen Jahre schuf. Das Wiederaufleben dieser zwei vergriffenen Titel wird ergänzt um ein Gespräch, in dem Tillmans über seine künstlerischen Anfänge reflektiert und ihre ästhetischen wie gesellschaftlichen Implikationen im Heute analysiert.Text: Text: Dennis Brzek, Hilke Wagner, Wolfgang Tillmans.

Peter Lindbergh und Azzedine Alaïa, den Fotografen und den Couturier, verband ihre gemeinsame Liebe zur Farbe Schwarz, die sie auf ihre ganz persönliche Weise interpretierten - in legendären Fotografien und in atemberaubenden Kleidern. Lindbergh favorisierte das Schwarz-Weiß, da es ihm bei seiner Suche nach Authentizität in den von ihm fotografierten Gesichtern entgegenkam. Alaïa bezog sich auf die Monochromie klassischer Kleider und kreierte wahre Körperskulpturen.Dieses Buch dokumentiert den einzigartigen Dialog zweier Künstler, die sich in einer außergewöhnlichen Geistesverwandtschaft und Partnerschaft nahestanden, und ist zugleich Zeugnis ihrer stilbildenden Beiträge zur Geschichte der Fotografie und Mode.Trotz ihrer geografisch unterschiedlichen Herkunft verfolgten Lindbergh und Alaïa ähnliche Ziele. Während Lindbergh dank seiner Arbeit für den Stern in Deutschland immer bekannter wurde und 1978 ein Atelier in Paris bezog, war Alaïa ein sehr diskret in Erscheinung tretender Couturier, dessen subtile Kreationen zu den bestgehüteten Geheimnissen der prominenten Kundinnen der Haute Couture gehörten. Im erotischen Wechselspiel von Verhüllen und Entblößen modellierte er den weiblichen Körper wie ein Bildhauer, während Lindbergh ihn zum Leuchten brachte, indem er die Seele und Persönlichkeit der Models festhielt. Beide lehnten Künstlichkeit ab, die vom wirklichen Thema ablenkt, und es war nur eine Frage der Zeit, bis sie für eine Reihe gemeinsamer Projekte zusammenkamen.Ähnliche Inspiration und ästhetische Prinzipien lassen sich in fast all ihren Arbeiten finden. Ein Strand in Le Touquet oder die alten Stadtviertel in Paris verweisen auf ihre gemeinsame Liebe zum Schwarz-Weiß-Film und zu weiten Panoramen. Für den einen ist die Kulisse eines Maschinenraums Erinnerung an eine deutsche Industrielandschaft, für den anderen verweist sie auf seine große Leidenschaft für funktionales Design und Architektur.Peter Lindbergh. Azzedine Alaïa ist ein beeindruckender Bildband in Schwarz und Weiß, der vor Aufrichtigkeit und Schönheit strahlt. Alaïas Kleider sind wie ein Podest für das Lächeln und die Augen der Frauen. Für Lindbergh zählt die Wahrhaftigkeit der Gesichtszüge seiner Models: Nadja Auermann, Mariacarla Boscono, Naomi Campbell, Anna Cleveland, Dilone, Lucy Dixon, Vanessa Duve, Helene Fischer, Pia Frithiof, Jade Jagger, Maria Johnson, Milla Jovovich, Lynne Koester, Ariane Koizumi, Yasmin Le Bon, Madonna, Kristen McMenamy, Tatjana Patitz, Linda Spierings, Tina Turner, Marie-Sophie Wilson, Lindsey Wixson.Mit Beiträgen von Fabrice Hergott, Direktor des Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Paolo Roversi, Fotograf, und Olivier Saillard, Modehistoriker und Direktor der Fondation Azzedine Alaïa, Paris.