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Artist Fabian Gatermann uses light as the key material for his installations, objects, and multiples. He disengages from the classic scientific engineering system of testing; his works are unconventional experiments. Text in English and German.<BR><BR>If we understand “transcendence” as a multidimensional experience, can light as a medium grant us access to invisible realms? The artist Fabian Gaterman uses light as the key material for his installations, objects, and multiples in order to investigate new dimensions. Over the course of his work, Gatermann disengages himself from the classic scientific engineering system of testing; instead his works can be seen as open-ended unconventional experiments. During this creative process, light oscillates between amorphous and crystalline states, taking the viewer on a transcendental voyage of discovery. The central reference throughout remains the human being: the works provoke active participation and invite the viewer to become part of a multi-perspective game of light and space.<BR> <BR>Text in English and German.

Was macht große Kunst wirklich großartig? Meisterwerke der Kunst - großartig erklärt beleuchtet die Geschichten hinter 30 der bedeutendsten Gemälde und Skulpturen der Welt - von Monets Seerosenüber Hilma af Klints okkulte Altarbilder und Botticellis Geburt der Venus bis hin zu Georgia O'Keeffes Jimson Weed. James Payne wirft in seinen klaren und leidenschaftlichen Analysen einen Blick auf Handwerk, Künstlerbiografien und historische Kontexte, um die Einzigartigkeit jedes Werks verständlich zu machen. So wird Kunst greifbar und zugänglich. Dieses Buch ist ein Must-read für Kunstliebhaber*innen und neugierige Einsteiger*innen, die die Schönheit und Bedeutung großer Kunst neu entdecken möchten. Ein inspirierender Ansatz, der zeitlose Werke in neuem Licht erscheinen lässt.

Dieses interaktive Kinderbuch hilft Kindern dabei, ihre eigenen Grenzen wahrzunehmen und selbstbewusst "Nein" zu sagen. In leicht verständlichen Geschichten begleitet die kleine Lina junge Leserinnen und Leser durch Alltagssituationen wie unerwünschte Küsse von Verwandten, Streit auf dem Spielplatz oder den Umgang mit Fremden.Die liebevollen Illustrationen und kindgerechten Texte machen es Kindern leicht, sich in die Situationen hineinzuversetzen und wichtige Botschaften zu verstehen. Gleichzeitig bietet das Buch Eltern und pädagogischen Fachkräften viele Anlässe, um mit Kindern über Gefühle, Grenzen und Selbstschutz zu sprechen.Geeignet für Kinder im Alter von etwa 3 bis 9 Jahren.

Nam Tchun-Mo (b. 1961) represents a contemporary continuation of Dansaekhwa, a South Korean art movement that began exploring radical abstraction, monochrome palettes, and three-dimensionality in the 1960s.<BR><BR>Nam Tchun-Mo (b. 1961) represents a contemporary continuation of Dansaekhwa, a South Korean art movement that began exploring radical abstraction, monochrome palettes, and three-dimensionality in the 1960s. Through repetitive actions within a meditative painting practice, Nam creates a modern interpretation of golbeop (??)—a classical principle of East Asian painting that emphasizes the structural vitality and life force of the brushstroke.<BR> His work organically bridges tradition and contemporaneity, craftsmanship and abstract form, and physicality and spirituality, while weaving together personal memory and collective cultural experience. The central formal elements of his practice are lines reminiscent of furrowed fields and architectural motifs, such as traditional lattice windows and rafters.<BR>

The German sculptor Bettina Buck (1974-2018) called attention to herself with her "performative sculptures," which she often presented vis-à-vis museal objects. Buck's preferred materials came from the hardware store: corrugated cardboard, ceramic tiles, pressed foam, or plastic foil, which are all not meant to last. Out of these materials she created a kind of changeable and transient "protagonists," who didn't have a final form but rather emphasized the actual process of finding form (as well as losing form). In a provocative action in 2014, Buck dragged an oversized foam bloc through a museum collection and let it rest next to famous artworks, which gained a new dynamic in this interplay. Buck herself said once that her works were meant to "simultaneously attract and alienate the viewer." In the exhibition space the objects should "create a tremor, a vibration and a conversation with its surroundings."Finding Form, a posthumous monograph presents Bucks complete sculptural works on over 300 pages and contains texts by Phyllida Barlow, Paolo Icaro, Cecilia Canziani, and Andrea Maria Popelka. The book was conceived and published by the artist's estate, Bureau Bettina Buck. Bettina Buck will be featured in 2026 with a work in Chiara Camoni's presentation at the Italian Pavilion of the Venice Biennale.

Gertraud Möhwald (1929–2022) was a renowned German sculptor and ceramicist, whose expressive figurative works earned her international acclaim. This book provides insight into her creative process, showcasing selected works and unpublished texts. Text in German.<BR><BR>“I was born in Dresden in 1929. After leaving school I did an apprenticeship there as a stone sculptor. From 1950 to 1954 I studied sculpture, and 1959 to 1964 ceramics at Burg Giebichenstein in Halle. In 1979–89 I worked there as a teacher. I am married to a painter and have four children.”<BR> The ceramicist and sculptor Gertraud Möhwald, who was renowned far beyond the borders of Germany, gave this personal statement two years before her death in December 2022. The emotional expression of her figurative works can be understood by people across the globe. But who is this sculptor with the impressive ability to critically observe herself and the world? Who is this woman who struggles to find space and time for her own artistic work while trying to fulfil her role as a wife and mother? Who is this ceramicist who knows how to draw positives even from adverse circumstances? This book provides the answers in images of selected works and numerous hitherto unpublished texts by the artist.<BR> <BR>Text in German.

In a probing engagement with the screen, an omnipresent object in contemporary life, Antonia Hirsch charts the gulf between the digital and the analog, the two spheres of which our perceived reality is composed. In provocative installations and objects, the artist conceives the distinctions between screen, mirror, and blade as less than sharply defined. Her works show rigidly geometric shapes made of hard and shimmering glass and steel; they encounter eerily somatic and perishable-looking cardboard or soft foamed-plastic components that recall the bodies they perhaps once served. Reflective surfaces mirror our gaze, but the less classy materials, too, await recognition by the beholder's body. The book accompanies Hirsch's solo exhibition "Phenomenal Fracture" at Kunsthalle Lingen; photographs and writings convey extensive and sustained impressions that run the gamut from the uncanny to the darkly humorous.

Skulpturenmeile zum 50-jährigen Jubiläum des Kunstvereins "Das Damianstor" vom 20. März bis 30. September 2025Künstler: Felicithas Arndt, Jürgen Knubben, Martin Pöll, Thomas Reifferscheid, Karl Manfred Rennertz, Hans Schüle, Angelika Summa, Günter Wagner

Was bleibt, wenn der Tod eine Leerstelle hinterlässt und sich der Umgang mit den Toten verändert? Franca Buss untersucht, wie sich aufklärerische Debatten auf die europäische Grabmalkultur des 18. Jahrhunderts auswirkten. In einem kunsthistorischen close-reading analysiert sie ausgewählte Grabmalensembles aus Mitteleuropa und England und stellt sie in einen größeren geistesgeschichtlichen Kontext. Dabei werden vier Strategien identifiziert, die die Absenz der Verstorbenen im Kontext von Erinnerungsstiftung und Jenseitshoffnung betreffen: Allegorisierung, Sentimentalisierung, Poetisierung und Naturalisierung. Die moderne Selbsterzählung von der Verdrängung des Todes wird in Frage gestellt und gezeigt, dass die Kunst ihre eigenen Entwicklungslogiken verfolgt, die sich teleologischen Verallgemeinerungen entziehen.

Widely acclaimed for her distinctive visual language, which combines drawing, performance, sculpture, and installation art, Japanese artist Chiharu Shiota (b. 1972 in Osaka, lives and works in Berlin) addresses fundamental human concerns. Creating large-scale thread installations that incorporate a variety of everyday objects and memorabilia, she forms powerful environments that evoke a sense of nostalgia, personal history, and collective memory. The catalog accompanies the exhibition The Unsettled Soul, the first presentation of the artist in the Czech Republic. In addition to extensive photographic documentation of the exhibition at Kunsthalle Praha, the publication features an essay by Jason Waite discussing Shiota's early works as well as an interview with the artist conducted by the editor, Christelle Havranek, about her key themes and the creation of the Prague exhibition.

Diese Publikation stellt das Werk Irene Nordlis, einer der renommiertesten Künstlerinnen der nordischen Keramikszene, vor unduntersucht, wie sich ihre Arbeiten über drei Jahrzehnte hinweg weiterentwickelt haben. Bekannt für ihre Skulpturen aus Porzellan,für das Zusammenspiel von Körper und Material, werden hier auch das Persönliche, das Künstlerische und das Historische ihresSchaffens miteinander verwoben. "My Hands Keep Getting Bigger" lädt die Leser:innen ein, Nordlis schöpferische Reise bis zu ihrer größten Einzelausstellung in der Kunsthalle Grenland im Jahr 2024 zu begleiten.Der Dialog zwischen Irene Nordli und Gjertrud Steinsvåg bildet den Kern des Textes und hebt die entscheidenden Momente undGedanken hervor, die ihr Werk geprägt haben. Der Fotograf Thomas Ekström fügt eine beeindruckende visuelle Ebene hinzu,indem er das Außergewöhnliche im Alltäglichen einfängt, während der Designer Martin Egge Lundell Text und Bild mit einemexperimentellen Ansatz verbindet und so die konventionelle Kunstmonografie erweitert.

"The Story So Far" ist die erste umfassende Übersicht über das Werk von Helen Britton und erscheint anlässlich der Auszeichnung"Living Treasure: Masters of Australian Craft" des Australian Design Centre. Die Publikation umfasst über 40 Jahre von Brittonsmultidisziplinärem Schaen und präsentiert ihre außergewöhnlichen, häufig farbenfrohen und verspielten Arbeiten. Sie weckenKindheitserinnerungen, thematisieren aber auch die dunkleren Seiten des Lebens und überlassen es dem Betrachter, seine eigeneBedeutung darin zu finden.Neben großformatigen Abbildungen ihrer Werke und dem fotografischen Essay "My Godmother's House" finden sich Beiträgevon Lisa Cahill, Julie Ewington, Barbara Paris Gifford, Katie Scott und Toni Greenbaum sowie Texte der Künstlerin selbst undAuszüge aus den gesammelten Schriften von Ted Snell und Robert Cook.

Die Arbeit am eigenen Modell von der Welt; Rekonstruktionen des inneren Modells in Skulpturen, Grafiken, Gemälden; Untersuchungen zu Grundlagen der visuellen Wahrnehmung, der Orientierungsfähigkeit und der Erlebnisfähigkeit; Zeitlose Proportionen in geometrischen Körpern feiern, mit Farbkompositionen über geometrischen Betrachtungen oder die Evolution zur Anschauung bringen, das sind nur einige Grundsätze und Arbeitsbereiche von Achim Ribbeck.Achim Ribbeck konstruiert seine Figuren aus dem Kopf und entwickelt sie lebendig-feinfühlig-kräftig in unterschiedlichen Materialien, ob Strandholz, Linden-, Ulmen- etc. Stämme, Buchsbaum oder Marmor. Er führt alle seine Werke eigenhändig aus. In "Körperschicksale" stellt der Künstler Achim Ribbeck Schlüsselwerke aus seinem umfangreichen Oeuvre an Skulptur, Grafik und Malerei in hochwertigen großformatigen Aufnahmen vor und kommentiert seine Motive und Motivationen, seine Erkundungen und Erfindungen.

Die Beziehung, die der international renommierte Künstler Ernst Gamperl zum lebendigen Material Holz entwickelt hat, und das Wissen um die Unvermeidbarkeit des Zufalls sind Quellen kreativer Inspiration und treibende Kräfte in seinem Schaffen.Dieses ist geprägt von einer tiefen Verbundenheit mit der Natur und dem Respekt vor dem Rohstoff Holz. Bäume sind ein integralerBestandteil der Schöpfung, Symbole des Lebens und der Kraft, die Gamperl seit Jahren in Symbiose mit ihrem Wesen und ihrerNatur studiert. Sein unkonventioneller Umgang mit dem Material in Verbindung mit einer revolutionären Technik und einer originellen Interpretation führen zu Werken, die durch ihre Eleganz und Ausstrahlung bestechen und den Betrachtenden etwas nieDagewesenes zeigen.Die Monografie bietet eine umfassende Analyse von Ernst Gamperls Leben und Werk und zeichnet seine außergewöhnliche,fast vierzigjährige Karriere nach.

Auch noch mehr als 100 Jahre nach dem Ende des Königreiches Sachsen ist in Dresden die Familie der Wettiner nicht vergessen. Weltberühmte Bauwerke sowie grandiose Kunstsammlungen erzählen von diesen Fürsten, die 829 Jahre das Land regiert und die die Stadt Dresden mit ihrem Kunstsinn geprägt haben.Der Fürstenzug auf der Augustusstraße bildet die Herrscher auf dem weltweit größten Bild aus Meissener Porzellan ab. Und nur wenige Meter davon entfernt fanden in der geheimnisvollen Gruft viele Mitglieder des Hauses Wettin ihre letzte Ruhestätte.Dieses Buch erzählt ihre Geschichte und die Geschichten dahinter.

During industrialisation, the Seseke - a tributary of the Lippe - was straightened, dyked, and turned into an open sewage canal. Between the 1980s and 2014, the Lippeverband restored the watercourse to its natural state as part of the "Seseke Programme". This transformation was accompanied by an intercommunal art project entitled "Über Wasser gehen", which took place on the river and its tributaries as part of RUHR.2010. Eleven artworks dealing with the ecological improvement of the river landscape and the restoration of nature have remained on the banks, which are now green again. It is possible to view them on walks and cycle tours between Lünen and Bönen. This volume introduces those works and offers a visual tour of the Seseke landscape. It also explores the interweaving of art and nature, and investigates the significance of art for ecological contexts. - Landscape art, multimedia installations, sculptures and interactive art projects - an inter-communal art project on the Seseke watercourse invites you to observe the transformation of the river and experience the landscape in a new way - With a contribution by Hartmut Böhme, who sheds light on the subject of water from a philosophical and cultural studies perspective

Mit ihrem Werkzyklus zu den Weberaufständen und ihren Denkmälern für die Toten des Ersten Weltkrieges fand sie eindrückliche Bilder für Leid, Trauer und Schmerz - in ihren schriftlichen Selbstzeugnissen wird die Grafikerin und Bildhauerin Käthe Kollwitz (1867-1945) als Mensch und als Künstlerin erfahrbar, die vor allem durch ihr Werk sprechen wollte. Nur auf Drängen ihres Sohnes Hans hatte sie ihre 'Jugenderinnerungen' verfasst und ihm 1922 auf den Geburtstagstisch gelegt.In einer einfühlsamen Einführung zeichnete 1951 der Maler und Kunstschriftsteller Friedrich Ahlers-Hestermann ein doppeltes Porträt der Künstlerin Käthe Kollwitz: Mit ihrem Anspruch 'Ich will wirken in dieser Zeit' verklammerte er ihre Künstlerschaft mit dem sozialen Engagement, das ihr nicht zuletzt durch ihren Ehemann Karl Kollwitz nahe war, einem 'Armenarzt' im Berliner Arbeiterviertel Prenzlauer Berg. Lässt sich ein Werk von den Erfahrungen der Zeitgenossenschaft trennen? Treten Kriege und die soziale Frage mit einem herausragenden künstlerischen Werk in Konkurrenz? In der Neuausgabe kann ein Zugang zu Käthe Kollwitz wiederentdeckt werden, der diese Fragen an die Gegenwart zu stellen scheint.

Es war eine Sensation: Besucher aus ganz Europa reisten vor 200 Jahren nach Ludwigslust, um im Schlosspark Prunkvasen und Statuen zu bestaunen. Diese bestanden aus Papiermaché, waren von höchster künstlerischer Qualität und wetterfest. Die Produkte der herzoglichen Manufaktur wurden zum Verkaufsschlager. Noch heute ist Ludwigsluster Papiermaché auch in Schlössern und Herrenhäusern in Brandenburg, Thüringen oder Den Haag zu finden.

The biography of conceptual artist MK Kaehne (b. Vilnius, 1963; lives and works in Berlin) oscillates between Vilnius, Moscow and Berlin. Influenced by Russian Constructivism, he draws and builds suitcase sculptures with a department store aesthetic, a reversal of the readymade principle. His focus gradually shifted from the formal to the psychological, towards life-size figures such as It's me (2023): a hyper-realistic replica of himself, lying upside down in the mud, with a garden gnome next to him. Kaehne's work is strictly analytical, but the results are full of tragedy and irony. Unintentional drawings, in which biographical, Dadaist and political elements merge, accompany his oeuvre. A total work of art that traces personal and social development.