Bücher über Filme

"Winnetou 1. Teil" aus dem Jahr 1963 ist einer der erfolgreichsten Filme der deutschen Kinogeschichte. Für viele Fans gilt er als Höhepunkt der Filmreihe um den Apatschen-Häuptling Winnetou und seinen Blutsbruder Old Shatterhand. In den 1960/70er-Jahren lockte die Filmreihe allein in Deutschland über 40 Millionen Fans in die Kinos.Die Rialto Film GmbH Berlin als Produzent veröffentlicht nun erstmalig das komplette Drehbuch zu diesem Film. Zugleich machte man das eigene Filmarchiv zugänglich und ermöglicht damit einen einzigartigen Blick in die Entstehungsgeschichte dieses bis heute erfolgreichen Kinofilms.Auf über 360 Seiten wird dessen Realisierung vom ersten Konzeptentwurf, über das fertige Drehbuch bis hin zu den Ergänzungen und Veränderungen während der Dreharbeiten textlich wie bildlich erlebbar. Den jeweiligen Szenen des Drehbuchs wird in über 300 teils großformatigen Bildern deren filmische Umsetzung gegenübergestellt und erläutert.Welche Änderungen am Drehbuch wurden vor Ort im damaligen Jugoslawien vorgenommen? Was wurde nicht gedreht? Welche Szenen wurden zwar gefilmt, waren dann aber nicht im Kino zu sehen?Mit einem Grußwort von Mario Adorf.Konzeption und Umsetzung: KMFF (Karl May-Film-Freunde Berlin) (lib)

Die späten 1960er und die 1970er Jahre waren eine Blütezeit des bundesdeutschen Fernsehfilms. Gesellschaftskritische Themen wurden in innovativer und experimentierfreudiger Weise verhandelt und führten regelmäßig zu öffentlichen Debatten. Einen wesentlichen Anteil an dieser Entwicklung hatte die Fernsehspielabteilung des Westdeutschen Rundfunks in Köln. Deren Leiter Günter Rohrbach und die Redakteure Gunther Witte, Peter Märthesheimer, Joachim von Mengerhausen, Volker Canaris, Wolf-Dietrich Brücker und Alexander Wesemann verfolgten offensiv das Konzept, mit ihren Filmen das Publikum aufzuklären, es mit der Wirklichkeit zu konfrontieren und sich damit in den gesellschaftlichen Diskurs einzubringen. Dies änderte sich erst gegen Ende der 1970er Jahre, als der Unterhaltungsaspekt der Filme gegenüber den politisierenden Inhalten mehr Gewicht bekam. Mit einem ausführlichen werkbiografischen Gespräch von Martin Wiebel mit Günter Rohrbach, Beiträgen von Dietrich Leder und Torsten Musial sowie biografischen Porträts der Redakteure.

Der in den Widerstandskreis der "Weißen Rose" verwickelte, vom "Volksgerichtshof" jedoch nicht zum Tode verurteilte Falk Harnack (1913-1991) profilierte sich ab den frühen 1950er Jahren als einer der wesentlichen deutschen Film- und Fernsehregisseure. Vor dem Krieg als Schauspieler und Spielleiter in Weimar und Altenburg tätig, reüssierte Falk Harnack nach 1945 zunächst am Staatstheater München und am Deutschen Theater Berlin, bevor er Ende der 1940er Jahre zum künstlerischen Direktor der DEFA avancierte. Infolge politischer Querelen um seinen Regieerstling "Das Beil von Wandsbek" (1951) entschloss er sich, der DDR den Rücken zu kehren, um seine Regietätigkeit in der Bundesrepublik fortzusetzen. Seine biografischen Erfahrungen hat Harnack dabei an vielen Stellen seines Werks einfließen lassen. Produktionen wie "Der 20. Juli" (1955), "Unruhige Nacht" (1958), "Jeder stirbt für sich allein" (1962) oder "Der Verfolger" (1974) bekunden eindrücklich, dass Harnack die eigene Diktaturerfahrung zeitlebens als demokratische Verpflichtung begriff, die er in Form filmischer Erzählungen auch kommenden Generationen vermitteln wollte. Über alle zeitlichen und gesellschaftlichen Ebenen hinweg verweist Harnack dabei auf die Verantwortlichkeit eigenen Handelns. Mithin stehen im Zentrum seines - keineswegs monothematischen - Werks die Gewissenserforschungen einzelner Figuren wie des Publikums - und die Konsequenzen, die zu ziehen wären. Zu entdecken ist mit Falk Harnack ein versierter Geschichtenerzähler mit festen Standpunkten.

Der 1931 in Frankfurt/Oder geborene Rolf Losansky zählt zu den wichtigsten Kinder- und Jugendfilmregisseuren der DEFA. Seit Anfang der 1960er-Jahre war er für zahlreiche Produktionen künstlerisch verantwortlich, die zu den Klassikern des Kinderfilms zählen und auch früh in Westdeutschland gezeigt wurden. Dazu gehören u.a. »Die Suche nach dem wunderbunten Vögelchen« (1964), »Ein Schneemann für Afrika« (1976) und »Moritz in der Litfaßsäule« (1983). Hinzu kamen einige Jugendfilme, wie »... verdammt, ich bin erwachsen« (1974) oder »Euch werd ich's zeigen« (1976), der dem Buch als DVD beiliegt. Nach 1989 war Losansky Präsident des Kinderfilmfestivals Goldener Spatz in Gera und realisierte einige Produktionen für das gesamtdeutsche Kino und für das Fernsehen. Das Buch nimmt erstmals das gesamte Schaffen Rolf Losanskys - seine Regietätigkeit erstreckt sich über fünf Dekaden - in den Blick. Zahlreiche Dokumente und zwei kurze Interviews mit Gojko Mitic und Christa Kozic runden den Band ab. Inkl. DVD mit »Euch werd ich's zeigen«.

Seit Filme gemacht werden, stehen auch Sorbinnen und Sorben vor und hinter der Kamera. Einen Höhepunkt erlebte der sorbische Film in der DDR, vor allem in der DEFA-Produktionsgruppe »Sorbischer Film« (Serbska filmowa skupina). In der deutschen Filmgeschichtsschreibung aber ist er bisher nahezu unsichtbar. In Kooperation mit dem Sorbischen Institut schließt die Monografie mit Beiträgen sorbischer und deutscher Autorinnen und Autoren diese Lücke. Vom Kaiserreich bis in die Gegenwart geben sie einen Überblick des sorbischen Filmschaffens. Der Schwerpunkt liegt dabei auf den Kino- und Fernsehproduktionen des DEFA-Studios sowie der Babelsberger Filmhochschule zwischen 1946 und 1992. Ergänzend dazu werden die wichtigsten sorbischen Filmschaffenden der DDR vorgestellt und ihre Bedeutung für den sorbischen und deutschen Film erörtert. Einzelbeiträge beleuchten zudem Fragen von Identitätsbildung und Film, Literaturverfilmungen, Stereotypen im Film und Verbindungen zum indigenen Kino. Ein Gespräch mit ehemaligen Mitarbeiterinnen und Mitarbeitern der Produktionsgruppe bietet seltene Einblicke in eine bislang unbekannte Produktionspraxis und den Umgang mit der einzigen staatlich anerkannten ethnischen Minderheit der DDR. Auf zwei beigelegten DVDs werden wichtige Werke - sowohl deutsch- als auch sorbischsprachig - erstmals öffentlich zugänglich gemacht.

Titania and Oberon: A Fairy Tale Ballet Under the Moonlight" mesmerizes with a graceful narrative of Shakespeare's enchanting characters. Dancers embody the mystical allure of the fairy realm, portraying Titania's regal grace and Oberon's commanding presence amidst moonlit forests. Choreography blends classical technique with whimsical storytelling, evoking their intricate relationship and magical conflicts. Set against celestial backdrops and ethereal lighting, the ballet unfolds with a dreamlike ambiance, capturing the essence of love, jealousy, and reconciliation.Music enhances the emotional depth, resonating with the ballet's enchanting themes and the characters' emotional journey. The performance invites audiences into a realm where dance transcends reality, showcasing the artistry of movement and the power of storytelling. "Titania and Oberon" promises an immersive experience, where the beauty of ballet and the enchantment of Shakespeare's tale merge in a captivating celebration of love and fantasy under the enchanting glow of the moon. (lib)

Splitscreens sind heutzutage überall: auf Mobiltelefonen und Displays, auf Computerbildschirmen und als Konfiguration der allgegenwärtigen Videokonferenzen. Diese grafische Gestaltung des mehrfach intern geteilten Bildes hat eine lange Geschichte, die in diesem Buch vor allem mit Blick auf das Kino erzählt wird. Die Entwicklung verläuft von der zentralperspektivischen Logik und damit dem Fokus auf das selbstidentische Subjekt hin zur Verteilung in heterogene und dynamisch reagierende Netzwerke, an deren Knotenpunkten sich nur temporär stabile Entitäten, wenn nicht sogar Algorithmen oder andere Automatismen befinden. Das Buch stellt also den Splitscreen in (film)historischer Perspektive dar und argumentiert zugleich dafür, seine Verwendung zu verstehen als eine mediale Logik, die über den Film hinaus bei einem Großteil der medialen Anordnungen greift. Splitscreens werden als Symptom und Symbol einer breiteren Veränderung der Medienkultur eingeordnet - weg von Konzentration und stabiler Subjekthaftigkeit, hin zu Flexibilität, Modularität, Echtzeit und Feedback.

Im Jubiläumsjahr widmet sich das aktuelle Heft von "Frauen und Film" der Archivierung und damit den Praxen des Sammelns, Katalogisierens und Kuratierens. Gerade für die feministische Filmtheorie und Geschichtsschreibung waren die Archiv-Diskussionen der 1980er Jahre von entscheidender Bedeutung: Die (Wieder-)Entdeckung der Filmarbeit von Frauen in der Filmgeschichte führte zu Neuformulierungen theoretischer Positionen. Zugleich stellten sich auch Fragen nach dem Status zeitgenössischer Filmarbeit seit der zweiten Frauenbewegung: Wie prekär ist der Status der vorhandenen Kopien von oftmals auf 16 mm produzierten Filmen von Frauen? Sind diese Filme, die zum Teil die Theoriebildung beeinflusst haben, überhaupt noch auffindbar bzw. zu projizieren? Wer - wenn überhaupt - kümmert sich um deren Restaurierung und Bewahrung, wenn im Fokus weitgehend die "Meisterwerke" männlicher Regisseure stehen? Hinzu kommt die unsichere Situation des Filmerbes der Filmkulturen des globalen Südens, die wiederum dazu einlädt, Filmgeschichtsschreibung anders zu denken. Die Beiträge eröffnen queer-feministische Perspektiven z. B. auf künstlerische Recherche und Selbstarchivierung, Filmgeschichtsschreibung, Praktiken des Kuratierens, koloniales Kino, Amateurfilm, Black Feminist Futurity, digitale Methoden und Videokunst.

Diese Arbeit ist das Ergebnis eines zweijährigen Forschungsprojekts im Rahmen eines Masterstudiums in Erziehungswissenschaften (UERJ) und macht das Kino zum Gegenstand wissenschaftlicher Forschung, indem sie nach Schulen in Westernfilmen sucht. Das Buch stützt sich auf eine theoretische Grundlage, die Gilles Deleuze, Walter Benjamim und Boaventura de Sousa Santos, die Methodologie der Alltagsforschung, die Geschichte der Vereinigten Staaten und das Kino umfasst, und will die Bedeutung des Kinos über die Unterhaltung hinaus aufzeigen. (lib)

Mit Blick auf die bundesrepublikanische Filmgeschichte gelten die 1980er Jahre als Dekade des Niedergangs. Doch die Filme dieses Jahrzehnts haben weit mehr zu bieten, als es zunächst scheinen mag ... Das Kino der 1980er Jahre sei biedermeierlich, harmlos und angepasst, der Elan des Neuen Deutschen Films habe sich nach Rainer Werner Fassbinders frühem Tod im Jahr 1982 nur allzu rasch verflüchtigt. So lautet das monolithische Pauschalurteil über 'Kohls Kino', das, nur weil es seit Jahrzehnten unhinterfragt geblieben ist, nicht richtiger wird. Ebendies möchte der vorliegende Band zeigen, der sich um eine Revision und zu einem gewissen Teil auch Rehabilitation von - häufig kommerziell ausgesprochen erfolgreichen - Filmen wie "Ediths Tagebuch", "Die flambierte Frau", "Männer", "Out of Rosenheim" und "Das schreckliche Mädchen" anhand von Einzelanalysen bemüht.

Till Burgwächter beschäftigt sich seit mehreren Jahrzehnten mit Horrorfilmen und verbrachte unzählige gruselige Stunden vor der Glotze. In der vorliegenden Essenz dieser Recherchen berichtet er von der mehr als 100-jährigen Geschichte des Genres - mit seinen diversen Spielarten, ausgesucht erschreckenden Filmen und furchtbaren Darstellern. Doch auch (zum Glück) längst vergessene und kuriose Streifen, Skandale, unerklärliche Phänomene am Set und tragische Fehlentscheidungen der Filmschaffenden dürfen nicht fehlen. (lib)

This book provides useful guidance on how filmmaking can be de-risked by using new forms of financing instead of the well-trodden paths of traditional funding. The author will present the results of a study of the opportunities for cinema funding and its related policies in Bulgaria and Spain. She makes a comparative analysis of cinema politics in Bulgaria and Spain. She finishes with general conclusions and recommendations - prospects for further development. (lib)

«Er ist als Regisseur nicht der missbilligende Vater, Clint ist der grinsend aufmunternde Bruder.» - Sean Penn Der Schauspieler und Regisseur Clint Eastwood ist einer der größten Stars der Filmgeschichte. Keinem Hollywood-Star gelang der Übergang in das moderne Filmzeitalter so überzeugend und genial wie ihm: Er ist als Western- und Actionstar der 60er und 70er omnipräsent, erzielt aber seine größten Erfolge erst mit über 60. Als Multitalent überzeugt Eastwood seit vielen Jahren als Schauspieler, Regisseur, Produzent und auch Komponist. Eastwood feierte am 31. Mai 2023 seinen 93. Geburtstag. Sein neuer Film «Juror #2» wird intern als letzter seiner Karriere bezeichnet, berichtet das Portal «Discussing Film». Das wäre bereits sein 40. Film als Regisseur. Für «Erbarmungslos» gewann er 1993 den Oscar für die beste Regie und den besten Film, 2005 erhielt er die gleichen Auszeichnungen für «Million Dollar Baby».. «Seine Gabe, alles auszudrücken, indem er fast nichts tut, ist im Laufe der Jahre noch beeindruckender geworden.» - IRISH TIMES

Das Toiletten-Buch Filmgeschichte: Ein Must-Have für Jeden FilmfanProduktbeschreibung:Tauchen Sie ein in die faszinierende Welt des Kinos mit ¿Das Toiletten-Buch Filmgeschichte¿. Dieses einzigartige Buch bietet eine kuriose und unterhaltsame Reise durch die Filmgeschichte, perfekt für jede kurze Auszeit. Von den Anfängen des Stummfilms bis hin zur digitalen Revolution ¿ entdecken Sie Anekdoten, Fakten und Kuriositäten, die Sie garantiert zum Schmunzeln bringen.In dieser Ausgabe unserer beliebten ¿Toiletten-Buch¿-Reihe rollen wir den roten Teppich aus und führen Sie hinter die Kulissen der schillerndsten, verrücktesten und manchmal fast unglaublichen Momente der Filmgeschichte.Also schnappen Sie sich Ihre Lesebrille (und vielleicht ein bisschen Lufterfrischer), denn dieses Buch ist Ihr Ticket zu einer unvergesslichen Reise durch die Welt des Films.Warum Sie dieses Buch lieben werden:Unterhaltsam und lehrreich: Eine perfekte Mischung aus Humor und Wissen, ideal für alle, die gerne hinter die Kulissen blicken.Vielseitig: Egal ob Sie ein leidenschaftlicher Cineast oder ein Gelegenheitszuschauer sind, dieses Buch hält für jeden Geschmack etwas bereit.Das ideale Geschenk: Ob als Einweihungsgeschenk oder für einen geliebten Filmfan ¿ dieses Buch ist eine originelle Überraschung, die lange in Erinnerung bleibt.Kurze Geschichten: Perfekt für schnelle Lese-Sessions, bietet es die ideale Flucht aus dem Alltag.Inspirierend: Vielleicht entdecken Sie Ihren neuen Lieblingsfilm oder fühlen sich inspiriert, selbst kreativ zu werden.FAQ:F: Ist das Buch nur für Filmstudenten geeignet? A: Nein, es ist für jeden gedacht, der Filme liebt oder einfach eine gute Geschichte zu schätzen weiß.F: Kann ich das Buch auch im Wohnzimmer auslegen? A: Absolut! Obwohl es perfekt für die Lektüre auf dem WC ist, macht sein stilvolles Design es zu einem großartigen Gesprächsstarter in jedem Raum.F: Sind die Geschichten kinderfreundlich? A: Das Buch richtet sich hauptsächlich an ein erwachsenes Publikum, aber viele der Anekdoten sind auch für jüngere Leser geeignet. (lib)

Die Filmbranche ist eine (Arbeits-)Welt für sich: unklare Ausbildungs- und Karrierewege; befristete Beschäftigungen; selten ein fester Arbeitsort; kaum öffentlich ausgeschriebene Jobs; Erfahrungen und Vitamin B zählen mehr als jeder Abschluss. Was bewegt junge Menschen, trotz einiger Widrigkeiten, Teil dieser Branche zu werden? Welche Wege sind sie gegangen, auf welche Herausforderungen und Chancen sind sie gestoßen? Irgendwas mit Film lässt 45 junge Filmschaffende, jeweils mit unterschiedlichem Beruf, zu Wort kommen und sie nicht nur ihre Aufgaben, sondern auch ihre Perspektiven auf ihre Karrierewege und die Branche schildern. Anders als eine rein sachlich-nüchterne Darstellung der Berufe bietet die Interviewsammlung persönliche und realistische Einblicke. Erfahrungen, für die alle Filmschaffenden bisher selbst am Set stehen oder im Produktionsbüro sitzen müssen, werden so mit (potenziellen) Neueinsteigern und allen Interessierten geteilt. Schulabsolvent:innen, (Medien-)Student:innen und alle, die einen Fuß in die Tür der Filmbranche bekommen wollen, sind deshalb die primäre Zielgruppe dieses Buches. Interviews mit u.a. einem Drehbuchautoren, einer Produzentin, einer Regisseurin, einem Regieassistent, einem Komparsenbetreuer, einer Kamerafrau, einem Video Operator, einem Oberbeleuchter, einer Beleuchterin, einer Tonassistentin, einer Szenenbildnerin, einem Location Scout, einem Außenrequisiteur, einer Set-Requisiteurin, einem Maskenbildner, einer Kostümbildnerin, einer Garderobiere, einer SFX-Technikerin, einem Stuntman, einer Set-Aufnahmeleiterin, einem Produktionsfahrer, einem Produktionsleiter, einer Filmgeschäftsführerin, einem Digital Image Technician (DIT), einem Schnittassistent, einer Editorin, einer Coloristin, einer Sounddesignerin, einer Filmkomponistin und einem VFX Artist.

»Sich von allen Bildern [...] befreien«, um neue und sehr einfache Bilder zu finden - so könnte man das Credo der Brüder Dardenne fassen, wenn die beiden, die vom Dokumentarfilm kommen, sich an ein neues Spielfilmprojekt machen. Ausgangspunkt ist stets ein gesellschaftlich relevanter Konflikt, mitunter eine Zeitungsnotiz aus der Rubrik Vermischtes. Die Brüder entwickeln in langen Diskussionen daraus einen >filmischen Stoff< und ein Drehbuch. Im Verlauf der Dreharbeiten, die eine intensive Zusammenarbeit mit den Schauspielern darstellen, wird kaum etwas hinzugefügt, sondern hauptsächlich entschlackt: Gegenstände aus dem Bild entfernt, Sätze und Passagen aus dem Drehbuch gestrichen, Gesten reduziert. Ziel ist, zu einer Wahrheit der Bilder und des Schauspielens zu gelangen, die nicht von vornherein verstellt ist durch klischierte Vorstellungen von etwas und so andere als bereits bekannte Antworten auf etwas liefern kann. Der industriellen Verfertigung von Spielfilmen wird mit radikaler Einfachheit der Mittel, mit der Arbeit an Originalschauplätzen und einem gewissen »Brutismus« im Umgang mit Licht, Ton und Kamera begegnet. Die vorliegenden Tagebücher von Luc Dardenne sind Notate, die nicht die Drehs der beiden Brüder dokumentieren, sondern die Arbeit an ihren Filmen in anderen Filmen und Beo­b­ach­tun­gen aus Literatur und Philosophie spiegeln und re­flek- ­­tie­ren.

In 25 Kapiteln taucht Barlow in das Bond-Universum ein und stellt die 160 legendären »Bond-Autos« vor. Dabei hatte er uneingeschränkten Zugang zum Set des neuesten Films »Keine Zeit zu sterben« sowie zu den Bond-Archiven. Der einzigartige Band präsentiert seltene Dokumente, darunter Storyboards, unveröffentlichtes Bildmaterial der Drehorte, technische Zeichnungen und Auszüge aus Originaldrehbüchern. Darüberhinaus gewähren Exklusivinterviews und Berichte aus erster Hand von Insidern - darunter Daniel Craig, die Produzenten Michael G. Wilson und Barbara Broccoli und Bond-Spezialeffekt-Veteran Chris Corbould - exklusive Einblicke in das Bond-Universum.

Fachbuch aus dem Fachbereich Filmwissenschaft, , Sprache: Deutsch, Abstract: Anfang 1943 beendet Veit Harlan, der Starregisseur des Dritten Reichs, einen Film mit dem Titel ''Opfergang'', der dank der Ambivalenz seiner weiblichen Hauptfiguren zu den vielschichtigsten Filmproduktionen des NS-Regimes gehört. Zeitlich zwischen dem antisemitischen Hetzfilm ''Jud Süß' und ''Kolberg'' gelegen, greift Harlan hier auf einen literarischen Stoff zurück, indem er Rudolf G. Bindings 1912 erschienene gleichnamige Novelle für die Leinwand adaptiert. Untypisch für das Kino des Nationalsozialismus finden so tradierte Werthaltungen Eingang in einen Film, der letztlich als eigentümliche Hommage an die Welt des deutschen Bildungsbürgertums gesehen werden kann. (lib)

Studienarbeit aus dem Jahr 2010 im Fachbereich Filmwissenschaft, Note: 2,1, Filmakademie Baden-Württemberg in Ludwigsburg, Sprache: Deutsch, Abstract: Diese Hausarbeit setzt sich mit Batmans Antagonisten, dem Joker und seiner Darstellung in den verschiedenen Verfilmungen, auseinander. Als Grundlage dient die Verkörperung des verstorbenen Heath Ledger in Christopher Nolans "The Dark Knight" von 2008. Dabei ergründet die Arbeit nicht nur die schauspielerische Leistung Ledgers. Sondern bezieht sich auch auf die dramaturgische Anlage des Charakters durch das Drehbuch in Regieanweisungen und Charakterkonzept, sowie die Kostüm und Maske des Charakters. Aus all diesen Aspekten entsteht ein schlüssiges Gesamtbild, das den Joker überzeugend als personifiziertes Chaos etabliert. Jeder Film braucht seinen Helden, einen Protagonisten, jemanden mit dem wir uns identifizieren können. Denn genau das macht Filme für uns interessant. Aus diesem Umstand resultiert, dass der Held einen Film meist zu seinem Film macht. Schnell dreht sich nicht nur die Handlung um ihn, sondern gern auch so manche Kamera- fahrt. Es macht ja auch durchaus Sinn, dass man den Protagonisten eher beleuchtet, als einen Nebencharakter. Denn die (nähere) Beleuchtung - sowohl durch die Lichttechnik, wie auch durch das Drehbuch - lenkt schließlich die Aufmerksamkeit der Zuschauer auf das, was wir als Filmschaffende als das Wichtigste erachten. So erwartet man bei einer Comicheldenverfilmung der DC Comics Serie "Batman" natürlich den entsprechenden Fokus auf eben diesem Helden - Batman. Mit dem Filmtitel "The Dark Knight" wird diese Erwartung auch erst mal erfüllt. Schließlich ist er auf Batman gemünzt - "The Dark Knight", ein weiterer Beiname Bruce Waynes.

Warum beschäftigen uns manche Filme länger als andere? Wieso sind böse Figuren oft spannender als gute Filmcharaktere?Wie können Figuren mit speziellen psychologischen Merkmalen ausgestattet werden, die durch die ganze Geschichte tragen? Die andere Geschichten und neue Erzählweisen eröffnen? Für einen guten Film ist es nicht nur wichtig, eine tolle Geschichte und eine gute Struktur zu haben, mindestens genauso wichtig ist es, Figuren mit einer komplexen Persönlichkeitsstruktur zu zeigen.Das Buch entstand aus einem Seminar, das der Autor an der Filmwerkstatt München gehalten hat.Der Autor setzt Impulse, um interessante und neue Alternativen der Plot-Entwicklung zu finden, an die zuvor vielleicht noch nicht gedacht wurde. Klassische Konflikttypen, Persönlichkeitsstile und deren Störungen werden als Psychopathien vorgestellt und die wants und needs der Filmfigur anhand beispielhafter komplexer Konflikte spezifisch demonstriert.Das Buch richtet sich in erster Linie an Menschen,die sich professionell mit dem Schreiben von Drehbüchern und der Produktion von Filmen beschäftigen. Aber auch jeder Filmfan, der verstehen möchte, warum ihm oder ihr welche Filme gefallen, findet hier erhellende Zusammenhänge. (lib)

Per Tarkovskij, l'immagine non è un semplice mezzo per trascrivere ciò che è già nella mente dell'autore; l'immagine è il luogo per eccellenza della creazione, uno spazio assoluto dove il tempo si ricompone nelle sue tre modalità, passato, presente e futuro, tutte allineate sullo stesso strato temporale, componendo un formato audiovisivo mozzafiato. Nel cinema di Tarkovskij è la scrittura per immagini a rivelare le profondità dell'anima, che non è altro che la vera scrittura del silenzio. (lib)

The magic and mastery of anime springs to life in this gorgeous celebration of the genre A uniquely powerful form of artistic expression, anime has embraced complex and provocative ideas since its inception in the mid twentieth century. This dynamic and wide-ranging book explores eighty key themes of the genre, from wars to natural disasters, nature to ecology, childhood to magic, dystopias to fables. It looks at more than one hundred masterpieces of Japanese animation, including Akira, Ghost in the Shell, One Piece, Princess Mononoke, Grave of the Fireflies and Howl's Moving Castle, to show how practitioners consistently balance tradition with modernity and how anime's distinct style has influenced other forms of media such as video games, comic books and live-action films. Covering an enormous range of talent-from Isao Takahata, Katsuhiro O^tomo, and Makoto Shinkai to Studio Ghibli and Mamoru Oshii-it demonstrates how anime makes room for limitless creativity. Unfettered by the physical constraints of nature's laws, these artists realize our deepest emotions and our wildest dreams.

Ausgehend von den beliebten Unterhaltungsmedien der Bühnen-Operette und der Revue sowie einigen stummen Filmoperetten entstand nach Einführung des Tonfilms 1929 in Deutschland das populäre Genre der Tonfilm-Operette bzw. der musikalischen Komödie. Nach dem Machtantritt der Nazis 1933 wurde ein großer Teil der gerade an diesem Genre beteiligten Künstlerinnen und Künstler ins Exil getrieben: Regisseure (Wilhelm Thiele, Hanns Schwarz), Autoren (Franz Schulz, Fritz Rotter, Felix Joachimson/Jackson, Hermann Kosterlitz/Henry Koster), Komponisten (Jean und Robert Gilbert, Friedrich Hollaender, Paul Abraham, Hans May, Werner Richard Heymann) und Stars (Max Hansen, Gitta Alpár). Der Katalog zum cinefest dokumentiert mit Kritiken, Materi-alien und Hintergrundtexten über 25 Beispiele aus dem umfangreichen Genre. Dabei liegt die Konzentration auf dem frühen Tonfilm und umfasst Klassiker wie Ihre Hoheit befiehlt (1930/31, Hanns Schwarz), Bomben auf Monte Carlo (1931, Hanns Schwarz), Ein Lied geht um die Welt (1933, Richard Oswald), amerikanische Produktionen (The Love Parade, 1929, Ernst Lubitsch; Top Hat, 1935, Mark Sandrich), aber auch unbekanntere Werke und Entdeckungen wie Der Herr auf Bestellung (1930, Geza von Bolvary), Die schwebende Jungfrau (1931, Carl Boese) und Die verliebte Firma (1931/32, Max Ophüls). Im NS-Film versuchte man die musikalische Tradition mit Revuefilmen mit z.T. internationalen Stars (Imperio Argentina, Zarah Leander) fortzuführen. Und auch im Nachkriegsfilm wurde weitergesungen (Heidelberger Romanze, 1951, Paul Verhoeven; Meine Frau macht Musik, 1957/58, Hans Heinrich).