Books About Music

die ärzte: Nackt im Wind - Die Berlin Tour MMXXII. Von BelaFarinRod autorisiert und mitentwickelt Ein heißer Sommer 2022. die ärzte aus Berlin (aus Berlin!) touren durch Berlin. Vom kleinsten Club mit ein paar Handvoll Zuschauern bis zum ganz großen Flugfeld mit Zehntausenden. Zwölf Mal Lärm, Quatsch, Schweiß und Freudentränen. Dass die Konzerte der Besten Band der Welt jedes für sich einzigartig sind, ist ehernes Gesetz. Und Dabeisein ist alles ... naja, fast alles. Denn dieses Mal kann man auch nacherleben, wie knorke es wirklich war. (Oder - falls man aus unerfindlichen Gründen nicht direkt dabei sein konnte - immerhin ersatzerleben.) Also Vorsicht vor tieffliegenden Bechern, BHs und Trialogen! Eine jetzt schon legendäre Tour als Bilderbuch mit Extras: Dazu wurden alle Auftritte der "Berlin Tour MMXXII" mit einem irren Konzept aus mobilen und stationären Kameras dokumentiert und auf großformatiges, schweres Papier gebracht. Mit den extraordinären Bildern des Frankfurter Fotografen Jörg Steinmetz ist man näher dran als Die erste Reihe (TM). So lassen sich BelaFarinRod in einer bis dato tatsächlich nur von raren Clubkonzerten gekannten Direktheit und Intimität auf der Bühne ... äh ... nun ja ... ansabbern. Der ganz normale Wahnsinn (TM) der die ärzte- Konzerte lässt sich dabei sogar akustisch nachvollziehen. Tonschnipsel aus Ansagen, Songausschnitten und Kuriositäten sind per QR-Code abrufbar. (lib)

»Unglaublich populär und schön geschrieben ... Wenn Sie Musik lieben oder Leute kennen, die Musik lieben, werden Sie kein schöneres Weihnachtsgeschenk finden als dieses Buch.« Elke Heidenreich - Spiegel Online Eine musikalische Entdeckungsreise ins Unbekannte und Unerhörte. Kaum ein Bereich der Gesellschaft und der Kunst hängt so am Althergebrachten wie die Welt der klassischen Musik. Auf den Bühnen der Konzert- und Opernhäuser dominieren Beethoven und Brahms, Mozart, Verdi und Wagner. Aber warum tauchen Komponistinnen bis heute kaum auf den Spielplänen auf? Arno Lücker beschäftigt sich seit vielen Jahren mit den Lebensläufen und der Musik von komponierenden Frauen. Die meisten von ihnen mussten sich den Raum ihrer kreativen Entfaltung gegen zahlreiche Widerstände erkämpfen. 250 Komponistinnen aus aller Welt und vielen Jahrhunderten versammelt er in diesem Buch. In funkelnden Kurzporträts lässt er uns in das Leben der Musikerinnen eintauchen. Dabei geht es immer auch darum: Wie klingt diese Musik, die wir noch nicht kennen? Arno Lücker öffnet uns Augen und Ohren für das Unerhörte. (lib)

In der Vielzahl an Weihnachtsliederbüchern ist es nicht immer leicht, den Schwierigkeitsgrad abzuschätzen und die richtige Entscheidung für ein passendes Spielbuch zu treffen. Gerade im Anfänger- und leicht Fortgeschrittenen-Bereich sind die Stücke häufig langweilig oder gar banal gesetzt. Um diese Lücke zu schließen hat Valenthin Engel die wunderbare Sammlung Christmas Piano konzipiert und arrangiert.Christmas Piano enthält eine Auswahl der bekanntesten Weihnachtslieder aus verschiedenen Jahrhunderten in schön klingenden Bearbeitungen mit den dazugehörigen Texten. Die mittelschweren Stücke sind vor allem für leicht fortgeschrittene Klavierspieler gedacht, die über drei bis vier Jahre Spielpraxis verfügen und mit dem Vortrag dieser Stücke glänzen können. Gospels und Spirituals runden diese Ausgabe ab und machen sie zu einem festlichen Begleiter für die Weihnachtszeit. Christmas Piano versteht sich als motivierendes Zusatzrepertoire zu Valenthin Engels Lehrwerken "Circus Pianoforte" sowie "Circus Fortissimo" und ergänzt den Vorgängerband "Weihnachtslieder am Klavier" perfekt. (lib)

Musik malen.Die Notenhefte lassen Freiraum für das Malen zu Musik und für graphische Notation. Die immer feiner werdenden Linien-Systeme bieten die Grundlage für das Erlernen und altersangemessene Üben der Notenschrift. Speziell für den Gebrauch und die intensive "Beanspruchung" durch die Hände der Kinder, ist das gesamte Material sorgfältig und robust verarbeitet. (lib)

Die schwedische Popband ABBA ist aus der deutschen Musiklandschaft nicht wegzudenken. Hits wie Mamma Mia, Dancing Queen oder The Winner Takes It All begeistern damals wie heute.Tauchen Sie ein in die Welt von Agnetha Fältskog, Björn Ulvaeus, Benny Andersson und Anni-Frid Lyngstad, für die der Sieg beim Grand Prix mit ihrem Hit Waterloo 1974 zum Startschuss eines weltweit einmaligen musikalischen Siegeszugs wurde. Deutsche Fans in Ost und West schlossen sie direkt ins Herz. Neben zahlreichen Auftritten im deutschen Fernsehen waren sie dreimal in West-Deutschland auf Tournee. ABBA wurde zwar zu einem weltweiten Phänomen, doch Deutschland blieb immer einer ihrer wichtigsten europäischen Märkte.Dieser Bildband zeichnet den einzigartigen Erfolg von ABBA in Deutschland in den Jahren 1973 bis 1983 anhand von Medienberichten und teilweise noch unveröffentlichtem Bildmaterial nach und lässt Persönlichkeiten aus Musik- und Fernsehbranche sowie enge Weggefährtinnen und Weggefährten der Band und viele Weitere zu Wort kommen. (lib)

Neues Lehrwerk mit kindgerechtem AufbauDas besondere Markenzeichen der neuen Gitarrenschule "Moro und Lilli" von Gerhard Koch-Darkow ist die durchgehend kindgerechte Konzeption.Das beginnt mit dem großem Notenbild, der übersichtlichen Darstellung des Lern (lib)

Der Band führt grundlegend in die Geschichte der wichtigsten Gattungen der weltlichen Vokalmusik im Zeitalter des Barock ein. Dabei werden Madrigale, Airs de cour und Generalbass-Lieder ebenso behandelt wie Kantaten, szenische Intermedien, Drammi per musica, Commedie per musica, Singballette und Tragédies lyriques. Außerdem kommen Aspekte zur Sprache, die zum vertieften Verständnis der Gattungsspezifik beitragen - angefangen von der Wahl der Sujets für musiktheatralische Formen über Fragen der Autorschaft und Aufführungsräume bis hin zu Bühnenbildern und Festarchitekturen. Die ausführliche Analyse exemplarischer Kompositionen prägt das Konzept des Bandes ebenso wie die Integration von Kurzporträts der bekanntesten Vokalkomponisten zwischen 1600 und 1750.

Als die Fußballstadien während der Pandemie leer blieben, schalteten auch viele Fernsehzuschauer:innen nicht mehr ein. Ohne die Resonanz von den Rängen - die Gesänge, das Geraune und Gejubel - verlor das Geschehen auf dem Rasen schlagartig an Reiz. Nie war es offensichtlicher, dass der ganz spezielle Sound einen wesentlichen Teil der Faszination dieses Sports ausmacht. Fangesänge und professionell produzierte Hymnen verleihen dem Spiel nicht nur emotionale Tiefe und prägen die Fußballkultur, sie waren auch entscheidend für die Verwandlung des Sports in ein Unterhaltungsprodukt. So ist es nicht übertrieben zu sagen: Der Aufstieg des Fußballs zur populärsten Nebensache der Welt wäre undenkbar gewesen ohne die Musik, die ihn umgibt.Gunnar Leue hat den Sound des Fußballs als Fan in Stadien live erlebt und als Journalist und Autor beschrieben. Mit »You'll Never Sing Alone« legt er eine umfassende Darstellung des Themas in all seinen Facetten vor. Unterhaltsam wie informativ erzählt das Buch die Geschichte der Fußballbegleitmusik von der Entstehung des modernen Fußballs im 19. Jahrhundert bis in die Gegenwart. Es schaut zurück auf die skurrilen und wenig bekannten Anfänge des Fansupports, auf erste singende Fußballstars, die Entstehung von Vereinshymnen und die Entwicklung der Ultraszene zu einer internationalen Jugendbewegung.Immer wieder stößt Leue auf den einzigartigen Zusammenhang von Fußball und Pop, der die Gesangskultur in den Stadien prägte und diverse Kommerzialisierungswellen seit den 1920ern auslöste. Entlang dieses Spannungsfelds geht das Buch den Fragen nach, die den Kern der Fußballkultur betreffen: Sind Stadien bedeutende Orte, an denen sämtliche Milieus einer gespaltenen Gesellschaft zueinanderkommen und gemeinsam singend agieren? Oder doch nur weitere Arenen des Entertainments, in denen sich passive Konsument:innen berieseln lassen? (lib)

Der Weg von Null zur Jazz-Improvisation für Saxophonist:innen, leicht erklärt vom international erfahrenen Jazz-Pädagogen Martin Jacobsen. Erfahren Sie Schritt für Schritt mehr über die Geheimnisse hinter einem authentischen einfachen und fortgeschrittenen Jazz-Solo, angefangen von den ersten Tönen bis zu Jazz-Linien und Improvisationskonzepten. Die Ausgabe enthält Noten für Tenor- und Alt-Saxophon und ist damit sehr gut im Unterricht einsetzbar. Martin Jacobsen unterrichtet seit vielen Jahren erfolgreich Saxophonisten und Saxophonistinnen aller Levels in Europa und vielen Ländern Asiens.Mit Übe- und Play-Along-Tracks.Schwierigkeitsgrad: 2-3

Mussorgskij komponierte Bilder einer Ausstellung zwischen dem 2. und 22. Juni 1874 in einem wahren Schaffensrausch. Der Titel bezieht sich auf eine Gedenkausstellung mit Zeichnungen, Aquarellen und architektonischen Entwürfen seines Kollegen Viktor Hartmann.

Der vorliegende Band umfasst Studien zum italienischen Libretto am habsburgischen Hof im Barock, die in Vorträgen bei einer internationalen Konferenz an der Universität Wien im Juni 2019 vorgestellt wurden, und hat das Ziel, weitere Fragestellungen anzuregen und anzustoßen zu diesem für kulturwissenschaftliche Studien der Frühen Neuzeit hochinteressanten Themengebiet.Während des Barockzeitalters förderte die Dynastie Habsburg eine in Umfang und Qualität außergewöhnliche Produktion von italienischen Libretti. Die 29 Beiträge dieses Bandes (auf Italienisch, Deutsch und Englisch) stammen aus der Feder einiger der bekanntesten Forscherpersönlichkeiten ihres Fachs und konzentrieren sich auf die spezifischen Eigenschaften verschiedener Textvorlagen für weltliche und geistliche Musik; sie zeigen gleichzeitig auch die Vorherrschaft italienischer Texte im Musikbetrieb dieser Zeit, zunächst ausschließlich am Kaiserhof und später in den öffentlichen Theatern, und unterstreichen deren Rolle und Bedeutung in der italienisch-österreichischen Geschichte der Musik. (lib)

Gehörbildung wird in diesem neuen Studienbuch in einem sehr umfassenden Sinn verstanden, denn Ziel der Darstellung und der Übungen ist es, neben dem Blattlesen auch Gedächtnis und Hörerwartung zu schulen sowie zum 'zuhörenden Musizieren' - sei es allein oder in der Gruppe, nach Noten oder improvisierend - zu bewegen und zu befähigen. Auf diese Weise wird ein ganzheitliches, vernetztes Hören angestrebt, das durch das eigene Singen, Spielen, Improvisieren, Lesen und Verstehen bestimmt ist.Im Fokus steht das Einüben eines kontrapunktischen und harmonischen Vokabulars, das sich an der Musik des langen 18. Jahrhunderts orientiert, dessen Vermittlung aber so konzipiert ist, dass sich die Methodik leicht auf andere Epochen übertragen lässt. Durch ihre langjährige Unterrichtserfahrung an verschiedenen Musikhochschulen sind die beiden Autoren zur Überzeugung gelangt, dass eine solche historisch inspirierte Gehörbildungspraxis hervorragend geeignet ist, um praxisbezogene Grundfertigkeiten zu entwickeln, da sie sich durch eine aktive Aneignung und Versenkung in die Materie auszeichnet. Mit diesem Ansatz ist das Buch ein idealer Begleiter für das Musikstudium. (lib)

Dieses Lehrbuch beschreibt ausführlich, welche Signale der Sänger gesangstechnisch und gefühlsmäßig am Tonsitz erteilt, damit ein klangreiner, tragfähiger und ausdrucksstarken Gesang entsteht, der ohne Verspannungen und Fehlhaltungen bis in die hohen Tonlagen mühelos das Publikum erreicht.

Wie schwul ist die Operette? Darüber lässt sich ähnlich kontrovers diskutieren wie über die Frage, ob das Genre nur sinnfreies Hupfdohlen-Entertainment ist oder eine ernstzunehmende Kunstform. Als Leiter des Amsterdamer Operetta Research Centers hat Kevin Clarke zu beiden Punkten eine klare Haltung. Aus seiner Sicht ist das angestaubte Image der Operette einfach nur ein Missverständnis. Das ursprünglich innovative und gesellschaftskritische Genre wurde erst im Lauf der Zeit (vor allem durch die Nazis) auf das spießig-reaktionäre Heile-Welt-Format zurechtgestutzt, dem es seinen heutigen Ruf verdankt. Dass in diesem Zuge auch der progressive Umgang mit (Homo-)Sexualität verlorenging, ist ein Nebeneffekt dieser Entwicklung. Doch es bewegt sich was. Ob Barrie Kosky in Berlin, Sasha Regan mit ihren All-Male-Gilbert-and-Sullivan-Produktionen in England oder Nitzberg & Neill in den USA - allerorten besinnen sich Theatermacher*innen auf die anarchisch-queeren Ursprünge der Operette zurück, kulminierend in der "Operette für zwei schwule Tenöre", mit der Johannes Kram und Florian Ludewig einen spektakulären Hit landeten. Und natürlich hat es auch in den Jahrzehnten zuvor immer wieder Inszenierungen gegeben, die sich dem subversiv-frivolen Geist der Urväter Offenbach & Hervé verpflichtet sahen. Von solchen Aufführungen und ihren historischen Vorbildern handelt "Glitter and Be Gay Reloaded". Der Zusatz "Reloaded" bezieht sich dabei nicht nur auf die Wiederbelebung des alten Bisses, sondern auch darauf, dass Clarke bereits 2007 in seinem seit Langem vergriffenen Sammelband "Glitter and Be Gay - Die authentische Operette und ihre schwulen Verehrer" forderte, die Welt möge "die Scheuklappen ablegen und das Genre so betrachten, wie es ursprünglich gedacht war. Als Kunstform am Puls der Zeit, mit Witz und Pfiff. Und Sex in allen Formen und Variationen." Die Reloaded-Ausgabe ist eine vollständig überarbeitete und deutlich erweiterte Fassung des damaligen Werks. Neben den wichtigsten Grundlagentexten aus der Erstausgabe enthält sie neue Texte von Musical-Journalist Nick-Martin Sternitzke, US-Musiktheater-Experte Brian Valencia und Publikumsforscher Tillmann Triest. Weitere Beiträge liefern Philipp Amelungsen, Marie-Theres Arnbom, Rainer Bielfeldt, Andreas Gergen, Josef E. Köpplinger, Enrique Mejías García, Christophe Mirambeau, Richard Norton, Ralf Pleger, Ralf Jörg Raber, Axel Ranisch, John Rigby, Margot Schlönzke u. v. a. Natürlich meldet sich auch der Herausgeber selbst mit neuen Erkenntnissen zu Wort, die die jüngere Entwicklung spiegeln. (lib)

Oriental Jazz Improvisation - Microtonality and Harmony is a comprehensive comparative study that explores the incorporation of Turkish, Arabic, and North Indian scales and modes into jazz improvisation and modulation. The book includes a multitude of scales and modes from these music cultures, along with their transpositions. These scales and modes are essential for any musician interested in South-Western Asian or North Indian music. Besides, the book delves into numerous scales and modes from other cultures' folk music, such as Greek rebetiko, Bulgarian wedding music, or Jewish music, highlighting parallels and similarities among these diverse music traditions. Each scale and mode is presented in its purest - microtonal - form, including the exact interval values in the particular tuning used in the classical Turkish, Arabic, or North Indian music tradition. Additionally, the basics of the respective music theories are imparted. Further, the genuine scales and modes are transcribed into the equal temperament and several practical techniques are shown how to apply them in a jazz context.

Ein umfassender Überblick über die Goth-Musik und -Subkultur John Robbs neuestes Werk bietet einen umfassenden Überblick über die Goth-Musik und -Subkultur und ihre bis heute anhaltende Bedeutung. Robbs Erkundung beginnt mit einer Nacht in einem Goth-Club und taucht sodann tief ein in die von ihm selbst seit den späten Siebzigern miterlebte Kultur. Er beschreibt den gesellschaftlichen Kontext, der Goth in der Post-Punk-Zeit hervorgebracht hat. Er untersucht die weit zurückliegenden Ursprünge, die Vorläufer und den Einfluss der Goth-Kultur: den Untergang Roms und die Goten, Lord Byron und die romantischen Dichter, europäische ­Volksmärchen, gotische Architektur und Maler, das Okkulte, bis hin zu modernen Instagram-Influencer:innen. Robb erforscht die Musik, den Stil, die politischen und sozialen Bedingungen dieser Kultur, ihre Musik, ihre Mode und ihr Lebensgefühl, die Clubs, die sie definierten. Und er berichtet aus erster Hand, denn er war bei vielen der legendären Gigs live dabei. Das Buch konzentriert sich auf den Post-Punk/Goth der 1980er-Jahre. Es enthält Interviews mit Andrew Eldritch (The Sisters Of Mercy), The Cure, Nick Cave, Bauhaus, The Cult, Siouxsie & The Banshees, The Damned, Einstürzende Neubauten, Killing Joke, Johnny Marr, Trent Reznor (Nine Inch Nails), Adam Ant, Laibach und vielen anderen.

Dieterich Buxtehude gehört zu den bemerkenswertesten europäischen Musikerpersönlichkeiten seiner Zeit: Er bekleidete als Organist der Marienkirche in Lübeck eines der wirkmächtigsten kirchenmusikalischen Ämter Norddeutschlands. Durch die Neuordnung des kirchlichen Lebens nach der Reformation war die Bürgerkirche zum Mittelpunkt der Kirchenmusik in der Stadt geworden - nicht zuletzt wegen der dominierenden Stellung des Marienkantors bei der Zuteilung der Figuralmusik. Wie kaum ein zweiter Musiker in Norddeutschland konnte Buxtehude hier seine kompositorischen Projekte vervollkommnen und zahlreiche Projekte verwirklichen, die ohne Beschränkung durch liturgische Rücksichtnahmen neue, eindrucksvolle Formen des Musizierens ermöglichten. Eine ganze Reihe von Zeugnissen belegt, dass Buxtehudes Reputation als Orgelvirtuose und Komponist weit über Lübeck hinaus in Nord- und Mitteldeutschland und im gesamten baltischen Raum verbreitet war.

Giacomo Puccini (1858-1924) war einer der erfolgreichsten Komponisten des 20. Jahrhunderts, seine Opern zählen zu den meistgespielten Werken des internationalen Repertoires. Als letzter Repräsentant einer jahrhundertealten Kapellmeisterdynastie aus Lucca war Puccini ein Künstler an der Schwelle zur Moderne, der mit äußerster Sensibilität die sozialen, ästhetischen und kompositorischen Entwicklungen seiner Zeit reflektierte. Sein Schaffensprozess dokumentiert das planvolle Bestreben, in der Zusammenarbeit mit seinen Librettisten und Verlegern die musikalische und szenische Gestalt seiner Bühnenwerke auf allen Ebenen zu perfektionieren. Das Buch legt einen besonderen Akzent auf die musikdramaturgische Analyse und auf die Rezeptionsgeschichte. Zugleich werden die Stationen von Puccinis Karriere in ihrem gesellschaftlichen Kontext untersucht.

Wie kaum ein anderer Vertreter der Neuen Musik des frühen 20. Jahrhunderts hat Arnold Schönberg die Tonsprache radikalisiert. Er selbst war der festen Überzeugung, dass er mit seinen Werken, deren Aufführungen häufig spektakuläre Skandale hervorriefen, lediglich die Entwicklung weitergeführt hätte, die er in der Musik von Bach, Mozart, Brahms und Wagner vorgeprägt sah. Mit eiserner Konsequenz überschritt er bald die Grenzen der Tonalität, um sich schließlich ganz von ihr zu lösen. Schönbergs Musik ist heute vor allem wegen ihrer geschichtlichen Bedeutung akzeptiert, aber man kann kaum behaupten, dass sie häufig zu hören ist, geschweige denn populär wäre (wovon Schönberg insgeheim träumte). In diesem Buch wird versucht, den unterschiedlichen Voraussetzungen für dieses schwierige, sperrige OEuvre nachzugehen, seine musiktheoretischen Vorgaben näher zu untersuchen und - fast siebzig Jahre nach dem Tod des Komponisten - sein Werk an dem Anspruch zu messen, den er selbst gestellt hat.

Der Autor wuchs im südlichen Randgebiet der geteilten Stadt Berlin auf. Inzwischen lebte er fast genau die Hälfte seines Lebens in der DDR und die andere Hälfte im vereinigten Deutschland. Die LeserInnen werden mitgenommen auf eine spannende Reise durch sein Leben mit all den Herausforderungen, die es für ihn gab. Sein ständiger Begleiter dabei war die Musik, insbesondere die Bluesmusik. Gegen die Widerstände der Stasi begann er in seiner Jugend Bluesfeten im privaten Rahmen zu organisieren und hat daraus eine Tradition werden lassen, die sein gesamtes Leben durchzieht. Zudem berichtet er über weitere Initiativen, die Blueskonzerte auf die Bühnen des südöstlichen Brandenburg bringen. (lib)

Mit dem Violinkonzert (1990/92) zieht Ligeti die Summe seines Schaffens,indem er wesentliche Aspekte früherer Schaffensperioden in seinezu Beginn der 80er Jahre erneuerte Musiksprache einbezieht; zugleichwagt er sich weiter als je zuvor in den Bereich der Mikrotonalitätvor. Der hier vorgelegte Band vereint analytische Studien - mit Fokusauf der Tonalität, rhythmischen Konzeption, gattungsgeschichtlichenPosition, ästhetischen Haltung und Dramaturgie - mit Studien zumSchaffensprozess und zur kreativen Welt des Violinkonzerts, möglichgeworden durch die reichhaltigen Bestände an der PSS Basel. Sogewähren die verbalen Skizzen Einblicke in Ligetis kreative Welt (inGestalt von Namen, Begriffen und Werktiteln), dokumentieren seinepermanente Suche nach einer in sich stimmigen Satzfolge, seine >synästhetische

Helmut Lachenmann gehört seit langem zu den prägenden Persönlichkeiten der Gegenwartsmusik, seine Werke werden weltweit gespielt, ihr Rang steht außer Frage. Die Monographie Helmut Lachenmann und seine Zeit zeigt auf der Basis eingehender Quellen- und Werkbetrachtungen, dass der Weg des Komponisten einerseits konsequent ist, aber die im Laufe von mehr als 60 Jahren entstandenen Werkkonzeptionen andererseits doch von signifikanten Differenzen, Prozessen der Öffnung sowie Neuansätzen getragen sind. Lachenmanns Schaffen weist dabei, obgleich es mit guten Gründen als höchst originell angesehen werden kann, vielerlei Resonanzen und Reflexionen anderer kompositorischer Ansätze sowie von verschiedenen philosophischen Positionen auf. Und es vermittelt in gleichermaßen elementarer wie exemplarischer Weise, was die Idee einer existenziellen Erfahrung von Kunst innerhalb des breiten Spektrums der heutigen Gesamtkultur bedeuten kann.

Endlich gibt es sie: die Gesamtausgabe der bekanntesten »Feiert Jesus!«-Songs der letzten 25 Jahre! Damit ist Schluss mit dem mühsamen Suchen nach dem entsprechenden Lied in den Einzelausgaben der »Feiert Jesus!«-Liederbuch-Reihe. Alle Lieder sind im praxiserprobten Format mit Liedtext, Melodiestimme & Gitarrenakkorden abgedruckt. Alle englischsprachigen Lieder enthalten eine singbare deutsche Übersetzung. (lib)